Имперский стиль искусства: «имперский» стиль искусства, 5 (пять) букв

Содержание

Стиль ампир в архитектуре: имперский размах

Стиль ампир появился в искусстве и архитектуре в конце XVIII – начале XIX века, после Французской революции и в период империи Наполеона. Само название стиля произошло от французского слова «empire» – империя. Главной целью искусства в эту эпоху было восхваление империи и императора, его величие и военные успехи, что и определило характерные черты стиля. Это проявилось в увлечении строительством триумфальных арок, памятных обелисков и колонн.

Так же как и его предшественник – классицизм, ампир ориентируется на архитектурные образцы античности, взяв из них мотивы для воплощения идеи величественности и мощи воинской силы: монументальные, массивные портики, сочетание простых геометрических форм с военной эмблематикой в архитектурных элементах. Основными декоративными мотивами стиля ампир были именно атрибуты римской военной истории: массивные портики, украшенные барельефами фронтоны, легионерские знаки с орлами, львы, связки копий, щитов и ликторских топоров.

Удивительно, но при всем своем военном пафосе и нормативности архитектуры ампир был романтичен. Этому способствовали древнеегипетские мотивы в декоративных элементах, появившиеся во французской архитектуре после похода Наполеона в Египет, а также унаследованные из римской архитектуры, которая в период древнеримской империи испытала сильное влияние египетского искусства. Римские военные мотивы и египетская экзотика гармонично переплетались в ампире, не нарушая целостности стиля.

Помимо Франции, стиль ампир прижился и в России, но отличался от французского большей свободой, мягкостью и пластичностью. Он делится на две ветви: столичную и провинциальную, причем стиль загородных дворянских усадеб отличается еще большим своеобразием и свободой.

Фасадный декор в стиле ампир придает зданию величественный и спокойный вид, ненавязчиво подчеркивая статус хозяина дома. Современные технологии позволяют декорировать фасад вашего дома в стиле ампир без особых трудностей при помощи лепного декора из полиуретана. Сохраняя такие достоинства декора из традиционного искусственного камня, как привлекательный внешний вид и прочность, он обладает рядом преимуществ: он легкий и не создает дополнительной нагрузки на стены (что существенно, если вы заранее не рассчитали прочность несущих стен и фундамента с учетом декоративных элементов из искусственного камня). Кроме того, установка архитектурных элементов из полиуретана не требует специальной техники, что значительно снижает совокупные денежные затраты.

На фотографии справа можно увидеть колористику фасада, достаточно часто встречаемую между зданий в стиле ампир — красно-коричневые кирпичные стены и белый декор. Сегодня это легко осуществимо с помощью применения фасадных облицовочных термопанелей, одновременно создающих «кирпичный» фасад благодаря клинкерной плитке, и утепляющих ремонтируемый фасад. Поскольку существует огромное количество решений фактуры и цвета клинкерной плитки, можно создать именно то колористическое решение фасада здания, которое предполагается задаваемым архитектурным стилем.

Таким образом, стиль ампир, пришедший к нам от Наполеона, становится вполне достижимым благодаря современным материалам для отделки фасада.

Дата публикации: 05.03.2008

© Регент Декор

Стиль ампир — Имперский стиль в моде и архитектуры. — Искусство

Вслед за классицизмом в Европе в начале XIX века в моду вошёл стиль ампир. В истории вслед за Древней Грецией могущественным и влиятельным становится Древний Рим, точно также и классицизм сменяется стилем ампир. Классицизм в большей степени был связан с влиянием Древней Греции, а стиль ампир был подвержен влиянию искусства Древнего Рима, а именно Рима периода империи.

 
Эпоха стиля ампир – 1800-1825 годы. Ампир означает имперский, зарождается он во Франции, во времена Наполеона, а именно во времена его успехов, его побед. Ведь ампир – это стиль империи, стиль триумфальных арок, арок, возводимых в честь побед, как в Древнем Риме, так теперь и в Париже.

 
Ампир появится и в ХХ веке, так называемый сталинский ампир. Здания и целые архитектурные ансамбли в стиле сталинского ампира можно найти в Киеве, Москве и Минске. Так в Минске весь проспект Независимости от вокзала до здания БНТУ выдержан в духе сталинского ампира, стиля империи.

 
Казанский Собор построен в стиле ампир, а также сталинская высотка в стиле сталинский ампир.
 

 
Стиль ампир всегда отличается большой пышностью, блеском, помпезностью.
 
Но вернёмся в начало XIX века. Как и в архитектуре, так и в моде стиль ампир получает распространение.

Силуэт костюма эпохи ампир имеет цилиндрическую форму, стремясь к цилиндрическим очертаниям стройной и высокой колонны. Используются однотонная рельефная вышивка, симметричная декоративная отделка, плотные блестящие ткани.

 
В мужской одежде распространённым становится появившийся ещё в эпоху классицизма фрак – шерстяной с высоким воротником-стойкой, обязательно тёмных тонов – чёрный, синий, серый, коричневый.
 
Носили такой фрак со светлым жилетом и такими же светлыми панталонами.
 
Верхний одеждой оставался также появившийся ранее редингот или сюртук. Сюртук постепенно становится основным элементом в мужском деловом костюме. А осенью и зимой носили редингот с двойным, а то и тройным воротником или же пелериной.
 
Причёски – в основном короткие, на головах – шляпы с небольшими и загнутыми по бокам полями.
 
Обувь – туфли и сапоги.

Но особенно сильным было влияние стиля ампир на женскую одежду. Яркой особенностью стиля ампир в женской одежде становится высокая талия, которая делит фигуру в соотношении 1 : 7 и 1 : 6, плюс прямая длинная юбка и узкий лиф.

 
Корсеты столь популярные во времена барокко и вышедшие из моды в эпоху классицизма в период ампира вновь возвращаются. На смену мягким и лёгким тканям приходят плотные, к примеру, плотный шёлк, впрочем, также используются и тонкие прозрачные ткани, но обязательно на плотной, чаще шёлковой подкладке.
 

 
В женском костюме появляется и всё больше и больше декоративных элементов — рюши, оборки, кружева, вышивки. Вышивки часто выполнены однотонной белой гладью с золотой и серебряной нитью, блестящими пайетками.
 

Для самих платьев в стиле ампир также были характерны: шлейф, низкое декольте, короткий рукав-фонарик на широком манжете.

 
В верхней женской одежде в начале XIX века появляются короткие спенсеры, однобортные рединготы из хлопчатобумажных, а также шерстяных тканей, отделанные бархатом, атласом (а зимой — подбитые мехом). Верхняя одежда повторяет силуэт, форму и покрой деталей платья.
 

Головные уборы – капоры самых разнообразных фасонов, а иногда и с вуалью, шляпы типа ток.
 

 
Тока – головной убор, который как раз таки появляется именно в эпоху Наполеона. Это была чёрная бархатная шляпа, украшенная перьями. Такая шляпа изображалась … на гербах, а именно на гербовом щите. Цвет околыша и количество перьев менялось в зависимости от титула хозяина герба. Так, к примеру, тока, изображённая на гербе дворян, имела зелёный околыш и одно перо.

Вскоре такой головной убор без полей и округлой формы стали носить и женщины.

 
 
Именно в начале XIX века, как и в эпоху барокко, большое внимание уделяется причёскам и головным уборам, а именно их пышности и нарядности.
 
Также используются перчатки: длинные лайковые, иногда без пальцев, так называемые митенки.
 
Обувь – туфли, плоские и открытые, кожаные и на низком каблуке.

 
Украшениями к платьям в стиле ампир служили жемчуг (как искусственный, так и натуральный), камеи, диадемы, колье, ожерелья, которые оборачивались вокруг шеи по несколько раз, на руках – браслеты, перстни, браслеты также носились и на ногах, серьги с подвесками.

 

 

Неизменной законодательницей моды в стиле ампир в начале XIX века была супруга Наполеона Бонапарта Жозефина.

 

Сегодня стиль ампир в одежде в основном представлен в платьях и сарафанах. Очень красивы свадебные платья. А вот особенности стиля ампир сегодня такие же, как и в начале XIX века: завышенная линия талии, наличие обязательной ленточки под грудью, а также струящийся силуэт и ощущение лёгкости. Длина также может быть до пят, как и вначале XIX, но может быть и короткой.

 

 
 
Платья в стиле ампир с укороченными юбками придают образу определённую женственность и даже кукольность, наивность. Из-за этой кукольности появилось и название стиля для подобных платьев – стиль baby doll.
 
Свадебные платья в стиле ампир шьются, как и из традиционного для ампира шёлка, та и из шифона. Обувью к таким свадебным платьям служат либо сандалии на плоской подошве, либо туфли на высоком каблуке. Волосы разбиваются на прямой пробор, гладко причёсаны, а на лоб спадают локоны. Если же волосы длинные, то их заплетают в две косы и укладывают в сеточку на затылке.

Плюсом платьев в стиле ампир является то, что они подходят практически всем. Так полным девушкам они помогут подчеркнуть грудь и скрыть полноту, девушкам с мальчишеской фигурой придадут женственности. А низким девушкам, платья в стиле ампир позволят выглядеть более высокими и статными.
 
Вероника Д.   http://www.liveinternet.ru/users/4723908/post230294527/
http://mylitta.ru/510-empire-style.html
http://fashiony.ru/page.php?id_n=12556
http://commons.wikimedia.org

Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов

Подписаться

Имперский стиль» в ахеменидском искусстве. Ассирийский и персидский монументальный рельеф, произведения торевтики.

Обратная связь

 

Имперский стиль

В то время в Персеполе создается определенный стиль который в свою очередь получит название «Имперский стиль», и уже своим посредством будет господствовать над всеми территориями которые подвластны Ахеменидам. Но между Пасаргадами и Персеполем эволюция, которая очень молода в своей сфере, и составляет по времени не так много всего лишь 20-25 лет.
Если рассматривать по плану, то дворцы Персеполя и Пасаргада практически ни чем не отличаются, строители используют все те же комбинации кирпичей сырца и деталей состоящих из камня, но при этом украшенных четким рельефом. Как в Персеполе, так и в Пасаргадах, строителей скорее всего следует относить к скульпторам, нежели к архитекторам – этим и замечается массивность форм. Но, тем не менее, в Пасаргадах нет лестниц в несколько маршей, которые впервые были созданы в Персеполе, а в последующем уже укоренившиеся в иранской архитектуре. В Пасаргадах несколько другие базы колонн, там не замечалось колонн с каннелюрами, в которых используется разноцветный (белый и черный) камень. Что самым важным является, то что не следует считать Персеполь как целый единый комплекс, где имеются только архитектурные формы и скульптуры, которые объединены в одну историю. Так как весь этот комплекс создавался по продуманным до каждой детали плану, который в последующем уже возводился в архитектуру или скульптуру.
О существовании Ассирии – охарактеризовавшийся как мощный и агрессивный в числе государств, чьи границы располагались от Средиземного моря до Персидского залива, люди знали еще до археологического открытия в одном из текстов Библии – которая посвящена иудеям и христианам. Но в то же время, ассирийцы были очень агрессивными к этому можно отнести разрушение городов, устраивание массовых казней, продавание в рабство множество тысяч людей, а так же переселение народов. Но следует понимать, то что они, прежде всего завоеватели с огромным влиянием, относившиеся к культурному наследию покоренных стран, изучая принципы художественного мастерства с большим вниманием. Тем самым ассирийцы, объединив традиции множественных культур, обрели неповторимый облик.
С первого взгляда можно посчитать, то что ассирийцы старались создавать и совершенствовать новые формы. В их архитектуре можно встретить практически все известные типы построек: зиккурат, бит-хилани. Их новизна прежде всего заключалась в подходе к архитектурному ансамблю. А главным центром дворцово-храмовых комплексов стал не храм, а дворей. Со времен появился новый тип город – это был город с однозначно строгой планировкой. К этому можно отнести Дур-Шаррукин – это резиденция короля Саргона 2 (722-705 гг. до н. э.). Большую часть общей площади занимает дворец, этот дворец, был окружен мощными стенами, которые имели возвышение в 14 метров. В самой системе дворцовых перекрытий применялись арки со сводами. А его парадный вход охраняли огромные фигуры фантастических стражей, которые получили своё название «Шеди» — их внешний вид напоминал крылатых бычков с человеческими лицами. В украшении покоев царских дворцов ассирийцы, прежде всего, отдавали выбору рельефа, тем самым создав собственный стиль в этом виде искусства. Особенности ассирийского рельефа были сформированы еще до н. э.Наиболее известным из рельефов принято считать дворец Ашшурбанипала в Нивении, который возводился еще до н. э. Данное выполнение рельефа отмечается нанесением его с поразительным мастерством и огромной эмоциональной силой, изображающий сцены с охотами, на так называемой Царской комнате. В отличии от подобных изображений из дворца в Кальху, здесь все находится в целеустремленном движении: расширение свободного пространства между фигурами дает ощутить это движение. Рельефы которые наблюдаются в Нивении крайне естественны, что можно относить и к изображениям с животными: Их вид анатомически правилен, позы точны, ее можно воспринять как живую. В конце в. до н. э. Ассирия была уничтожена противниками – Вавилонией и Мидией. Нивения была столицей Ассирии еще в 612г. до н. э. была так же разрушена, а в 605 г. до н. э. А в сражении которое проходило под Каркемишем погибли последние остатки ассирийской армии. В искусстве древности традиции Ассирии, касающаяся область монументального рельефа, еще долгое время давала о себе помнить и привлекать к себе многочисленное количество внимания. В частности, огромное влияние у них было воплощено на скульптуру Древнего Ирана. Что касалось дворцов царей, для них изготовлялись утвари, в большом объеме которые состояли из драгоценных и редких металлов. Торевтика – это мельчайшая художественная пластика из металла – которая достигла большого совершенства. Самой лучше коллекцией предметов в мире такого рода обладает Эрмитаж.

 

Иранское плоскогорье расположено северо-восточнее района Междуречья. Население этих мест с древнейших времен занималось кочевым скотоводством, более низменные восточные и западные окраины плоскогорья были пригодны для земледелия. На этой территории первоначально сложилось несколько мелких государственных образований. Основные из них Элам (ХIII – ХII вв. до н.э.) и Мидия (Х в. до н.э.). К этой же территории на севере примыкало государство Урарту.

В конце VII – начале VI вв. до н.э. мидяне в союзе с вавилонянами разгромили Ассирию и захватили территорию до Персидского залива. Но в это время усиливаются их соседи – племена персов. В 553 г. до н.э. они во главе с царем Киром – основателем династии Ахеменидов – сокрушили Мидию и захватили в короткий срок значительные территории от Урарту до Месопотамии и Северного Египта. На этих территориях существовали высокоразвитые цивилизации древности, поэтому культура Персии носит заметные черты эклектизма – совмещения форм, заимствованных из разных культур. Расцвет государства персов приходится на VI – V вв. до н.э., когда они создали самое большое из древневосточных государств, границы которого простирались от реки Инд до Эгейского моря и от Армении до 1-го порога реки Нил, и царь Персии присвоил себе титул «шахин-шах» – «царь царей». Это мощное государство существовало до 330 г. до н.э., когда его завоевал Александр Македонский. После смерти Александра Персия вошла в состав эллинистического государства Селевкидов.

Культура Персии опиралась на более древнюю культуру мидян. В основе их религии лежал культ поклонения огню, поэтому они строили не храмы, а алтари огня. Гробницы в Мидии принято было высекать в скалах на значительной высоте. Фасад гробницы представлял собой углубленный в виде прямоугольной ниши портик с двумя протоионическими колоннами, капители которых имеют с двух сторон крупные завитки – волюты, между которыми расположена рельефная пальметта. В плане гробница симметрична относительно оси портика и имеет несколько камер, расположенных иногда в разных уровнях. Царские резиденции было также принято строить на возвышенных горных плато.

В середине VI в. до н.э. основоположник династии Ахеменидов царь Кир строит высоко в горах Персиды город-резиденцию Пасаргады по образцу мидийской столицы Экбатаны. Этот комплекс расположен в предгорьях Загроса, в долине реки Пулвар. Цитадель, окруженная мощными стенами с башнями, была расположена на платформе высотой 13 м., выложенной из камня. Она примыкала к крутому склону холма. Терраса была сложена из плит известняка и облицована снаружи мощными каменными квадрами (4.2 м в длину). Дворцы (жилой и приёмный) располагались на площадке, обнесенной стеной и примыкающей к террасе. В основе дворцовых зданий лежала многоколонная конструкция. Входы во «дворец аудиенций» были фланкированы двумя глухими башнями, между которыми располагались 30 колонн, по 15 в два ряда. Стены были выложены из кирпича-сырца на цоколе из отесаных квадров. Боковые помещения были выше центрального.

В архитектурной отделке дворцов применялось декоративное сочетание черного и белого камня, позаимствованное из архитектуры Урарту. Обнаружены остаткиоблицовочных плит-ортостатов, украшавших стены и дверные проемы дворцов. По стилистике и тематике изображений они очень близки к месопотамской – ассирийской и эламской традиции. Обнаружены их точные аналоги среди ортостатов дворца в Ниневии. Анализ памятников Пасаргад обнаруживает в них явный эклектизм: совмещение египетских, ионийских, лидийских, урартских, месопотамских приемов.

Для производства строительных работ персидские цари использовали пленных мастеров из разных стран, материалы также свозились со всех концов персидской империи. От города Пасаргады сохранилась лишь гробница царя Кира, сделанная в виде небольшой ступенчатой пирамиды, завершающейся изваянием в виде саркофага. Высота этого монумента – 11 м. Массивные ступени гробницы выложены из тщательно пригнанных плит песчаника, скрепленных скобами.

После внезапной смерти царя Кира строительство Пасаргад было прервано. В 520 г. до н.э. царь Дарий I начинает строительство новой укрепленной резиденции – более грандиозной и роскошной, чем Пасаргады. Этот город известен под греческим названием Персеполь. Комплекс возводился по единому замыслу и должен был воплощать в своих формах идею богатства и мощи персидского царства. Строительство комплекса продолжалось более 50 лет, ежегодно в нем участвовало не менее 3000 человек.

Крепость была возведена на искусственно подготовленной террасе размером 450 на 300 м., высотой 12 м., вырубленной на склоне скалы и укрепленной высокой подпорной стеной из огромных каменных блоков. Со всех сторон терраса была окружена крепостной стеной. Все постройки возводились из великолепного светлого песчаника, они расположены по строгой геометрической системе, их оси параллельны.

В крепость вела большая симметричная двухмаршевая лестница, по оси которой на террасе были поставлены пропилеи с 4-мя колоннами. Пройдя через пропилеи, ось композиции поворачивает направо, где расположено самое большое здание комплекса – Ападана. Это приёмный зал, расположенный перед территорией, которую занимают дворцы царя Дария и его сына Ксеркса. Зал Ападаны был предназначен для ежегодной церемонии приношения дани из подчинённых Персии стран персидскому царю в честь праздника Нового года (Ноуруза). Помещение должно было вмещать одновременно несколько тысяч человек, поэтому оно было построено по типу многоколонного зала с размерами 62,5 на 62,6 м. 36 колонн Ападаны имеют пропорции диаметра к высоте 1:12, расстояние между осями – 8,74 м. таким образом, они занимают лишь 5% площади зала, создавая высокий и просторный интерьер. Высота колонн – около 20 м. С трех сторон зал окружён портиками из двух рядов по 6 колонн. Антаблемент из мощных брусьев кедра был отделан листовым золотом, парапет крыши – облицован цветной керамикой. По всем четырем углам здания возвышались массивные четырехугольные башни. На стенах лестниц сохранились ортостаты – облицовочные каменные плиты по типу ассирийских, покрытые рельефными изображениями процессий иноземцев, приносящих дань: эламитов, мидийцев, вавилонян, арабов, армян, скифов, хорезмийцев, негров в своих национальных костюмах и воинских доспехах.

Восточнее Ападаны параллельно ей стоял «зал ста колонн», предназначенный для хранения сокровищ. Он имел глухие стены, лишь центральная часть освещалась через перепад кровли очень маленькими квадратными окошечками. Рядом с этим залом были расположены несколько мелких сокровищниц. Перед входом был устроен широкий навес, опирающийся на два ряда колонн. Торцовые стены навеса были украшены изображениями месопотамских крылатых быков – шеду.

Между Ападаной и “залом ста колонн” встроены тройные ворота, ведущие в дворцовый комплекс, все здания которого также состоят из больших и малых многоколонных залов.

Таким образом, многоколонный зал был основной “ячейкой” архитектуры Древнего Ирана. Кроме того, здесь был выработан новый тип колонн. Их высота достигала 18 – 20 м. Более тонких по пропорциям колонн в то время не было нигде в мире. База колонны представляла собой как бы опрокинутую чашечку многолепесткового цветка с валом над ней. Ствол был гладким или каннелированным узкими каннелюрами. Колонна увенчивалась чрезвычайно сложными капителями: на пальмовидную чашечку ставится форма в виде вертикального бруса квадратного сечения, украшенного снизу и сверху встречными парными завитками волют. На этот брус кладутся сдвоенные протомы – скульптурные полутуловища быков, львов или лошадей. Седлообразная впадина спины между головами протом служит для опирания потолочной балки из кедрового бруса. Перекрытие по этим балкам состояло из мелкобрусчатого настила и глиняного ковра. Интерьеры украшались яркой раскраской по штукатурке, поливной керамикой, металлическими накладками, цветными занавесами. Жилые помещения имели северную или северо-восточную ориентацию.

В Иране, в отличие от соседних государств, сложилась собственная религиозно-философская система – Зороастризм. Согласно учению Зороастризма, мир представляет собой арену борьбы добрых сил, которые олицетворяет божество Ахура Мазда и «злого помысла», который воплощается в образе Ангхра Манью. Долг последователя Заратуштры – помогать добру, в результате чего он попадает в рай (Гаро-дмана).

Персонифицированные качества главных богов постепенно становятся самостоятельными богами: Праведность, Благомыслие, Добровластие, Здравие, Бессмертие, Святая набожность. Также почитаются священные стихии: земля, вода и, в особенности, огонь – символ Ахура Мазды, а также — души предков и праведников, в особенности, предков царского рода. Боги изображались не в виде антропоморфных существ, а в виде перевоплощений (ипостасей) – зверей и птиц. Подходящая для их изображений иконография была найдена среди ранее существовавших образов Древнего Востока, которые часто не соответствовали им по смыслу.

Традиции искусства Ирана восходят ещё к доахеменидскому периоду (ХIII – VII вв. до н.э.). В многочисленных могильниках, относящихся к этому периоду, найдена так называемая «серая керамика» – горшки-чайники с декоративными носиками в виде птичьего клюва, бокаловидные сосуды, чаши на 3-х ножках. Позже появляются изделия из красной глины. Этот керамический стиль распространился по обширному региону иранского нагорья. Декоративные изделия из металлаторевтика — с ХI в. до н.э. также появляются в захоронениях в качестве ритуальных сосудов: золотые кубки, блюда, мечи, кинжалы, наконечники копий, топоры. По форме эти предметы тесно связаны с закавказскими. Широко были распространены сосуды зооморфных и антропоморфных форм.

Наиболее ранние образцы иранского искусства VIII – VII вв. до н.э. найдены в курганах Зивие: парадное оружие, рукояти и ножны которого украшены рельефами из золотого листа с изображениями животных и орнаментикой, в стилистике которых видны урартские. Ассирийские и скифские черты. На рукоятях мече й изображено «древо жизни», по бокам которого стоят крылатые гении – мотив, заимствованный из Урарту и Ассирии.

Особую группу среди изделий торевтики составляют так называемые Луристанские бронзы: детали сбруи, вотивные (ритуально-культовые) предметы в «зверином стиле». В разнообразных замысловатых композициях этого стиля встречаются различные животные: пантеры, олени с крыльями, козы и животные-химеры, сочетающие в своем облике элементы, взятые от разных животных (льва, орла, быка, рыбы).

Наивысшего развития «звериный стиль» достиг в Х – VII вв. до н.э., когда в Луристане развивалась металлургия. В стилистике изображений происходит смешение иконографических образов различных культур этого региона: ассирийских, эламитских, урартских. Распространены «идолы» – навершия вотивных штандартов с изображением антропоморфных божеств, богинь с головами рыб, птиц, часто встречаются изображения Зервана – мифического существа, соединяющего в себе черты юноши и старца. Изображения животных иногда напоминают более поздние скифские: олень с поджатыми ногами, прыгающие пантеры и головы грифа.

В период VIII – VI вв. до н.э. создаются первые иранские государственные образования, население которых составляют мидяне и персы. В искусстве появляются собственные иранские черты. В VI в. до н.э. Мидия сокрушила Ассирию и Урарту. К этому времени относится найденный в иранском Курдистане клад в резиденции правителя. Этот клад состоял из сокровищ, награбленных в ассирийском походе: костяных пластинок (украшений мебели), шкатулок, украшений сбруи, нагрудников вельмож, серебряных сосудов, деталей украшения колесницы из Урарту. Интересная находка – серебряное блюдо с золотыми аппликациями в виде звериных фигур: пантер, голов грифов, зайцев. В орнаментике присутствуют урартские элементы (розетки, иероглифы). Найдена также золотая пектораль (нагрудное украшение) с изображениями фантастических существ. В центре композиции – дерево жизни, по бокам расположены фигуры козлов и крылатых быков, ряд фантастических животных: сфинкс, крылатый баран, лев с птичьим хвостом и бычьими рогами. Иногда чужеземные образы копировались без понимания смысла, «добрые» гении смешивались со «злыми», они заимствовались из цилиндрических печатей, геральдических композиций. Вообще, животные во многих культурах считались реинкарнациями богов (лев, вепрь, орел, сокол, ворон). Позже все эти мотивы встречаются в иранском искусстве.

В дворцовых постройках постоянно встречаются различные рельефы, неразрывно связанные с архитектурными формами. Дворцы Пасаргад и Персеполя строились с использованием мидийских, эламитских, урартских и ассирийских форм, мастера приглашались также из Ионии и Лидии (греческих колоний в Малой Азии). При входе в комплекс Персеполя стоят 10-ти метровые «шеду» – крылатые быки с головой человека, заимствованные из Ассирии, цоколь и боковые стены лестниц Ападаны были сплошь покрыты рельефами в несколько ярусов. На этих рельефах изображены воины персидской армии, а также мидийцы, эламиты, несущие царский трон и ведущие коней. В другом ярусе изображено шествие народов во главе с персидскими наместниками провинций, подчиненных Персии. Они несут дань персидскому царю: золотые вазы, кубки, оружие, ведут львиц, быков, коней, верблюдов. Сюжеты и позы канонизированы, фигуры воинов строго повторяются, как будто они вырезаны по трафарету. Всюду прослеживается стремление к симметрии, зеркальному повтору сцен.

В этом выражается «имперский стиль» официального искусства ахеменидского Ирана. Архитектурная форма и скульптура объединены в одно целое повествование о могуществе персидского царя. Главные сцены, изображенные на стенах лестницы, венчало изображение солнечного диска с крыльями – явно заимствованное из Египта.Оно, очевидно, истолковывалось как символ иранского бога Митры. Шеду также приобрели новый смысл, как символ Гопатшаха – бога вод и растений.

Внутри помещений дворца найдены следы росписей по глиняной штукатурке. В интерьерах применялась отделка из декоративных металлических накладок, цветная керамика. Традиционные изделия из металла также были широко распространены в ахеменидский период: ритоны (сосуды с изображением головы и туловища животного, кубки, блюда, которые выполнялись мидийскими, армянскими и малоазийскими мастерами. Ритоны были очень многообразны и делались как из керамики (более ранние), так и из драгоценных металлов, и, очевидно, служили атрибутом власти. История этого типа сосудов насчитывает более двух тысяч лет. Существовали также и традиционные цилиндрические печати, изображающие царя у жертвенника с огнем, борьбу царя с чудовищами, добрых и злых демонов.

В период, предшествовавший македонскому завоеванию Персии, появляются изображения богини плодородия Анахиты, сделанные греческими скульпторами по типу изображений Артемиды. Митра отождествляется уже с Аполлоном или Гелиосом, Ахура Мазда – с Зевсом. Этот период можно назвать «предэллинизмом».

В дальнейшем происходит более тесный синтез античной культуры и культуры Древнего Востока на всей территории Эллинистического мира.




Стиль ампир — Имперский стиль в моде и архитектуре.

Вслед за классицизмом в Европе в начале XIX века в моду вошёл стиль ампир. В истории вслед за Древней Грецией могущественным и влиятельным становится Древний Рим, точно также и классицизм сменяется стилем ампир. Классицизм в большей степени был связан с влиянием Древней Греции, а стиль ампир был подвержен влиянию искусства Древнего Рима, а именно Рима периода империи.

 
Эпоха стиля ампир – 1800-1825 годы. Ампир означает имперский, зарождается он во Франции, во времена Наполеона, а именно во времена его успехов, его побед. Ведь ампир – это стиль империи, стиль триумфальных арок, арок, возводимых в честь побед, как в Древнем Риме, так теперь и в Париже.

 
Ампир появится и в ХХ веке, так называемый сталинский ампир. Здания и целые архитектурные ансамбли в стиле сталинского ампира можно найти в Киеве, Москве и Минске. Так в Минске весь проспект Независимости от вокзала до здания БНТУ выдержан в духе сталинского ампира, стиля империи.

 
Казанский Собор построен в стиле ампир, а также сталинская высотка в стиле сталинский ампир.
 

 
Стиль ампир всегда отличается большой пышностью, блеском, помпезностью.
 
Но вернёмся в начало XIX века. Как и в архитектуре, так и в моде стиль ампир получает распространение.

Силуэт костюма эпохи ампир имеет цилиндрическую форму, стремясь к цилиндрическим очертаниям стройной и высокой колонны. Используются однотонная рельефная вышивка, симметричная декоративная отделка, плотные блестящие ткани.

 
В мужской одежде распространённым становится появившийся ещё в эпоху классицизма фрак – шерстяной с высоким воротником-стойкой, обязательно тёмных тонов – чёрный, синий, серый, коричневый.
 
Носили такой фрак со светлым жилетом и такими же светлыми панталонами.
 
Верхний одеждой оставался также появившийся ранее редингот или сюртук. Сюртук постепенно становится основным элементом в мужском деловом костюме. А осенью и зимой носили редингот с двойным, а то и тройным воротником или же пелериной.
 
Причёски – в основном короткие, на головах – шляпы с небольшими и загнутыми по бокам полями.
 
Обувь – туфли и сапоги.

Но особенно сильным было влияние стиля ампир на женскую одежду. Яркой особенностью стиля ампир в женской одежде становится высокая талия, которая делит фигуру в соотношении 1 : 7 и 1 : 6, плюс прямая длинная юбка и узкий лиф.

 
Корсеты столь популярные во времена барокко и вышедшие из моды в эпоху классицизма в период ампира вновь возвращаются. На смену мягким и лёгким тканям приходят плотные, к примеру, плотный шёлк, впрочем, также используются и тонкие прозрачные ткани, но обязательно на плотной, чаще шёлковой подкладке.
 

 
В женском костюме появляется и всё больше и больше декоративных элементов — рюши, оборки, кружева, вышивки. Вышивки часто выполнены однотонной белой гладью с золотой и серебряной нитью, блестящими пайетками.
 

Для самих платьев в стиле ампир также были характерны: шлейф, низкое декольте, короткий рукав-фонарик на широком манжете.

 
В верхней женской одежде в начале XIX века появляются короткие спенсеры, однобортные рединготы из хлопчатобумажных, а также шерстяных тканей, отделанные бархатом, атласом (а зимой — подбитые мехом). Верхняя одежда повторяет силуэт, форму и покрой деталей платья.
 

Головные уборы – капоры самых разнообразных фасонов, а иногда и с вуалью, шляпы типа ток.
 

 
Тока – головной убор, который как раз таки появляется именно в эпоху Наполеона. Это была чёрная бархатная шляпа, украшенная перьями. Такая шляпа изображалась … на гербах, а именно на гербовом щите. Цвет околыша и количество перьев менялось в зависимости от титула хозяина герба. Так, к примеру, тока, изображённая на гербе дворян, имела зелёный околыш и одно перо.

Вскоре такой головной убор без полей и округлой формы стали носить и женщины.

 
 
Именно в начале XIX века, как и в эпоху барокко, большое внимание уделяется причёскам и головным уборам, а именно их пышности и нарядности.
 
Также используются перчатки: длинные лайковые, иногда без пальцев, так называемые митенки.
 
Обувь – туфли, плоские и открытые, кожаные и на низком каблуке.

 
Украшениями к платьям в стиле ампир служили жемчуг (как искусственный, так и натуральный), камеи, диадемы, колье, ожерелья, которые оборачивались вокруг шеи по несколько раз, на руках – браслеты, перстни, браслеты также носились и на ногах, серьги с подвесками.

 

 

Неизменной законодательницей моды в стиле ампир в начале XIX века была супруга Наполеона Бонапарта Жозефина.

 

Сегодня стиль ампир в одежде в основном представлен в платьях и сарафанах. Очень красивы свадебные платья. А вот особенности стиля ампир сегодня такие же, как и в начале XIX века: завышенная линия талии, наличие обязательной ленточки под грудью, а также струящийся силуэт и ощущение лёгкости. Длина также может быть до пят, как и вначале XIX, но может быть и короткой.

 

 
 
Платья в стиле ампир с укороченными юбками придают образу определённую женственность и даже кукольность, наивность. Из-за этой кукольности появилось и название стиля для подобных платьев – стиль baby doll.
 
Свадебные платья в стиле ампир шьются, как и из традиционного для ампира шёлка, та и из шифона. Обувью к таким свадебным платьям служат либо сандалии на плоской подошве, либо туфли на высоком каблуке. Волосы разбиваются на прямой пробор, гладко причёсаны, а на лоб спадают локоны. Если же волосы длинные, то их заплетают в две косы и укладывают в сеточку на затылке.

Плюсом платьев в стиле ампир является то, что они подходят практически всем. Так полным девушкам они помогут подчеркнуть грудь и скрыть полноту, девушкам с мальчишеской фигурой придадут женственности. А низким девушкам, платья в стиле ампир позволят выглядеть более высокими и статными.
 
Вероника Д.   http://www.liveinternet.ru/users/4723908/post230294527/
http://mylitta.ru/510-empire-style.html
http://fashiony.ru/page.php?id_n=12556
http://commons.wikimedia.org

Ампир — это… Что такое Ампир?

Ампи́р (от фр. empire style — «имперский стиль») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями.

История

Зарождение

Стиль ампир является завершающим этапом классицизма, возникшего во второй половине XVIII века. Во Франции эпохи Наполеона Бонапарта произошло перерождение классицизма в насаждающийся сверху, официальный имперский стиль, сущность которого нашла отражение в его названии (от фр. empire — «империя»). Стиль получил распространение во многих европейских государствах и активно развивался на протяжении трёх первых десятилетий XIX века.

В императорской Франции ампир отличала торжественность и парадность мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров, созданных придворными архитекторами Наполеона Шарлем Персье и Пьером Фонтеном[1].

В России

В Российской империи этот стиль появился при Александре I. Приглашение архитекторов-иностранцев на Руси было частым явлением, поскольку среди титулованых особ это было модно, а в начале XIX века в России существовало увлечение французской культурой. Для возведения Исакиевского собора Александр I пригласил начинающего французского архитектора Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана, впоследствии ставшего одним из основоположников «русского ампира».

Русский ампир получил разделение на московский и петербургский, причем такое деление определялось не столько территориальным признаком, сколько степенью отрыва от классицизма — московский стоял к нему ближе. Наиболее известным представителем петербургского направления ампира стал архитектор Карл Росси, среди других представителей этого стиля принято называть архитекторов Андреяна Захарова, Андрея Воронихина, Осипа Бове, Доменико Жилярди, Василия Стасова, скульпторов Ивана Мартоса, Феодосия Щедрина[1][2]. В России ампир главенствовал в архитектуре до 1830—1840 гг.

Возрождение ампира в перерождённых формах произошло в России в советское время, в период от середины 1930-х до середины 1950-х годов. Данное направление ампира также известно как «сталинский ампир»[3].

Особенности стиля

Ампир относится к так называемым «королевским стилям», которые можно характеризовать театральностью в оформлении архитектурных построек и внутренних интерьеров. Особенность архитектурного ампира заключается в обязательном наличии колонн, пилястров, лепных карнизов и других классических элементов, а также мотивов, репродуцирующих практически без изменений античные образцы скульптуры, подобные грифонам, сфинксам, львиным лапам и тому подобным скульптурным конструкциям. Данные элементы располагаются в ампире упорядоченно, с соблюдением равновесия и симметрии. Художественный замысел стиля с его массивными лапидарными и монументальными формами, а также богатым декорированием, содержанием элементов военной символики, прямым влиянием художественных форм прежде всего Римской империи, а также Древней Греции и даже Древнего Египта, был призван подчёркивать и воплощать идеи могущества власти и государства, наличия сильной армии[1][3].

См. также

Примечания

Литература

что это такое, сталинский стиль в архитектуре, русский в интерьере, имперский классицизм, императорский барокко, чем отличается

“Ампир” в переводе с французского языка обозначает «имперский стиль». Он представляет собой движение эпохи Высокого классицизма в области архитектуры и прикладного искусства. Ампир зародился во Франции в годы правления Наполеона I Бонапарта. Активное развитие ампирного стиля наблюдалось в начале 19-го столетия, но после 30-х годов ему на смену пришел стиль эклектика. Цель ампира – воплощение идеологии могущественного государства и представителей власти, акцентирование на силе непобедимой армии.

Особенности

Театральность в интерьере и конструктивной организации зданий относит ампирское направление к «королевским стилям». Главной особенностью построек этого времени является наличие различных классических деталей – пилястров, лепных карнизов, высоких колонн и т.д. Кроме того, в ампире присутствуют репродукции монументов периода античности – лапы львов, мифические сфинксы и прочие композиции этого направления.

В ампире соблюдается симметричность и равновесие форм, все элементы декора распределяются в строгой упорядоченности. Для него характерно декорирование дорогостоящими деталями, присутствие элементов на военную тематику, а также скульптурные и выразительные композиции.

История возникновения

В мире

Ампирский стиль считается последним и завершающим этапом эпохи классицизма, который возник во 2-й половине 18-го столетия. Во Франции начался процесс возрождения классицизма в период правления императора Бонапарта. Отличительной чертой возродившегося движения стал официальный стиль, суть которого отобразилась в его официальном названии.

Ампир получил довольно широкое распространение в странах Европы и развивался в течение первых 30-ти лет 19-го века.

Во Франции имперский стиль отразился в дворцовых интерьерах и мемориальных архитектурных строениях. Для построек в стиле ампир были характерны парадность и торжественность композиций. Самые известные французские зодчие, трудившиеся при дворе императора:

  • Пьер Фонтен.
  • Шарль Персье.

В России

Русский ампир появился во времена правления Александра I Павловича. Тогда было очень модно приглашать иностранных архитекторов, тем более что в начале 19-го столетия в России наблюдалось активное увлечение французской модой и культурой.

Одним из основоположников ампира в русской архитектуре считается Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана. Французский зодчий был приглашен в Россию для строительства крупнейшего православного храма в Санкт-Петербурге – Исаакиевского собора.

Стиль ампир в архитектуре подразделялся на два направления:

  • Московское.
  • Петербургское.

Это деление определилось не только по территориальному признаку. Оно также отличалось по степени отрыва от направления классицизма – московское направление стояло к нему значительно ближе.

Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

Самый популярный деятель ампирского направления в Петербурге – Карл Росси. Не менее талантливыми зодчими этой эпохи были:

  • Андрей Воронихин.
  • Доменико Жилярди.
  • Андреян Захаров.
  • Василий Стасов.
  • Остап Бове.

Среди скульпторов имели высокую популярность:

  • Феодосий Щедрин.
  • Иван Матрос.

Стиль ампир в российской скульптуре и архитектуре господствовал всего 10 лет (1830-40 гг). Но в период 1930-50 гг. в Советском Союзе это движение возродилось в несколько перерожденных формах и получило название «сталинский ампир».

На фото представлен Михайловский дворец, спроектированный архитектором Карлом Ивановичем Росси.

Читайте также про стиль Рококо в России.

Михайловский дворец, Карл Иванович Росси

Сталинский ампир

Стиль русского ампира занимал главенствующие позиции в монументальном и архитектурном искусстве Советского Союза 1940-50 годов. В декоре различных помещений преобладает деревянная мебель массивных форм, бронзовые статуэтки, светильники, а также лепнина под потолками значительной высоты.

Сталинские высотки, расположенные в столице, являют собой символ эпохи сталинского ампира и в частности архитектуры. В Москве к концу 1950-х годов было возведено 7 самых высоких строений того времени.

Стиль сталинского ампира объединяет в себе дизайн интерьера барокко, образы наполеоновской эпохи, классицизма (позднего) и орнаменты ар-деко.

Ярчайшим примером внутреннего интерьера, организованного в этом направлении, является банкетный зал, расположенный в помещении Центрального Московского ипподрома. На фото четко видны строгие черты ампирского стиля в архитектуре здания.

Центральный Московский ипподром

При оформлении интерьера мебели используется резьба. На поверхности шкафов и тумб можно наблюдать рельефы в виде пятиконечных звезд, колосьев и лавровых венков.

Важную роль в сталинском ампире играли люстры, которые не только освещали комнаты, но и отличались представительностью торжественного вида. Их изготавливали из бронзы и украшали подвесками из хрусталя. Для организации декора различных помещений использовались материалы исключительно натурального происхождения – мрамор, бронза, хрусталь, керамика, дерево.

Интерьер

Интерьер в стиле ампир характеризуется четкими линиями форм необычными решениями в вопросе отделки поверхностей. Для него присущи настенные ковры древних мастеров, многочисленные украшения из металла и картины в позолоченных рамах. К главным чертам ампирического направления относятся:

  • Строгие линии.
  • Торжественность форм.
  • Парадность композиций.

Внутреннее оформление зданий в стиле ампир отличается насыщенной цветовой гаммой. Используются яркие оттенки: золотой, синий, голубой, белый или красный. Бронзовые и золотые вкрапления превосходно сочетаются в этой палитре.

К аксессуарам интерьера относятся детали снаряжения военных древнеримской армии:

  • Знаки легионеров, на которых изображены орлы.
  • Стрелы, собранные в пучках.
  • Связки копий, щиты с рельефами.
  • Топоры.

Скульптурное разнообразие наблюдается в гармоничном совмещении мифологических композиций и изображений античности: богиня победы, сфинксы, кариатиды или грифоны.

Мебель

Мебель в стиле ампир характеризуется, как классический рационализм в течении архитектурных и интерьерных веяний. Для изготовления гарнитуров используется орех, а также красное дерево. Мебель, выполненная из березы (карельской), применялась в интерьере российских построек. Украшением поверхностей служат накладки с позолотой или из бронзы. На них изображаются мотивы на военную тематику – шлемы, щиты, скрещенные копья или мечи, венки из лавровых листьев. Спинкам стульев придается изогнутая форма лиры. Стоит отметить, что мебельные гарнитуры эпохи ампира не отличаются комфортабельностью – особое предпочтение отдается внешней пышности и красоте композиций как и в готике.

Ампирная мода

Формирование ампирной моды началось еще в дореволюционной Франции, а популяризация и активное развитие наблюдалось при Бонапарте. Ампир характеризовался повышенным интересом к идеалам античной эпохи. После 20-х годов 19-го столетия ампир в модных тенденциях плавно перешел в новый викторианский стиль.

Особенности стиля в одежде

Законодательницами женской моды в Париже были:

  • Жозефина Богарне.
  • Тереза Тальен.
  • Мадмуазель Ланж.

Благодаря Терезе Тальен в моду вошли платья в ампирном стиле, которые открывали для посторонних глаз женские ноги от элегантных туфелек и до самых ягодиц. Такая мода получила характерное название «аля-соваж», что в переводе с французского означает «нагая».

Популяризацией этого движения в Англии занималась Эмма Гамильтон – любовница адмирала Британии Нельсона Горацио.

После того как Наполеон взошел на имперский престол, дамские наряды стали более закрытыми, но общий силуэт платья сохранился. В эпоху наполеоновской империи появились громоздкие античные орнаменты, бархат, тяжелый шелк, а длинные шлейфы украшались рельефами золотого шитья. Идея золотого шитья на дамских нарядах была разработана в координации императора.

В пошиве платьев использовались хлопчатобумажные и льняные материалы: батист, фуляр, тюль, муслин, креп, кисея или кружево.

Свидетельством высокого положения в обществе были платья светлых цветов. В это время освоили технику отбеливания тканевых материалов.

Женские платья по внешнему виду напоминали рубахи. Над высокой талией под самой грудью красовался пояс в виде широкой ленты. Руки и шея оставались открытыми. Низ платья расшивался узорами из серебряных и золотых нитей, пестрил блесками, синелью и пайетками. Платья для танцев и визитов дополняли буфы на коротких рукавах.

Под наряды, походившие на туники, надевали трико или рубашку телесного цвета (шмиз). Сквозь тонки материи хорошо просматривались упругие женские формы. Ткань иногда смачивали водой, чтобы она соприкасалась с телом. Широкое декольте максимально глубоко открывало шею и грудь.

Глубокий вырез было принято прикрывать, если женщина выходила на улицу. Поверх тонких нарядов надевалось манто с кружевами, застегивающееся спереди одним крючком. В холодное время года использовались рединготы (шерстяное пальто) и спенсеры (теплый короткий жакет).

Неотъемлемым и дорогостоящим аксессуаром была шаль с разноцветными кистями. Декольте прикрывали треугольной или сложенной пополам прямоугольной прозрачной косынкой (фишю). Боа из густых перьев, а также короткие меховые шарфы наблюдались в нарядах замужних женщин.

Носились чулки с декоративной вышивкой (листы дуба и лавра) и стрелками из серебряных нитей. На руки надевали длинные перчатки светлого оттенка (выше локтя).

Обувь шили на плоской подошве, в форме “лодочки” с длинными носами. Для изготовления дамских туфель использовали атлас (голубой, белый или розовый), а также ленты, которые по примеру античных образов обвязывали вокруг ног.

Мужская одежда в стиле ампир особыми излишествами не отличалась. Костюм изготавливался преимущественно в темном цвете и состоял из фрака с воротничком-стойкой, жилета, белой рубашки и светлых панталон. Значительную популярность получили рединготы, высокие шляпы, а также сюртуки.

Особенности стиля в прическах

В своих прическах модницы ампирского стиля подражали греческим и римским образцам – высоко собранные волосы заплетались в косы (также использовалась специальная сеточка). «Узел Психеи» красовался на затылке и представлял собой незамысловатый пучок. Гладкие прически украшались цветами и красочными лентами, а также разделялись пробором. В моду вошли шиньоны, а лоб прелестных дам скрывался под завитой челкой. Дополнительными украшениями для головы служили обручи, диадемы или фероньерки. Особенно популярны были венки из лавровых или дубовых листьев, колосьев и живых цветов.

Белорусская плитка Домино: все о производителе, предлагаемой продукции и стоимости.

Дизайн прихожей в хрущевке: какие нужно знать нюансы при проектировании и ремонте вы узнаете в этой статье.

Стиль кантри в интерьере: https://trendsdesign.ru/home/liv/gostinaya-v-stile-kantri.html

Особенности королевского стиля

Выводы

Ампир стал переходным этапом от ренессансной эпохи Возрождения к новым течениям эклектики. В этот период наблюдаются значительные трансформации женских нарядов, которые открывали тело и выставляли напоказ упругие формы. Ампирский стиль затронул область архитектуры и монументального искусства – возводились новые здания, характерной чертой которых было объединение нескольких исторических стилей в общей композиции.

Современные дизайнеры используют за основу идеи гениальных творцов эпохи ампира, создавая уникальные интерьеры в жилых помещениях и зданиях коммерческого направления.

Лекция «Художественный стиль: Ампир» — Экскурсоводы и гиды-переводчики — LiveJournal

Завтра в культурном центре «Пунктум» на Тверской состоится лекция о художественном стиле ампир. Лекция является частью курса «История художественных стилей: от простого к сложному»

Имперский стиль или ампир — стиль высокого классицизма в архитектуре и прикладном искусстве, возникший во Франции в период правления императора Наполеона Бонапарта. Парадный, торжественный, военно-триумфальный стиль развивался в 1800-1830-х годах во Франции, чуть позже — в европейских странах и в России.

Художественный замысел стиля с его лапидарными и монументальными формами, богатым декорированием, включением элементов военной символики, влиянием художественных форм Римской империи и Древнего Египта был призван воплощать идеи могущества власти и культ сильного государства.

Резиденция Наполеона – Мальмезонский дворец, округ Парижа, Франция

Лектор — Елена Рубан — культуролог, журналист, арт-терапевт, преподаватель МАрхИ и ВШС.

Стоимость одной лекции — 400р. Начало лекции в 19.30.

Подробности и регистрация: http://punktum.ru/archives/14458

Культурный центр «Пунктум» расположен по адресу: Москва, ул. Тверская, 12, стр.2, 1 подъезд, 4 этаж.

И следующие лекции из этого курса:

Лекция 10. Романтизм и прерафаэлиты

«Я чувствую, следовательно, я существую!» – эта максима голландского мистика Франца Гемстергейса определила новое направление в искусстве – романтизм. Мир сложен и изменчив, и только с помощью интуиции и иронии возможно познать его многообразие.

Страсть к необычному, неизведанному и новому – суть романтизма, в котором ценности «неклассического» искусства Древнего Востока, средневековой готики, Проторенессанса были возвышены до идеала, а глубины подсознания и мистические озарения показали новый путь творческим умам.

На лекции мы будем обсуждать не только уникальность творческой манеры Гойя, Эжена Делакруа, Теодоро Жерико, Франсиско Гойи Фридриха Шопена и Ференца Листа, Альфреда де Мюссе и Жорж Санд, оригинальность работ братства прерафаэлитов, но увидим, как появление новых материалов и технологий повлияли на коммерциализацию искусства и становлению массовой культуры.

Мостик в Таврическом саду, Царское село.

Лекция 11. Ар нуво. Прекрасная эпоха.

Барселона. La Sagrada Familia. архитектор — Антонио Гауди.

Если понимать жизнь как искусство, как это делали Орта, Гауди, Гимар, Тассель, Вельде или Макинтош, то вся предметная среда — от особняка до вилки — превращается в бесконечное путешествие в мир прекрасного, который в России получил название «модерн», во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Италии – «либерти».

Среди художников и мастеров «La Belle Époque» наибольшую известность получили Луис Тиффани художник Густав Климт, Тулуз-Лотрек, Обри Бердслей, Альфонс Муха, Лев Бакст, Михаил Врубель, Федор Шехтель. И это не весь список тех, кто преобразил европейские города, придав им изящества и оригинальности.

Лекция 12. Ар деко. Мир гламура

Эрте. Spring Rain.

Ар деко имеет много названий. Среди его имен   —  «зигзаг модерн», «джаз модерн», «стиль Пуаре», «стиль Шанель»…  Ар деко тотален, как любой стиль, и сфера его  влияния широка: от архитектуры, скульптуры и живописи до промдизайна и моды.

Ар деко мгновенно покорил мир и до сих пор остается источником вдохновения для  художников и дизайнеров, поскольку синтезировал современные материалы и технологии и традиционное искусство Египта и Месопотамии, ацтеков и майя.

На лекции мы будем обсуждать роль мировых выставок в развитии и распространении стиля на примере  парижской «L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Indu-striels Modernes», увидим блистательные работы Рене Лалика, Эрте, Эдгара Брандта и Эмиля-Рене Рульманна и многих других участников этой выставки, поймем, в чем сходство интерьеров американских небоскребов и московского метрополитена и почему ар деко наступает на пятки современности.

Лекция 13. Символизм. В поисках нового смысла

Микалоюс Чюрлёнис. «Рай». 1909 г.

Философия и эстетика символизма складывалась под влиянием различных учений — от взглядов древнегреческого философа Платона до концепций Эммануила Сведенборга, Анри Бергсона, Фридриха Ницще или Владимира Соловьева.  Традиционной идее познания мира посредством разума символисты противопоставили идею интуитивного созерцания, которое позволяет проникнуть в тайны мироздания. Символ в художественном творчестве – это тот универсальный ключ, который  позволяет открыть двери бытия.

Копилка символизма разнообразна и непроста. Каждый «экспонат» требует особого душевного настроя и внимательного обхождения вне зависимости от предмета исследования – будь это странные фантазии Одилона Редона, смелые эксперименты Микалоюса Чюрлёниса, «Манифест» Жана Мореаса или «Соотвествия» Бодлера.

Ранняя Империя | Безграничная история искусства

Императорская скульптура в ранней Римской империи

Искусство Августа служило жизненно важным визуальным средством, способствовавшим легитимности власти Августа, а методы, которые он использовал, были включены в пропаганду более поздних императоров.

Цели обучения

Описать элементы пропаганды в искусстве Августа и в искусстве, созданном по заказу более поздних императоров

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Сложная и продуманная иконография Ara Pacis Augustae способствует религиозному благочестию, плодородию и процветанию империи при Августе.
  • Август отказался от реалистичных портретов Римской республики в пользу создания образа вечно юного императора. Его императорские портреты часто пропагандировали его благочестие и военные заслуги.
  • г. Преемник Августа, Тиберий, и предпоследний император Юлиев-Клавдий Клавдий использовали атрибуты вечной молодости и доблести в своих политических портретах в качестве меры политического продвижения.
Ключевые термины
  • меандр : декоративный бордюр, состоящий из непрерывной линии, образующей повторяющийся узор.
  • ликторов : Телохранители магистрата в республиканском Риме и императоров во времена Имперского Рима. Они несли фасции, связку деревянных прутьев с топором, которые символизировали власть магистрата или императора.
  • кираса : металлический нагрудник, служащий доспехом.
  • pomerium : Священная граница вокруг города, которая отмечает его городские, юридические и религиозные границы. Войска в пределах этой границы не допускались.
  • регистр : Вертикальный уровень в произведении, состоящий из нескольких уровней, особенно там, где уровни четко разделены линиями.

Август

Во время своего правления Август провел эффективную пропагандистскую кампанию, чтобы продвигать легитимность своего правления, а также поощрять моральные и гражданские идеалы среди римского населения.

Скульптура Августа содержит богатую иконографию времен правления Августа с сильными темами законности, стабильности, плодородия, процветания и религиозного благочестия. Визуальные мотивы, использованные в этой иконографии, стали эталоном имперского искусства.

Ара Пацис Августа

Ara Pacis Augustae, или Алтарь мира Августа, — один из лучших примеров художественной пропаганды Августа.Он не только демонстрирует новый моральный кодекс, продвигаемый Августом, но и устанавливает имперскую иконографию. Он был заказан Сенатом в 13 г. до н. Э. В честь мира и щедрости, установленных Августом после его возвращения из Испании (Испания) и Галлии; он был освящен 30 января 9 г. до н. э.

Мраморный алтарь был возведен недалеко от границы померия к северу от города вдоль Виа Фламиния на Марсовом поле. Настоящий П-образный алтарь находится на подиуме внутри квадратной стены, которая ограничивает священное пространство участка.

Ara Pacis Augustae : Настоящий алтарь в форме буквы U находится на подиуме внутри квадратной стены, которая ограничивает священное пространство участка.

Северная и южная стены изображают процессию фигур в натуральную величину на верхнем регистре. Эти цифры включают мужчин, женщин, детей, священников, ликторов и известных членов политической элиты эпохи Августа. К элите относятся Август, его жена Ливия, его зять Марк Агриппа (умерший в 12 г. до н. Э.) И Тиберий, приемный сын и преемник Августа, который женится на овдовевшей дочери императора в 11 г. до н. Э.В то время как алтарь в целом прославляет Августа как миротворца, эта сцена продвигает его как благочестивого семьянина.

Ara Pacis Augustae : Фрагмент сцены процессии на южной стене.

Императорская портретная живопись

Август очень тщательно контролировал свой императорский портрет. Отказавшись от реалистического стиля республиканского периода, его портреты всегда изображали его идеализированным молодым человеком. Эти портреты связывали его с божествами и героями, как мифическими, так и историческими.

Его часто изображают с опознаваемым ворсом, который изначально был изображен на портретах Александра Великого. Отсутствие обуви свидетельствует о его предполагаемом смирении, несмотря на огромную силу, которой он обладал. Два его портрета, один как Большой Понтифик, а другой как Император, изображают два разных персонажа императора.

На портрете Августа в роли Великого Понтифика он изображен в тоге над его вечно юной головой — атрибут, напоминающий зрителям о его крайнем благочестии по отношению к богам.

Август : Изображается как Большой Понтифик.

Август Примапорта показывает влияние как римских, так и классических греческих работ, в том числе «Копьеносца» Поликлета и этрусской бронзы Ауле Метеле. Принимая на себя роль императора, Август в позе, известной как adlucotio, носит военный захват, обращаясь к своим войскам. Несмотря на слабое здоровье, из-за которого он остался хрупким, он выглядит здоровым и мускулистым.

Купидон едет на дельфине у ног Августа, символ его божественного происхождения.Амур — сын Венеры, как и Эней, легендарный предок римского народа. Семья Юлиев ведет свое происхождение от Энея и поэтому считает себя потомками Венеры.

Будучи племянником и приемным сыном Цезаря, такое использование иконографии позволяет Августу напоминать зрителям о своем божественном происхождении. Рельеф на кирасе показывает не только язык тела и одежду генерала, но и одну из величайших побед Августа — возвращение парфянских стандартов.

Во время гражданских войн знамена легиона были потеряны, когда легион потерпел поражение от парфян. Благодаря великому дипломатическому подвигу, а не военным действиям, Августу удалось договориться о возвращении штандартов легиону и Риму. Дополнительные фигуры на кирасе олицетворяют римских богов и наступление мира Августа.

Август Примапорта : Статуя Августа Примапорта показывает влияние как римских, так и классических греческих произведений.Амур едет на дельфине у ног Августа, символ его божественного происхождения.

Скульптура «Наследие Августа»

После смерти Августа Тиберий (14–37 гг. Н. Э.) Принял титул императора и Великого Понтифика Рима. Как и его тесть, Тиберий сохранял молодость в своих портретных скульптурах.

Генерал в своей доимперской карьере, Тиберий появляется в скульптуре, очень похожей на Августа из Примапорты. Он носит военную форму и стоит прямо в динамичной позе контрапоста с поднятой рукой.Хотя он носит сапоги, которые, казалось бы, противоречат предположению о скромности, наблюдаемой в скульптурах Августа в полный рост, его простая кираса и отсутствие религиозной иконографии предполагают, что он компетентный лидер, который не пропагандирует его достижения или божественное происхождение.

Скульптура Тиберия в военном облачении в полный рост. : Простая кираса Тиберия и отсутствие религиозной иконографии предполагают компетентного лидера, который не пропагандирует свои достижения или божественное происхождение.

Как и Август, который страдал от слабого здоровья, Клавдий, сменивший Калигулу в 41 г. н. Э., Также был немощным. Помимо проблем со здоровьем, Клавдию не хватало опыта лидера, но он быстро преодолел этот недостаток как император.

Во время его правления Рим аннексировал провинцию Британия (современные Англия и Уэльс) и стал свидетелем строительства новых дорог и акведуков. Несмотря на эти достижения, противники Клавдия по-прежнему считали его уязвимым, что заставляло его почти постоянно укреплять свои позиции, что привело к гибели многих сенаторов.Возможно, необходимость доказать свою компетентность в этой роли побудила его заказать скульптуру самого себя в образе Юпитера, скульптуру, которая также имеет поразительное сходство с Августом из Примапорты.

Он продолжает стандарт вечно молодого и здорового императора, начатый Августом. Его лицо и тело идеализированы. Как и его предшественник, Клавдий появляется босиком в жесте смирения, уравновешенном символом божественности, в данном случае орлом, символизирующим Юпитер. Он носит лавровую корону как метафору победы.В то время как положение его рук и ладоней похоже на положение Августа, Клавдий держит чашу (подношение, чтобы обозначить его благочестие) в одной руке и подобный скипетру предмет (чтобы обозначить свою силу) в другой.

Клавдий в образе Юпитера : Клавдий держит чашу (приношение для обозначения своего благочестия) в одной руке и подобный скипетру предмет (для обозначения его силы) в другой.

Архитектура ранней Римской империи

Династии Юлиев-Клавдиев и Флавиев в ранней Римской империи руководили некоторыми из самых известных строительных проектов той эпохи.

Цели обучения

Определите выдающиеся архитектурные достижения ранней Римской империи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Говорят, что первый римский император Август превратил Рим из кирпичного города в мраморный. Одним из проектов его правления было восстановление базилики Юлия, названной в честь его приемного отца Юлия Цезаря. Элементы его дизайна позже появятся в Колизее.
  • Нерон построил Domus Aurea на присвоенной земле после разрушительного пожара в 64 году нашей эры.Дворцовая структура была богато украшена, а восьмиугольный зал демонстрирует архитектурные новшества, доступные архитекторам и инженерам при работе с бетоном.
  • Тит, старший сын Веспасиана, наиболее известен подавлением еврейского восстания и завоеванием Иудеи в 70 году нашей эры. Это празднуется в Арке Тита, воздвигнутой его братом после смерти Тита. Тит правил с 79 по 81 год нашей эры.
  • Амфитеатр Флавиев, также известный как Колизей, был построен при Флавианах на земле в Риме, принадлежащей Нерону.Этот хитрый политический акт не только вернул римские земли народу, но и предоставил средства развлечения для масс города на долгие века.
Ключевые термины
  • менора : Священный канделябр с семью ветвями, используемый в Иерусалимском Храме; или канделябр с девятью ветвями, используемый в еврейском культе на Хануку.
  • damnatio memoriae : фраза из латинского языка, означающая осуждение чьей-либо памяти, позор, которым римский сенат подвергает особо ненавистных императоров.Он попытался стереть всю память и историю этого человека, удалив его имя из всех документов и уничтожив все его портреты.
  • spandrel : Пространство (часто треугольное) между внешней кривой арки (extrados) и прямой фигурой, которая ее ограничивает, или пространство между двумя смежными арками и прямым элементом над ними.
  • гротеск : Произошедший от итальянского слова «пещера», это экстравагантный стиль древнеримской живописи, найденной на стенах подвалов в древних руинах.
  • базилика : общественное здание, в котором проводились суды и другие официальные и общественные функции. По сути, римская ратуша.
  • апофеоз : факт или действие превращения в бога; обожествление.

Архитектура ранней Римской империи

Ранняя Римская империя состояла из двух династий: Юлиев-Клавдиев (Август, Тиберий, Калигула, Клавдий и Нерон) и Флавиев (Веспасиан, Тит и Домициан). Каждая династия внесла значительный вклад в архитектуру столицы и Империи.

Первый римский император Август ввел в действие программу масштабного строительства и реставрации Рима. Как известно, он заметил, что «нашел Рим городом из кирпича и оставил его городом из мрамора».

Эта строительная программа служила народу Рима, расширяя общественное пространство, выделяя места для торговли и политики, а также обеспечивая и улучшая храмы, чтобы люди могли служить богам. Как и в случае с его художественной иконографией, это тоже стало стандартом, на котором позже императоры моделировали свои собственные строительные программы.

Базилика Юлия

Базилика — это здание, построенное во времена Римской республики. По сути, это ратуша в древнеримской жизни, и многие сенаторы и императоры заказывали базилики, чтобы отметить свой вклад в жизнь общества.

В 46 г. до н. Э. Юлий Цезарь начал строительство базилики Юлия на римском форуме на деньги, полученные во время Галльской войны. Базилика сгорела вскоре после ее завершения, но Август наблюдал за ее реконструкцией и повторно посвятил здание в 12 году н. Э., Назвав здание в честь своего двоюродного дяди и приемного отца.

В Базилике Джулии размещались суды по гражданским делам и таберны (магазины), а также были помещения для правительственных учреждений и банков. В первом веке в нем также находился Суд Сотни, который курировал вопросы наследования.

Это было большое и богато украшенное строение с двумя уровнями аркад. На обоих уровнях между каждой парой арок стояла связанная колонна. Тосканские колонны украшали первый этаж, а римские ионические колонны украшали второй уровень. Полноразмерные скульптуры мужчин, возможно, сенаторов или других значимых исторических или политических фигур, стояли под каждой аркой на втором уровне и выстраивались вдоль крыши над каждой задействованной ионической колонной.Похожая картина появится в Колизее при Флавианах в конце I века нашей эры.

Базилика Юлия : Это компьютерное изображение базилики, большого и богато украшенного сооружения с двумя уровнями аркад.

«Золотой дом»

В 64 году н.э. в Риме вспыхнул пожар, который сжег десять из четырнадцати районов города. Нерон присвоил часть недавно расчищенных земель для собственного использования. Эта земля, расположенная на холмах к востоку от Forum Romanum, стала домом для его новой дворцовой постройки, известной как Domus Aurea, или Золотой дом.

Комплекс Нерона включал в себя частное озеро, ландшафтные сады и портики, колоссальную золотую статую самого себя и залы для развлечений, которые были щедро украшены мозаикой, фресками и сусальным золотом. Сохранившиеся фрески представляют собой прекрасные образцы Помпейской живописи четвертого стиля, фантастического стиля, который вдохновил гротеск эпохи Возрождения, когда части дворца были обнаружены в конце 1400-х годов.

Архитекторы и инженеры Nero, Северус и Селер, спроектировали Domus Aurea и продемонстрировали некоторые уникальные архитектурные формы, которые стали возможными благодаря бетонным конструкциям.Восьмиугольный зал свидетельствует об изобретательности архитекторов. Восьмиугольная комната стоит между несколькими комнатами, возможно, для обедов, и очерчена восемью опорами, которые поддерживают куполообразную крышу с окулусом, освещающим не только холл, но и окружающие комнаты. Восьмиугольный зал подчеркивает роль бетона в формировании внутреннего пространства и использование естественного света для создания драмы.

Domus Aurea : восьмиугольная комната с уцелевшим бетонным куполом и окулусом.

После насильственного самоубийства Нерона в 68 году н. Э. Рим погрузился в год гражданской войны, когда четыре генерала соперничали друг с другом за власть, и Веспасиан вышел победителем.После года войны Веспасиан стремился установить стабильность как в Риме, так и во всей империи. Он и его преемники правили Римом двадцать семь лет.

Веспасиан сменил его сын Тит, правление которого было недолгим. Домициан, младший брат Тита, стал следующим императором и правил до своего убийства в 96 году нашей эры. Несмотря на то, что Домициан был относительно популярным среди народа императором, у него было мало друзей в сенате. Его память была официально осуждена посредством damnatio memoriae — указа, который стер всю память и историю этого человека, удалив его имя из всех документов и уничтожив все его портреты.

Амфитеатр Флавиев

После его преемственности Веспасиан начал обширную строительную программу в Риме, которую продолжили Тит и Домициан. Это была хитрая политическая схема, призванная заручиться поддержкой народа Рима.

Веспасиан преобразовал землю из Золотого дома Нерона в общественные здания для отдыха и развлечений, такие как Термы Тита и Амфитеатр Флавиев. Частное озеро Нерона было осушено и стало фундаментом для амфитеатра, первого постоянного амфитеатра, построенного в Риме.До этого гладиаторские состязания в городе проводились на временных деревянных аренах.

Амфитеатр стал известен как Колизей из-за своего размера, но также в связи с колоссальной золотой статуей Нерона, стоявшей поблизости. Веспасиан переделал колосса в образ бога солнца Сола.

Амфитеатр Флавиев (Колизей) : Внешний вид Амфитеатра Флавиев или Колизея, 70–80 гг. Н. Э., В Риме, Италия.

Строительство амфитеатра началось при Веспасиане в 72 г. н. Э. И было завершено при Тите в 80 г. н. Э.Тит открыл амфитеатр серией гладиаторских игр и мероприятий, которые длились 100 дней.

Во время своего правления Домициан реконструировал части амфитеатра, чтобы увеличить вместимость до 50 000 зрителей, и добавил гипогей под ареной для хранения и транспортировки животных и людей на пол арены. Колизей был домом не только для гладиаторских мероприятий — он был построен над частным озером Нерона и был затоплен, чтобы устраивать имитацию морских сражений.

Как и все римские амфитеатры, Колизей представляет собой отдельно стоящее сооружение, форма которого получена в результате объединения двух полусферических театров.Колизей существует отчасти в результате усовершенствования бетона, а также прочности и устойчивости римской инженерии, особенно использования повторяющейся формы арки. Бетонная конструкция облицована травертином и мрамором.

Внешний вид Колизея разделен на четыре полосы, которые представляют четыре внутренние аркады. Аркады тщательно спроектированы так, чтобы десятки тысяч зрителей могли входить и выходить в считанные минуты. К самой верхней полосе прикреплено более двухсот кронштейнов, поддерживающих велариум — выдвижной навес для защиты зрителей от солнца и дождя.Верхняя полоса также пронизана множеством небольших окон, между которыми задействованы составные пилястры.

Три полосы ниже примечательны серией арок, которые визуально разбивают массивный фасад. Арки на уровне земли служили пронумерованными входами, а арки двух средних уровней обрамляли статуи богов, богинь, мифических и исторических героев. Между арками стоят колонны каждого из трех греческих орденов. Дорический орден расположен на первом уровне, Ионический — на втором, а Коринфский — на третьем.Орден следует стандартной последовательности, где самый прочный и самый сильный ордер показан на нижнем уровне, поскольку он, кажется, выдерживает вес конструкции, а самый легкий ордер — вверху. Однако, несмотря на эту иллюзию, задействованные колонны и пилястры были чисто декоративными.

Арка Тита

После смерти своего брата Домициан возвел триумфальную арку над Виа Сакра, возвышаясь над дорогой, ведущей к Республиканскому форуму. Арка Тита чтит обожествленного Тита и празднует его победу над Иудеей в 70 г. н.э.Арка следует стандартным формам для триумфальной арки, с почетной надписью на чердаке, крылатыми Победами на пролетах, задействованными колоннами и другими скульптурами, которые теперь утрачены.

Внутри арки в центре потолка находится рельефное панно с изображением апофеоза Тита. Две замечательные рельефные панели украшают внутренние стороны арки и посвящены победе Тита в Иудее.

Арка Тита : Виа Сакра, Рим. 81-82 г. н.э.

На южной панели внутри арки изображен разграбление Иерусалима.Сцена показывает римских солдат, несущих менору (священный канделябр) и другие трофеи из Иерусалимского храма.

Противоположная северная панель изображает триумфальное шествие Тита в Риме, награжденное в 71 году нашей эры. На этой панели Тит едет по Риму на колеснице, запряженной четырьмя лошадьми. Позади него крылатая фигура Победы венчает Тита лавровым венком. Его сопровождают олицетворения Чести и Доблести.

Это один из первых примеров в римском искусстве объединения людей и божеств в одну сцену; действительно, Тит был обожествлен после его смерти.Эти панно изначально были расписаны и украшены металлической фурнитурой и позолотой. Панели изображены с высоким рельефом и демонстрируют изменение технического стиля по сравнению с нижним рельефом, обнаруженным на Ara Pacis Augustae .

Триумф Тита : Этот рельеф с Арки Тита, изображающий триумфальное шествие Тита после его победы над Иудеей.

Разграбление Иерусалима. : Это рельеф с Арки Тита.

Живопись в ранней Римской империи

Римские фрески были основным методом внутреннего убранства, и их развитие обычно делится на четыре разных стиля.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте Помпейские Первый, Второй, Третий и Четвертый стили живописи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Развитие стилей фресковой живописи является наглядным примером изменения вкусов с третьего века до нашей эры до первого века нашей эры. Смена стилей отражает изменения, произошедшие в римском обществе.
  • Первый стиль Помпеи, восходящий к грекам, также известен как стиль каменной кладки.Он имитирует мрамор и цветной камень, создавая иллюзию дорогого шпона. Он был популярен с 200 по 80 год до нашей эры.
  • Второй стиль Помпеи известен своим растворением стены в архитектурный вид, который имеет логический смысл. Этот стиль обычно использовался с 80 по 20 год до нашей эры. Образцы этого стиля украшают стены Виллы Ливии и Виллы Мистерий.
  • Третий стиль Помпеи — причудливый стиль, наполненный причудливой архитектурой и египетскими мотивами, который больше ориентирован на создание витиеватого, а не реалистичного пространства.Он также включает в себя нарисованные сцены, плавающие на монохроматическом фоне. Этот стиль стал популярным с 20 г. до н.э. примерно до 60 г. н.э. Примеры этого стиля можно найти на вилле Агриппы Постума.
  • Четвертый стиль Помпеи — менее украшенная, но более сложная реакция на третий стиль. Он заимствует элементы из трех предыдущих стилей, включая искусственную кладку, архитектурные пейзажи, орнаментальные украшения и панно с нарисованными сценами. Живопись четвертого стиля была популярна в первом веке нашей эры.Примеры этого стиля можно найти в Доме Веттиев и Доме трагического поэта, а также в современной сцене беспорядков в местном амфитеатре.
Ключевые термины
  • триклиний : Формальная столовая.
  • buon fresco : Картина, включающая нанесение влажной краски на влажную известковую штукатурку. Когда оба компонента высыхают, химическая реакция заставляет их сливаться вместе, буквально превращая окраску в часть стены.
  • энкаустик : Краска на основе воска, фиксируемая на месте путем нагревания; картина, выполненная с использованием этой краски.
  • фреска : В живописи — техника нанесения пигмента на водной основе на известковый раствор или штукатурку.
  • Египтомания : Римское увлечение всем, что связано с Египтом, после смерти Клеопатры в 31 г. до н. Э. И аннексии Египта в 30 г. до н. Э.
  • trompe l’oeil : Жанр натюрморта, в котором используется человеческое зрение для создания иллюзии того, что предмет картины реален.

Римская живопись

Римские художники часто писали фрески, в частности фрески buon fresco, технику, при которой красили краской на влажной штукатурке.Когда картина высохла, изображение стало неотъемлемой частью стены. Фресковая живопись была основным методом украшения внутреннего пространства. Однако сохранилось несколько примеров, и большинство из них — остатки римских домов и вилл вокруг горы. Везувий.

Другие образцы фресок происходят из мест, которые были захоронены (захоронения защищали и сохранили фрески), таких как части Золотого дома Нерона и Вилла Ливии. Эти фрески демонстрируют большое разнообразие стилей.Популярные предметы включают мифологию, портретную живопись, натюрморты и исторические свидетельства.

Сохранившиеся римские картины демонстрируют высокую степень изысканности. Они используют визуальные методы, которые включают атмосферную и почти одноточечную линейную перспективу, чтобы правильно передать идею пространства. Кроме того, портреты и натюрморты демонстрируют художественный талант при передаче реальных предметов и изображений. Внимание к деталям, наблюдаемое в натюрмортах, включает мельчайшие тени и внимание к свету, чтобы должным образом изобразить материал объекта, будь то стекло, еда, керамика или животные.

Римская портретная живопись также демонстрирует талант римских художников и часто демонстрирует тщательное изучение художником техник, используемых для изображения отдельных лиц и людей. Некоторые из самых интересных портретов происходят из Египта, с конца первого века до нашей эры до начала третьего века нашей эры, когда Египет был провинцией Рима.

Фаюмский портрет мумии : Мумический портрет молодой женщины, найденный в Фаюмском некрополе в Египте, датируемый вторым веком нашей эры.

Эти энкаустические изображения на деревянных панелях из некрополя Фаюм были наложены на мумифицированное тело.Они демонстрируют поразительный реализм, передавая идеалы и меняющуюся моду египто-римского народа.

Классификация

В конце девятнадцатого века Август Мау, немецкий историк искусства, изучал и классифицировал римские стили живописи в Помпеях. Эти стили, известные просто как Помпейские Первый, Второй, Третий и Четвертый стиль, демонстрируют периоды моды предпочтений внутреннего убранства и изменения вкуса и стиля от Республики до ранней Империи.

Первый стиль

Также известный как стиль каменной кладки, живопись Первого Помпейского стиля чаще всего использовалась с 200 по 80 год до нашей эры. Этот стиль известен своим обманчивым рисунком искусственной поверхности; художники часто пытались имитировать богато облицованные поверхности мрамора, алебастра и других дорогих видов каменного шпона.

Это эллинистический (греческий) стиль, принятый римлянами. Создавая иллюзию дорогого декора, живопись первого стиля усиливает идею стены.Этот стиль часто встречается в залах (вестибюле) и атриуме (большом помещении под открытым небом) римского домуса. Яркий пример сохранился в залах Самнитского дома в Геркулануме.

Первый Помпейский стиль : Настенная живопись первого Помпейского стиля из Дома Самнитов. Фреска. Второй век до нашей эры. Геркуланум, Италия.

Второй стиль

Второй стиль Помпеи был впервые использован около 80 г. до н. Э. И был особенно модным с 40 г. до н. Э., Пока его популярность не пошла на убыль в последние десятилетия I века до н. Э.Стиль известен своими визуальными иллюзиями . Эти изображения trompe l’oeil предназначены для того, чтобы заставить глаз поверить в то, что стены здания растворились в изображенном трехмерном пространстве.

Настенные фрески обычно делились на три регистра, причем нижний регистр изображал ложную кладку, нарисованную в стиле Первого стиля, а простая рамка была нарисована в самом верхнем регистре. Центральный регистр, в котором разворачивается основная сцена, является самым большим и центральным элементом картины.Это пространство было архитектурной зоной, ставшей основной составляющей живописи второго стиля.

Обычно картины, основанные на почти идеальной линейной перспективе для изображения архитектурных пространств и пейзажей, написаны в человеческом масштабе. Желаемый эффект заключался в том, чтобы у зрителя было ощущение, будто, находясь в комнате, он или она физически переносятся в эти пространства.

Деталь виллы П. Фанния Синистора : Архитектурный вид с настенной росписи второго стиля в Боскореале, Италия.c. 50–40 г. до н. Э.

Вилла Ливии

По мере развития стиля верхний и нижний регистры становились менее важными. Архитектурные сцены выросли, чтобы охватить всю комнату, например, на Вилле Таинств и Вилле Ливии.

В случае Виллы Ливии архитектурные виды заменены естественным ландшафтом, полностью окружающим комнату. Картина имитирует природный ландшафт за пределами виллы, изображая узнаваемые деревья, цветы и птиц.Свет естественным образом проходит сквозь деревья, которые кажутся изгибающимися от легкого ветерка. Такие натуралистические элементы, как полет птиц и другие детали, помогают перенести человека, находящегося в комнате, на улицу.

Вилла Ливии : вид на сад во втором стиле виллы Ливии в Примапорте, Италия, с конца I века до н. Э.

Вилла Тайн

На Вилле Таинств, недалеко от Помпеи, есть фантастическая сцена, наполненная фигурами в натуральную величину, которые изображают ритуальный элемент из мистического культа Дионисия.В этом примере второго стиля архитектурные элементы играют небольшую роль в создании иллюзии ритуального пространства. Основное внимание уделяется людям и активности на сцене.

Архитектура представлена ​​в основном опорами или стеновыми панелями, которые разделяют основную сцену на отдельные сегменты. Фигуры выглядят в натуральную величину, что переносит их в пространство комнаты.

Вилла Мистерий : Одна стена на ритуальной сцене, изображенной на Вилле Мистерий в Помпеях, Италия, ок.60–50 гг. До н. Э.

Сцена разворачивается вокруг комнаты, изображая, возможно, обряд бракосочетания. Видна женщина, укладывающая волосы. Ее окружают другие женщины и херувимы, в то время как фигура, идентифицированная как Дионис, ждет. Ритуал может воспроизводить брак между Дионисом и Ариадной, дочерью царя Миноса.

Все фигуры, кроме Диониса и одного маленького мальчика, женские. Фигуры также, кажется, взаимодействуют друг с другом через комнату. На двух стенах в одном углу женщина в ужасе реагирует на Диониса и маску над его головой.В противоположном углу, кажется, херувим бьет женщину по соседней стене. Хотя культовые аспекты ритуала неизвестны, фреска демонстрирует изобретательность и изобретательность римских художников.

Третий стиль

Помпейская живопись третьего стиля, возникшая в последние десятилетия I века до нашей эры. Он был популярен с 20 г. до н. Э. До середины I века н. Э. В этот период настенная живопись стала приобретать более фантастическую индивидуальность.

Вместо того, чтобы пытаться растворить стену, Третий стиль признает стену через плоские, монохромные пространства, окрашенные небольшими центральными мотивами, которые выглядят как развешенная картина.Архитектура, написанная в сценах третьего стиля, часто логически невозможна. Стена часто разделена на три-пять вертикальных зон узкими тонкими колоннами и украшена расписной листвой, канделябрами, птицами, животными и фигурками.

Часто эти существа и люди были заимствованы из египетских мотивов, возникших в результате современного римского увлечения Египтом, известного как египтомания, после поражения Клеопатры в Актиуме и аннексии Египта в 30 г. до н. Э.

Настенная живопись в третьем стиле : Фрагмент настенной росписи в третьем стиле с виллы Агриппы Постума в Боскотрекасе, Италия, ок.10 г. до н. Э.

Четвертый стиль

Четвертый стиль Помпеи стал популярен примерно в середине I века нашей эры. Хотя четвертый стиль считается менее изысканным, чем третий стиль, он более сложен и основан на элементах каждого из трех предыдущих стилей.

В этом стиле детали каменной кладки Первого стиля снова появляются на нижних регистрах, а архитектурные перспективы Второго стиля снова модны, хотя и бесконечно более сложны, чем их предшественники Второго стиля.Фантастические детали, египетские мотивы и орнаментальные гирлянды из Третьего стиля продолжились в Четвертом стиле. На каждой стене доминировали большие картины, связанные друг с другом программой или темой, например, в Доме Веттиев.

Дом Веттиев

Многие комнаты в Доме Веттиев богато расписаны. Каждый триклиний тематически оформлен и окрашен в Четвертом стиле. Каждая панель в комнате соответствует тематике комнаты, обеспечивая визуальное развлечение и повествование во время ужина.

Комната Иксион, например, является образцом настенной росписи четвертого стиля. Внутри каждой красной панели есть сцена, изображающая мифы, в которых главный герой совершает серьезное преступление. Одна панель посвящена Иксиону, который отказался платить приданое и убил своего тестя. Он также возжелал жену Зевса, предав отношения между гостем и хозяином.

На другой панели изображен Дедал, дающий Пасифаю, жене царя Миноса, деревянную корову, чтобы она могла утолить свою жажду белого быка.От этого союза Пасифа родила Минотавра, получеловека-полубыка-монстра. Другой триклиний четвертого стиля изображает сцены из жизни Геракла и Тесея.

Дедел и Пасифа : Дедал представляет Пасифаю с деревянной телицей.

Четвертый стиль : Настенная фреска четвертого стиля в зале Иксион Дома Веттиев.

Дом трагического поэта

Атриум Дома трагического поэта включает серию картин, изображающих сцены Троянской войны.Панно на стенах изображает сцены, которые кажутся взаимосвязанными. Как и в панелях, украшающих Дом Веттиев, сюжеты картин в Доме трагического поэта взаимосвязаны на основе общей темы. Ученые считают, что эти темы были тщательно продуманы не только для рассказа историй, но и для изображения достоинств владельца дома.

Две панели на южной стене рассказывают о начале Троянской войны. Одна панель изображает Зевса и Геры на горе Ида. Другой, сильно поврежденный, похоже, является сценой Парижского суда.Эти панели связаны с началом Троянской войны, изображая женские идеалы.

Две пары сцен, расположенных напротив друг друга, изображают разные взаимосвязанные темы. Похищение женщин — одна из тем, которые можно увидеть на одном изображении Елены и Пэрис, уезжающей в Трою. Другое изображение изображает похищение Амфитриты Посейдоном. В обоих случаях мужчина похищает женщину.

Две другие сцены связаны со спором между Ахиллом и Агамемноном, с которого начинается история Иллиады.Из этих двух сцен одна изображает Ахилла с Агамемноном, а другая изображает Ахиллеса, возвращающего Брисеиду, свою возлюбленную и пленницу, своему командиру Агамемнону.

Последнее изображение, найденное в перистиле, изображает Жертвоприношение Ифигении. Все эти картины связаны друг с другом такими темами, как брак, женская добродетель и Троянская война.

Жертвоприношение Ифигении : панель в Доме трагического поэта, Помпеи, Италия, ок. 60–65 гг. Н. Э.

Беспорядки у Амфитеатра

В то время как приведенные выше примеры живописи четвертого стиля изображают сцены из мифологии, по крайней мере одна современная сцена представлена ​​на сохранившейся фреске.В 59 г. н.э. во время гладиаторского боя вспыхнул бунт между жителями Помпеи и жителями соседней Нуцерии. Драка в амфитеатре привела к серьезным травмам между обеими сторонами и запрету всех гладиаторских соревнований на десять лет.

Сохранилась фреска из Помпеи, изображающая это событие. На фреске изображен Помпейский амфитеатр с его характерной внешней лестницей, а также навес — веларий. На нем также изображены беспорядки, происходящие как внутри арены, так и на территории, окружающей амфитеатр.

Изображение бунта в амфитеатре в Помпеях : В 59 г. н.э. вспыхнул бунт между жителями Помпеи и жителями соседней Нуцерии во время гладиаторского мероприятия. Драка в амфитеатре привела к серьезным травмам между обеими сторонами и запрету всех гладиаторских соревнований на десять лет.

Архитектура в Помпеях

Извержение Везувия в 79 г. н.э. сохранило многие строения в городе Помпеи, что позволило ученым получить редкую возможность заглянуть в римскую жизнь.

Цели обучения

Опишите физическую планировку домуса, или дома, и опишите значение Амфитеатра Помпеи, Храма Исиды и Пригородных бань

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Основная общественная часть дома включала в себя фойе, прихожую, атриум и таблинум, пространство для ведения бизнеса. Основные частные части включали перистиль и сад, а также триклиний или столовую.Все компоненты содержали замысловатый декор. Дополнительные части включали кубикулум, кухню и открытые пространства, известные как alae.
  • Помпейские дома сильно отклонились от стандартной модели, созданной историками. Примеры демонстрируют, как стандартные элементы можно переставить, чтобы они соответствовали практически любой площади и богатству покровителя.
  • Амфитеатр Помпеи был первым каменным амфитеатром в римском мире и самым большим до постройки Колизея.Его дизайн предусматривает строительство Колизея столетием позже, одновременно обращаясь к греческим театрам за его сиденьями.
  • Храм Исиды демонстрирует элементы греческой, римской и египетской архитектуры. Его присутствие в римском городе демонстрирует религиозную терпимость и готовность включить иностранных божеств в римский пантеон.
  • Пригородные бани, содержащие стандартный тепидарий и кальдарий всех римских бань, имеют единственную гардеробную, которую, по мнению археологов, использовали как мужчины, так и женщины.
Ключевые термины
  • атриум : квадратный зал, освещенный дневным светом сверху, в который комнаты выходят на одном или нескольких уровнях.
  • перистиль : Колоннада, окружающая двор, храм и т. Д.
  • патриций : Первоначально член любой из семей, составляющих populus Romanus, или группу римских граждан, до развития плебейского ордена; позже тот, кто по праву рождения или на основании предоставленных особых привилегий принадлежал к высшему классу римлян, которые, обладая определенной собственностью, по праву имели место в римском сенате.

Гора Везувий и сохранение помпейской архитектуры

Во времена Римской республики и в начале Империи область, известная сегодня как Неаполитанский залив, была разработана как курортная зона для элитных римлян, чтобы избежать давления и политики Рима. В регионе доминировали горы. Везувий, знаменитый извержение которого произошло в августе 79 г. н.э., похоронило и сохранило города Геркуланум и Помпеи, а также виллы и фермы региона.

Когда 25 августа извергался Везувий, облако пепла хлынуло на юг, похоронив города Помпеи, Нуцерию и Стабии.Хотя не все уехали до извержения, археологические данные показывают, что люди действительно покинули город. Некоторые дома производят впечатление, что они были упакованы, а в некоторых случаях мебель и предметы были обнаружены при раскопках в беспорядке. Другие ценные предметы, похоже, были похоронены или спрятаны. Есть свидетельства того, что люди возвращались после извержения, чтобы раскопать останки — либо возвращая потерянные вещи, либо грабя ценные вещи.

Извержение Везувия : черные и серые области показывают направление, в котором ветер унес пепел и пирокластические облака.

В Помпеях поток пепла задушил оставшееся население и позволил всему органическому веществу разложиться. Однако там, где когда-то лежали или стояли тела и другие органические объекты (от тел до деревянных архитектурных рам), внутри пепла остались пустые полости, сохранившие свою внешнюю форму.

Пирокластический поток перегретого газа и горных пород пошел на запад к побережью и городу Геркуланум. В отличие от пепельного покрова Помпеи, пирокластический поток в Геркулануме окаменел, обеспечивая сохранность человеческих останков и древесины, включая сохранение деревянных ширм, кроватей и стеллажей.Многие фрески, мозаики и другие неорганические материалы как в пепле, так и в пирокластических потоках сохранились до их раскопок в современный период.

Римский домус

Римский домус, или дом, играл две важные роли в римском обществе: как дом и как место работы для патрициев и богатых римлян. Чтобы облегчить эту двойную функциональность, домус имел отдельный набор комнат, которые можно было использовать как общественные или частные. Хотя ни один современный дом не соответствует стандартной модели домуса, во многих римских домах, как маленьких, так и больших, есть почти все эти разные комнаты.

Римский домус : Стандартный план римского дома.

Дизайн домуса отражает римское покровительство, когда клиента защищает богатый покровитель, а в свою очередь он поддерживает действия и состояние покровителя. Многие из клиентов патрона были бы вольноотпущенниками или другими плебеями и низшими патрициями.

Домус часто находится в стороне от главной улицы, а таберны (магазины) расположены вдоль улиц по обе стороны от главного входа в дом. Клиенты входили в дом через зев (лат. Челюсть), который представлял собой узкий вход в атриум.

Атриум был самой важной частью дома, так как это было место, где встречали клиентов и гостей. Он часто включал в себя имплювиум или бассейн, в котором собиралась дождевая вода. Крыша не закрывала имплювиум. Открытое пространство над впадиной называлось комплювием.

Атриум часто богато украшали тематическими фресками и изображениями предков покровителя. Кубикулы, или комнаты, выстроились вдоль атриума, а в дальнем конце находился таблинум. Таблинум функционировал как офис покровителя и был местом, где он встречался со своими клиентами во время утреннего ритуала приветствия.Таблинум часто позволял заглянуть в личную сферу дома, который располагался за офисом.

Обычно передняя половина дома служила общественным пространством, а задняя часть дома отводилась для более частных функций семьи. В задней части дома, за таблинумом, будет один или несколько триклиний (множественное число: триклиния) или столовых. Столовая была роскошно оформлена и обычно обставлялась обеденными диванами и низким столиком.

Перистиль — внутренний двор с колоннадой — обычно был главной особенностью задней части дома.Он мог содержать сады и даже бассейн и обеспечивать свет, а также тень и ветер в жаркие летние дни. Другие особенности домуса включают alae (открытые комнаты) с неизвестной функцией, кухни (culina) и дополнительные комнаты для работы, сна и прислуги.

Domus в Помпеях

Каждый дом в Помпеях представляет собой различные способы использования стандартных компонентов дома для создания уникальных планов этажей, демонстрирующих статус и богатство владельца.

Большой комплекс Дома Фавна охватывает весь городской квартал.Этот домус имеет два предсердия, каждое со своим зевом, хотя и с двумя перистилями разного размера. По сути, Дом Фавна был частной виллой, несмотря на городское окружение.

Дом Фавна : План дома Фавна в Помпеях, Италия.

Два дома, Дом Веттиев и Дом Трагического Поэта — оба ранее обсуждались для их настенных росписей — представляют собой более простые конструкции, чем Дом Фавна, но на обоих планах домов все еще легко отражается богатство семьи.

Посетителей, входящих в Дом Веттиев, встречает расписанное фресками изображение Приапа, изображающее богатство и удачу двух холостяков, живших внутри. Основными атрибутами их дома были атриум и большой перистиль сада, окруженный украшенным триклинием, и сад с фонтанами, статуями и цветами. Хотя в этом доме было меньше ограничений публично-частного доступа, чем в стандартном доме, в нем были все основные атрибуты традиционного римского дома.

Дом Веттиев : План дома Веттиев в Помпеях, Италия.

Дом трагического поэта был небольшим, но сохранил общественно-частный доступ, характерный для традиционных домов. Зев был особенно известен своим мозаичным изображением собаки с предупреждением «Пещерный тростник» или, грубо говоря, «Остерегайтесь собаки». Фузы вели гостя в атриум и таблинум, которые отделяли общественный фасад дома от частной задней части дома, где располагались небольшой перистиль и расписанный фресками триклиний.

Дом трагического поэта : План дома трагического поэта.

Общественная архитектура

Облако пепла, покрывавшее Помпеи в 79 г. н.э., сохранило общественные здания, а также доми. Среди наиболее хорошо сохранившихся — амфитеатр, Храм Исиды и Пригородные бани.

Амфитеатр Помпеи

Амфитеатр Помпеи — старейший из сохранившихся римских амфитеатров. Современный амфитеатр, построенный около 70 г. до н.э., является самым ранним римским амфитеатром, построенным из камня.Предыдущие амфитеатры были построены из дерева.

Некоторые современные специалисты по борьбе с массовыми беспорядками считают эту конструкцию близкой к оптимальной. Подобно Колизею, но построенное более века спустя, его внешний вид с аркадой, по-видимому, способствовал эффективной эвакуации. Его туалет, расположенный в соседней школе борьбы, также считается источником вдохновения для улучшения дизайна ванных комнат на современных стадионах.

Амфитеатр Помпеи : Построен ок. 70 г. до н. Э.

Образованный от греческих слов amphi (с обеих сторон) и theatron (место для просмотра), амфитеатр объединяет два театра в круглую или яйцевидную форму.Интерьер амфитеатра в Помпеях напоминает два греческих театра, с его многоярусными креслами, выходящими на центральную сцену. Амфитеатр, сохранивший свою конструктивную и акустическую прочность, был местом проведения известных рок-концертов в 1971 и 2016 годах.

Амфитеатр Помпеи : Интерьер с многоярусными сиденьями демонстрирует влияние греческого дизайна.

Храм Исиды

Римская культура вмещала большинство религиозных верований покоренных народов и часто строила храмы и святилища неримским божествам и включала их в свой собственный пантеон.Одним из таких примеров является Храм Исиды, посвященный египетской богине-матери.

Предполагается, что главными приверженцами этого храма являются женщины, вольноотпущенники и рабы. Посвященные таинственного культа Исиды поклонялись сострадательной богине, обещавшей в конечном итоге спасение и постоянные отношения на протяжении всей жизни и после смерти.

В дизайне храма сочетаются римские, греческие и египетские архитектурные элементы. Он окружен кирпичными колоннами, облицованными штукатуркой в ​​стилизованном тростниковом мотиве, часто встречающемся на египетских колоннах.Их общая форма напоминает как дорический, так и тосканский орден.

Подобно типичным римским храмам, портик и целла стоят на возвышении, соединенном с землей центральной лестницей. Колонны на портике, кажется, были тосканскими. По обе стороны от целлы находится арочная ниша, обрамленная коринфскими или композитными колоннами.

Храм Исиды : в дизайне храма сочетаются римские, греческие и египетские архитектурные элементы.

Загородные бани

Пригородные бани (ок.конец I века до н.э.), построенный у городских стен, служил общественной баней для жителей Помпеи. Вход в бани через длинный коридор, ведущий в гардеробную.

Раскопки бань показали только одну группу раздевалок и привели археологов к выводу, что и мужчины, и женщины делили это сооружение. Затем раздевалка вела в тепидарий (теплая комната), а затем в калдарий (горячая комната), которые были стандартными в общественных банях по всей империи.

Пригородные бани : Построенное у городских стен, это строение служило общественной баней для жителей Помпеи.

Позднеримское искусство (200-400 н.э.)

Поздний римский
Искусство: причины и характеристики

Христианство не было основной причиной
художественных изменений в поздней античности. Христианство было только одним из
многие духовные движения, начавшиеся на Востоке и наводнившие римский
среда с обрядами, культами и сектами.Христианское искусство не создавало
впечатление как о чем-то новом — скорее, это была просто одна из ветвей,
и не главный — искусства того времени. Вместо создания нового
стиля или новой иконографии, он внес необходимые изменения в языческий стиль
традиции и опирались на них.

Эти приспособления во многом явились результатом нового
значение Востока и провинции в целом в жизни
Империя. Ось имперской политики постепенно сместилась на Восток, и это
именно там часто улаживались состязания за власть.Это тоже было там
что политические движения, настаивающие на автономии, процветали, в то время как
восточных границ самые опасные и воинственные враги Империи постоянно
угрожающий. «Восточное преобразование жизни в поздней античности.
является неоспоримым фактом, который не может ускользнуть от внимания ученого »(Шлоссер).
Обновление политического значения почти всегда совпадает — и не только
в античном мире — с культурным возрождением. Восток был землей
очень древнего искусства и культуры, и это
Неудивительно, что первоначальные субстраты различных восточных культур,
затопленный эллинизмом и Римом, должен вновь появиться в тот момент, когда
исторические, философские и политические предположения, на которых доминируют
культура была создана, входила в кризис.Ученые всегда подчеркивали
важность неоплатонизма, особенно Плотина, в формировании
нового видения искусства, и теперь вместе с этой новой доктриной, предложившей
синтез греческого искусства с восточными идеями,
произошло возрождение древних «примитивных» культов, возродившихся в
новый климат духовного любопытства и новые формы искусства.

Духовные потребности

Именно эти элементы придают позднему
Античность — тот «особый аспект новаторства и возраста», который Шлоссер
так ясно видел.Новые духовные требования и то, как они
выразились в искусстве (схематизация конструкций, упрощение
формы, уменьшение пластиковых элементов — концентрируясь на тех
основные черты считаются наиболее выразительными — как и все
искажения, возникшие в результате этого, и т. д.), конечно, не навязывали
сами все сразу на римской среде. Они слились с
были связаны с традиционными эллинисто-римскими элементами, и в этом
так зародилась новая традиция, которая должна была стать доминирующей, особенно
после Константина, и особенно в восточной зоне Империи.(В
слово «доминирующий» на самом деле не предназначено для обозначения исключительного, поскольку
художественные традиции часто исчезают долго, а культурный фон
никогда не бывает столь однородным, как может показаться в упорядоченных описаниях
более поздние ученые.)

Императорское искусство
Сочетается с местными традициями

Таким образом, в странах Востока, которые имели
были древние цивилизации,
эллинистическая, а затем и римская культуры сопровождались определенными
этапы «архаических воскрешений», некоторые из которых были энергично преследованы,
другие в меньшей степени.Они становились сильнее всякий раз, когда повторялись кризисы
Империя ослабила прямые контакты между столицей и провинциями.
И это было для этого сложного и разнообразного художественного мира, охватывающего как
живопись и скульптура
— что были придуманы такие определения искусства как: романо-месопотамское, романо-сирийское,
Романо-египетские и т. Д. Это был богатый и разнообразный мир,
и увлекательный, как и все композитные культуры. Иногда странный вид
мистицизма, развивающегося в Малой Азии, в сочетании с пышным декоративным
богатство явно восточного происхождения.Это был просто такой комплекс
и эзотерическое великолепие, создавшее тонкое очарование Артемиды.
статуя в Эфесе, работа, которая была бы выдающейся в любое время.

Определенный портрет
бюсты дам, императоров или других выдающихся личностей выявили
знакомство с римскими образцами, но они были свободно интерпретированы
оригинальные художники, открытые к разным влияниям. Погребальные стелы
найденные в Пальмире, особенно примечательны.Образ мертвого человека
был изображен на стелах, которыми покрывали могилы. Они представляют
одна из высших форм нововизантийского
искусство с его фронтальной репрезентацией и великолепной роскошью. Это
неудивительно, что такую ​​оригинальную и яркую скульптуру можно найти в Пальмире,
если мы вспомним степень процветания и могущества этого древнего
караванный город был построен к третьему веку нашей эры, и способ, которым
ему удалось стать полностью независимым от Рима.В
так же, как восточное искусство должно было иметь решающее значение в развитии
византийского изобразительного искусства, поэтому искусство западных провинций
Империя (где точно так же цвел древний местный субстрат рядом с
римская культура) утверждала свое собственное значение. Параллельное явление,
аналогичные событиям на Ближнем Востоке, произошли в регионах Европы
это было достигнуто римской экспансией. Там имперский римлянин
искусство завоевателей было передано искусству местных жителей;
этот процесс принес оригинальные результаты и способствовал формированию
средневекового стиля на Западе.

Далее: 4. Роман
Искусство ампир, кельтский стиль.

Дополнительные ресурсы
Дополнительные статьи о изобразительном искусстве Древнего Рима см .:

Ранний римский
Искусство (ок. 510 г. до н. Э. — 27 августа до н. Э.)
Искусство эллинисто-римского стиля (ок. 27 г. до н. Э.
— 200 г. н.э.)
Христианско-римское искусство (313 г. до н.э.)
Римская скульптура (ок. 55 г. до н.э.)
Рельефная скульптура древности
Рим

Стиль и идеология в византийском имперском искусстве на JSTOR

Abstract

Изучение стиля в византийском искусстве представляет интерес как для историков, так и для знатоков.В имперском искусстве можно выделить две противоположные традиции восхваления, которые имеют свои аналоги в придворных панегириках. Первый — это метафорическая визуализация императора как сада благодати; этот тип восхваления находил выражение в классических формах. Примеры включают Парижскую псалтырь в искусстве и экфразис Иоанна Геометреса и Константина Родосского в литературе. Второй тип панегириков восхваляет императора как диаграмму сверхъестественных качеств; это соглашение могло привести к изображениям, которые были очень абстрактными, как это можно увидеть на фронтисписах MS.Coislin 79 в Национальной библиотеке в Париже. Стилистические особенности императорских портретов в этой рукописи соотносят их как с ангелами, так и с визуальными знаками божественности Христа — те же отношения выражены в современных панегириках. Подобные характеристики можно увидеть в знаменитых мозаиках Константина Мономаха и Зои, а также Иоанна II Комнина и Ирины в соборе Святой Софии, где есть изменение стиля между двумя мозаиками, перекликающееся с изменением языка придворных панегириков за тот же период.

Информация о журнале

Текущие выпуски теперь размещены на веб-сайте Chicago Journals. Читайте последний выпуск. В Гесте представлены оригинальные исследования о достижениях в изучении искусства и жизни средневековья. Журнал охватывает все грани художественного творчества от ок. От 300 до ок. 1500 г. н. Э. В Европе, Средиземноморье и славянском мире. Журнал дважды был награжден ежегодной премией Ван Кортландта Эллиотта Средневековой академии Америки за «первую статью по средневековью, признанную… выдающейся по качеству».”

Информация об издателе

С момента своего основания в 1890 году в качестве одного из трех основных подразделений Чикагского университета, University of Chicago Press взяла на себя обязательство распространять стипендии высочайшего стандарта и публиковать серьезные работы, способствующие образованию, содействию развитию образования. общественное понимание и обогащение культурной жизни. Сегодня Отдел журналов издает более 70 журналов и сериалов в твердом переплете по широкому кругу академических дисциплин, включая социальные науки, гуманитарные науки, образование, биологические и медицинские науки, а также физические науки.

Императорская скульптура в ранней Римской империи

Во время своего правления Август провел эффективную пропагандистскую кампанию, чтобы продвигать легитимность своего правления, а также поощрять моральные и гражданские идеалы среди римского населения.

Скульптура Августа содержит богатую иконографию правления Августа с сильными темами законности, стабильности, плодородия, процветания и религиозного благочестия. Визуальные мотивы, использованные в этой иконографии, стали эталоном имперского искусства.

Ара Пацис Августа

Ara Pacis Augustae , или Алтарь мира Августа , является одним из лучших примеров художественной пропаганды Августа. Он не только демонстрирует новый моральный кодекс, продвигаемый Августом, но и устанавливает имперскую иконографию. Он был заказан Сенатом в 13 г. до н. Э. В честь мира и щедрости, установленных Августом после его возвращения из Испании (Испания) и Галлии, и был освящен 30 января 9 г. до н. Э.Мраморный алтарь был возведен недалеко от границы Померия к северу от города вдоль Виа Фламиния на Марсовом поле. Настоящий U-образный алтарь находится на подиуме внутри квадратной стены, которая ограничивает священное пространство участка.

Ара Пацис Августа

Вид с северо-востока. Мрамор, 13-9 г. до н. Э., Рим, Италия.

Северная и южная стены изображают процессию фигур в натуральную величину на верхнем регистре.Эти цифры включают мужчин, женщин, детей, священников, ликторов и идентифицируемых членов политической элиты эпохи Августа, включая Августа, его жену Ливию, его зятя Марка Агриппу (умершего в 12 г. до н.э.) и Тиберия. , Приемный сын и преемник Августа, который женится на овдовевшей дочери императора в 11 г. до н. Э. В то время как алтарь в целом прославляет Августа как миротворца, эта сцена, в частности, продвигает его как благочестивого семьянина.

Ара Пацис Августа

Фрагмент сцены процессии на южной стене.Мрамор. 13-9 г. до н. Э. Рим, Италия.

Imperial Portraiture

Август очень тщательно контролировал свой императорский портрет. Отказавшись от реалистического стиля республиканского периода, его портреты всегда изображали его идеализированным молодым человеком. Эти портреты связывали его с божествами и героями, как мифическими, так и историческими. Его часто изображают с опознаваемым ворсом, который изначально был изображен на портретах Александра Великого. Отсутствие обуви свидетельствует о его предполагаемом смирении, несмотря на огромную силу, которой он обладал.Два его портрета, один как Большой Понтифик, а другой как Император, изображают два разных персонажа императора. На портрете Августа в роли Великого Понтифика он изображен в тоге над его вечно юной головой — атрибут, который напоминает зрителям о его крайнем благочестии по отношению к богам.

Август

Изображался как Большой Понтифик.

Август Примапорта демонстрирует влияние как римских, так и классических греческих работ, в том числе Spear Bearer Поликлета и этрусской бронзы Aule Metele .Принимая на себя роль императора, Август носит военный захват в позе, известной как adlucotio , обращаясь к своим войскам. Несмотря на слабое здоровье, из-за которого он остался хрупким, он выглядит здоровым и мускулистым. У его ног Купидон едет на дельфине, символе его божественного происхождения. Амур — сын Венеры, как и Эней, легендарный предок римского народа. Семья Юлиев ведет свое происхождение от Энея и поэтому считает себя потомками Венеры. Будучи племянником и приемным сыном Цезаря, такое использование иконографии позволяет Августу напоминать зрителям о своем божественном происхождении.В дополнение к тому, что он принял язык тела и одежду генерала, рельеф на кирасе показывает одну из величайших побед Августа — возвращение парфянских стандартов. Во время гражданских войн штандарты легиона были потеряны, когда легион потерпел поражение от парфян. Благодаря великому дипломатическому подвигу, а не военным действиям, Августу удалось договориться о возвращении штандартов легиону и Риму. Дополнительные фигуры на кирасе олицетворяют римских богов и наступление мира Августа.

Август Примапорта

г. 20 г. до н. Э., Мрамор, Примапорта, Италия.

Наследие скульптуры Августа

После смерти Августа Тиберий (годы правления 14–37 гг. Н. Э.) Принял титул императора и Великого Понтифика Рима. Как и его тесть, Тиберий сохранял молодость в своих портретных скульптурах. Генерал в своей доимперской карьере, Тиберий появляется в скульптуре, очень похожей на Августа из Примапорты .Он носит военную форму и стоит прямо в динамичной позе контрапоста с поднятой рукой. Хотя он носит сапоги, которые, казалось бы, противоречат предположению о скромности, наблюдаемой в скульптурах Августа в полный рост, его простая кираса и отсутствие религиозной иконографии предполагают, что он компетентный лидер, который не пропагандирует его достижения или божественное происхождение.

Скульптура Тиберия в полный рост в военной форме.

Как и Август, который страдал от слабого здоровья, Клавдий, сменивший Калигулу в 41 г. н. Э., Также был немощным.Помимо проблем со здоровьем, Клавдию не хватало опыта лидера, но он быстро преодолел этот недостаток как император. Во время его правления Рим аннексировал провинцию Британия (современные Англия и Уэльс) и стал свидетелем строительства новых дорог и акведуков. Несмотря на эти достижения, противники Клавдия по-прежнему считали его уязвимым, что заставляло его почти постоянно укреплять свои позиции, что привело к гибели многих сенаторов. Возможно, необходимость доказать свою компетентность в этой роли побудила его заказать скульптуру самого себя в образе Юпитера, скульптуру, которая также имеет поразительное сходство с Августом из Примапорты .Он продолжает стандарт вечно молодого и здорового императора, начатый Августом. Его лицо и тело идеализированы. Как и его предшественник, Клавдий появляется босиком в жесте смирения, уравновешенном символом божественности, в данном случае орлом, символизирующим Юпитер. Он носит лавровую корону как метафору победы. В то время как положение его рук и ладоней похоже на положение Августа, Клавдий держит чашу (подношение, чтобы обозначить его благочестие) в одной руке и подобный скипетру предмет (чтобы обозначить свою силу) в другой.

Римское искусство — Всемирная историческая энциклопедия

Римляне управляли такой огромной империей в течение столь длительного периода, что краткое изложение произведений искусства того времени может быть лишь кратким и выборочным. Возможно, тем не менее, величайшие отличия римского искусства — это само его разнообразие, охват прошлых и настоящих тенденций в искусстве со всех уголков империи и продвижение искусства до такой степени, что оно стало более широко производимым и более доступным. чем когда-либо.В какой другой древней цивилизации бывший раб мог заказать себе портретный бюст? Римские художники копировали, подражали и вводили новшества, чтобы производить искусство в больших масштабах, иногда ставя под угрозу качество, но в других случаях намного превосходя мастерство своих предшественников. Любой материал можно было превратить в предметы искусства. Запись исторических событий без суматохи символизма и мифологических метафор стала навязчивой идеей. Увековечение отдельного частного мецената в искусстве было обычным поручением художника.Живопись направлена ​​на то, чтобы точно передать пейзажи, городские пейзажи и более тривиальные предметы повседневной жизни. Реализм стал идеалом, а культивирование знания и оценки искусства само по себе стало достойной целью. Это достижения римского искусства.

Искусство для всех: вклад Рима

Римское искусство пережило кризис репутации с тех пор, как заново открыли и оценили древнегреческое искусство, начиная с 17 века нашей эры. Когда искусствоведы также поняли, что многие из лучших римских произведений на самом деле являются копиями или, по крайней мере, вдохновлены более ранними и часто утерянными греческими оригиналами, началось признание римского искусства, которое процветало вместе со всем римским в периоды средневековья и Возрождения. уменьшить.Еще одна проблема римского искусства — это само определение того, чем оно является на самом деле. В отличие от греческого искусства, обширная география Римской империи привела к очень разнообразным подходам к искусству в зависимости от местоположения. Хотя Рим долгое время оставался центром внимания, было несколько важных центров производства искусства, которые следовали своим собственным тенденциям и вкусам, особенно в Александрии, Антиохии и Афинах. Как следствие, некоторые критики даже утверждали, что «римского» искусства не существует.

Помпеи, в частности, дают редкое представление о том, как римские произведения искусства использовались, сочетались и нравились.

В последнее время более сбалансированный взгляд на римское искусство и более широкий взгляд, обусловленный успехами археологии, обеспечили переоценку искусства римлян и более широкое признание его вклада в западное искусство в целом. Даже те, кто придерживался мнения, что классическое греческое искусство было зенитом художественного творчества на Западе или что римляне просто соединили лучшее из греческого и этрусского искусства, должны были бы признать, что римское искусство не что иное, как эклектичное. Унаследовав эллинистический мир, созданный завоеваниями Александра Македонского, с империей, охватывающей чрезвычайно разнообразный спектр культур и народов, их собственное понимание прошлого и четкие идеи о том, как лучше всего отмечать события и людей, римляне создавали искусство в широкий спектр форм.Печать, украшения, посуда, мозаика, керамика, фрески, статуи, монументальная архитектура и даже эпиграфия и монеты использовались для украшения римского мира, а также для передачи смысла от военной доблести до моды в эстетике.

Римский флакон для духов

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Произведения искусства были разграблены из завоеванных городов и привезены для признания публики, в римских городах работали иностранные художники, по всей империи создавались художественные школы, производились технические разработки, и повсюду возникали мастерские.Таков был спрос на произведения искусства, производственные линии стандартизированных и массовых предметов наполнили империю искусством. И вот еще один фактор в пользу Рима — огромное количество сохранившихся произведений искусства. Такие места, как Помпеи, в частности, дают редкое представление о том, как римские произведения искусства использовались и сочетались для обогащения повседневной жизни граждан. Само искусство стало более персонализированным благодаря значительному увеличению числа частных меценатов, а не государственных. Это проявляется не более отчетливо, чем создание реалистичных портретов частных лиц на картинах и скульптурах.Как никакая другая цивилизация до этого, искусство стало доступным не только для самых богатых, но и для низшего среднего класса.

Бланки ключей

Римская скульптура

Римская скульптура объединила идеализированное совершенство ранней классической греческой скульптуры с большим стремлением к реализму и смешала стили, преобладающие в восточном искусстве. Римские скульпторы с их популярными копиями более ранних греческих шедевров сохранили для потомков бесценные произведения, которые в противном случае были бы полностью потеряны для мирового искусства.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Спящий гермафродит

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Римляне предпочитали бронзу и мрамор для своих лучших работ. Однако, поскольку металл всегда пользовался большим спросом для повторного использования, большинство сохранившихся образцов римской скульптуры выполнены из мрамора. Пристрастие римлян к греческой и эллинистической скульптуре означало, что после того, как запас оригинальных предметов был исчерпан, скульпторам приходилось делать копии, и они могли быть разного качества в зависимости от навыков скульптора.Действительно, в Афинах и в самом Риме существовала школа копирования прославленных греческих оригиналов. Римские скульпторы также создавали миниатюрные копии греческих оригиналов, часто в бронзе, которые собирались любителями искусства и выставлялись в шкафах в доме.

Частные портретные бюсты иногда изображают объект как старый, морщинистый, покрытый шрамами или дряблый; Короче говоря, эти портреты говорят правду.

Римская скульптура, однако, начала искать новые пути художественного выражения, отходя от своих этрусских и греческих корней, и к середине I века н.э. римские художники стремились запечатлеть и создать оптические эффекты света и тени. для большей реалистичности.Реализм в римской портретной скульптуре и погребальном искусстве вполне мог развиться из традиции хранения реалистичных восковых погребальных масок умерших членов семьи в доме предков. Затем, перенесенные на камень, у нас есть много примеров частных портретных бюстов, которые иногда представляют объект как старый, морщинистый, покрытый шрамами или дряблый; Короче говоря, эти портреты говорят правду. К более поздней античности произошел даже переход к импрессионизму с использованием световых приемов и абстрактных форм. Скульптура также стала более монументальной с массивными, более крупными статуями императоров, богов и героев, такими как огромная бронзовая статуя Марка Аврелия верхом на лошади, которая сейчас находится в Капитолийском музее в Риме.К концу Империи скульптура фигур имела тенденцию к отсутствию пропорций, особенно головы были увеличены, а фигуры чаще всего представлялись более плоскими и спереди, показывая влияние восточного искусства.

Римский портретный бюст

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Скульптура на римских зданиях и алтарах могла быть просто декоративной или иметь более политическое назначение. Например, на триумфальных арках архитектурная скульптура подробно запечатлела ключевые события кампании, что усилило мысль о том, что император был победоносным и цивилизованным агентом во всем известном мире.Типичным примером является Арка Константина в Риме (ок. 315 г. н. Э.), На которой также изображены побежденные и порабощенные «варвары», стремящиеся донести до дома послание о превосходстве Рима. Такое изображение реальных людей и конкретных исторических фигур в архитектурной скульптуре резко контрастирует с греческой скульптурой, где великие военные победы обычно представлялись в метафоре с использованием фигур из греческой мифологии, таких как амазонки и кентавры, например, на Парфеноне. Алтари также можно было использовать для представления важных личностей в выгодном свете.Самый известный алтарь — Ара Пацис Августа (завершен в 9 г. до н. Э.) В Риме, огромный каменный блок, на котором изображены зрители и участники религиозной процессии. Кажется, что фигуры были запечатлены в один момент, как на фотографии: ребенок тянет за тогу, сестра Августа приказывает двум болтунам замолчать и так далее.

Римские настенные росписи

Интерьеры римских зданий всех мастей очень часто роскошно украшались с использованием ярких цветов и узоров.Настенные росписи, фрески и использование лепнины для создания эффектов рельефа — все это широко использовалось в 1 веке до нашей эры в общественных зданиях, частных домах, храмах, гробницах и даже военных сооружениях по всему римскому миру. Дизайн мог варьироваться от замысловатых реалистичных деталей до сильно импрессионистских визуализаций, которые часто покрывали все доступное пространство стены, включая потолок.

Фреска, Вилла Ливии, Рим

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Римские художники по стенам (или, возможно, их клиенты) предпочитали естественные цвета земли, такие как более темные оттенки красного, желтого и коричневого.Синие и черные пигменты также были популярны для создания более простых рисунков, но свидетельства из магазина красок Помпеи показывают, что был доступен широкий диапазон цветовых оттенков. Объекты могут включать портреты, сцены из мифологии, архитектуру с использованием trompe -l ‘ oeil , флору, фауну и даже целые сады, пейзажи и городские пейзажи для создания впечатляющих панорам на 360 °, которые переносят зрителя за пределы ограниченного пространства. маленькая комната в безграничный мир фантазии живописца.Выдающимся примером является Дом Ливии I века до н.э. на Палатинском холме в Риме, который включает в себя 360-градусную панораму импрессионистского сада. Сцена проходит по одной комнате и полностью игнорирует углы. Другой великолепный пример — частная вилла I века н.э., известная как Дом Веттиев в Помпеях.

По мере развития этой формы искусства, единичные сцены большего размера, представлявшие фигуры, превышающие реальные, стали более распространенными. К III веку н.э. одним из лучших источников настенной живописи является христианские катакомбы, где были нарисованы сцены как из Ветхого, так и из Нового Завета.

Римская мозаика

Римские мозаики были обычным явлением в частных домах и общественных зданиях по всей империи от Африки до Антиохии. Мозаика, также известная как opus tessellatum , была сделана из небольших черных, белых и цветных квадратов мрамора, плитки, стекла, керамики, камня или ракушек. Обычно размер каждого отдельного предмета составлял от 0,5 до 1,5 см, но мелкие детали, особенно на центральной панели ( emblemata ), часто визуализировались с использованием даже более мелких частей размером всего 1 мм.В дизайне использовался широкий спектр цветов с цветной заливкой, чтобы соответствовать окружающим tesserae . Этот особый тип мозаики, в которой использовались сложные цвета и оттенки для создания эффекта, подобного картине, известен как opus vermiculatum, , и одним из величайших мастеров этой мозаики был Сорус из Пергама (150-100 г. до н.э.), чьи работы, особенно его Мозаика «Питьевые голуби» была скопирована много веков спустя.

Мозаика цыганской девушки

Джеймс Гордон (CC BY)

Популярные сюжеты включали сцены из мифологии, состязаний гладиаторов, спорта, сельского хозяйства, охоты, еды, флоры и фауны, а иногда даже самих римлян запечатлели в подробных и реалистичных портретах.Одна из самых известных сегодня римских мозаик — это мозаика из Дома Фавна в Помпеях, на которой изображен Александр Великий верхом на Буцефале и лицом к лицу с Дарием III на своей боевой колеснице. Не только полы, но и своды, колонны и фонтаны были украшены мозаикой.

римских мастеров мозаики разработали свои собственные стили, и по всей империи были сформированы производственные школы, которые культивировали свои собственные особые предпочтения — крупномасштабные сцены охоты и попытки перспектив в африканских провинциях, импрессионистическую растительность и наблюдателя переднего плана в мозаиках Антиохии, или, например, европейское предпочтение панелей с фигурами.Доминирующий (но не исключительный) римский стиль в самой Италии использовал только черный и белый tesserae , вкус, который сохранился до 3-го века нашей эры и чаще всего использовался для представления морских мотивов, особенно когда он использовался для римских бань. Со временем мозаики стали еще более реалистичными в изображении человеческих фигур, а точные и подробные портреты стали более распространенными. Между тем, в восточной части империи, и особенно в Антиохии, в IV веке нашей эры распространение мозаики, в которой использовались двумерные и повторяющиеся мотивы для создания эффекта «ковра», оказало сильное влияние на более поздние христианские церкви и иудейские церкви. синагоги.

Малое искусство

Малые искусства Древнего Рима были широкими и разнообразными, что во многих случаях иллюстрирует любовь римлян к изысканным драгоценным материалам с деталями и часто миниатюрными рисунками. Они включали украшения всех видов, небольшие золотые портретные бюсты, изделия из серебра, такие как зеркала, чашки, тарелки, фигурки и т. Д., Огранку и гравировку драгоценных камней, камеи из сардоникса, печати, сосуды и украшения из хрусталя, инкрустации, позолоченной или эмалированной бронзы сосуды, резная и гравированная слоновая кость, тонко украшенная керамика, таблички для дополнения мебели, элементы военной формы и оружия, медальоны, монеты, терракотовые масляные лампы, вышитая тирская пурпурная ткань и иллюстрированные книги.Предметы украшения включали императорскую семью, частных лиц, мифологию, природу и такие стандартные мотивы, как геометрические формы, листья аканта, виноградные лозы, меандры, розетки и свастики. Работы часто подписываются мастером, который может быть иностранцем или римлянином.

Золотая филигранная серьга, Гераклея

Марк Картрайт (CC BY-NC-SA)

Изделия из серебра и резных драгоценных камней особенно ценились и часто собирались теми римлянами, которые могли себе их позволить.Оставленные дома, они, без сомнения, показывались восхищенным посетителям и использовались в качестве беседы. Любовь римлян к замысловато детализированной и крошечной резьбе на драгоценных камнях противоречит традиционному мнению о том, что римское искусство было сосредоточено на всем массивном и неэлегантно громоздком. Перстни-печатки, символ семейной гордости и важный метод подписи наряду с камнями-печатками, были, как и драгоценные камни, вырезаны с помощью небольших сверл с алмазным острием или шлифовального круга, которые вращались с помощью горизонтальной дуги на валу.Кизил и оникс, кажется, были предпочтительным материалом для более функциональных предметов, но сапфиры и аквамарин являются одними из самых ценных драгоценных камней, которые римляне импортировали из таких отдаленных мест, как Индия.

Римские ювелиры были особенно искусны в своем ремесле. Обучаясь у тех, кто работал раньше, они использовали весь спектр навыков обработки металла, таких как золочение, грануляция, репутация, инкрустация, ажурная работа и т. Д. Кольца, ожерелья, браслеты, броши, пряжки, серьги, подвески, браслеты и сетки для волос. все они были изготовлены из драгоценных металлов, часто с исключительной детализацией и мастерством.Со временем украшения становились все тяжелее и ярче, и это никоим образом не ограничивалось женской одеждой.

Наследие

Во многих отношениях римляне продолжали и увековечивали искусство более ранних цивилизаций, но, как резюмирует историк искусства Мартин Хениг, их художественные усилия сводились к гораздо большему:

Римское достижение… полностью противоречит обывательской репутации, которую обычно приписывали Древнему Риму. Унаследовав греческие традиции, римские мастера продолжали вводить новшества, и их работы не перестают удивлять нас своей изысканностью формы.(Хениг, 165)

Вклад римского искусства в общее развитие западного искусства включает решимость фиксировать реальные исторические события; настенные росписи в различных стилях, отражающие архитектуру того времени, природные виды или натюрморты, включая людей и обычные предметы, которые ранее редко изображались в искусстве; и реалистичные портреты простых граждан. Ничто из этого не было полностью новым в искусстве, но римляне, как и во многих других областях, довели возможности идеи до пределов и за их пределы.

Fresco, Pompeii

Мэри Харрш (сфотографировано в Национальном археологическом музее Неаполя) (CC BY-SA)

К концу римского периода новые идеи в искусстве развивались и будут продолжать развиваться, но римское искусство окажет длительное влияние на всех, кто последует за ним, не в последнюю очередь на средневековое христианское искусство и рисунки на рукописях. Возможно, однако, их величайшим вкладом в мировое искусство было развитие идеи о том, что ценить искусство само по себе — это прекрасно, и что владение предметами искусства или даже коллекцией было настоящим признаком культурной изысканности.Кроме того, даже для тех, кто не мог позволить себе собственное искусство, были предусмотрены публичные художественные галереи. Искусство больше не было исключительной прерогативой богатых, искусство было достоянием всех и каждого. Римляне, как никакая другая культура до них, были поборниками искусства как популярного, доступного и доступного средства выражения и передачи человеческого духа.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Римское искусство: история, характеристики и стиль — видео и стенограмма урока

Портретные скульптуры

Традиция портретной скульптуры восходит к самым ранним дням римской истории.Вероятно, это произошло из римского обычая создавать изображения предков. Когда римлянин умер, его семья создала восковую скульптуру его лица, которая хранилась в специальной святыне дома. Эти скульптуры больше походили на записи о существовании человека, чем на произведения искусства, поэтому упор делался больше на реалистичные детали, чем на художественную красоту.

Когда Рим стал богатым и получил доступ к греческим скульпторам, римские аристократы, называемые патрициями, начали делать эти портреты из камня, а не из воска.Тем не менее, несмотря на этот переход, они по-прежнему предпочитали точное воспроизведение художественному выражению. Сравните этот портрет римлянина с его резким реализмом и серьезным выражением лица с этой греческой портретной головой из Делоса с ее выразительными глазами и мощным эмоциональным воздействием.

Сравнение римской и греческой скульптуры

Значение этих погребальных скульптур для римской аристократии ясно видно в этой статуе римского патриция, гордо демонстрирующего свое древнее наследие с бюстами своих предков.

Римский патриций, демонстрирующий наследие

Тем не менее, римская скульптура была посвящена не только почитанию мертвых, но и живым. Важные римляне были вознаграждены за свою доблесть и величие выставлением их статуй на всеобщее обозрение. Ниже представлена ​​одна из самых ранних статуй такого рода, которые мы нашли, и этот образец сохранялся до самой смерти Республики.

Римская статуя, которая была бы выставлена ​​на всеобщее обозрение

С подъемом Империи мы видим резкое сокращение этой тенденции.Не в количестве статуй, которое на самом деле резко увеличилось, а в количестве людей, которые должны быть изображены в статуях. Вместо статуй государственных деятелей и генералов теперь статуи императоров. В этих статуях реализм ранних римских надгробий уступает место идеализму.

Статуя Августа

Глядя на статую выше, с ее идеальными линиями и величественным ростом, мы даже не уверены, смотрим ли мы на человека или на бога.Эта двусмысленность неудивительна, потому что ответ таков: мы смотрим на оба. Это статуя Августа. Август был первым императором Рима, и ему поклонялись как богу. У него даже был свой имперский культ.

Позднее императоры воздвигали подобные статуи самих себя по всей империи, такие как Клавдий, Адриан, Нерва и Константин. Похоже, римляне очень серьезно отнеслись к этим статуям. Императоры, нажившие слишком много врагов при жизни, после смерти подверглись бы damnatio memoriae (осуждению самой их памяти).Их статуи будут уничтожены или просто испорчены по всей империи.

Статуи Клавдия, Адриана, Нервы и Константина

Повествовательные рельефы

С восхождением на престол императора в Риме приобрела известность еще одна форма скульптуры: повествовательные рельефы, изображающие подвиги императора. Как и портретные бюсты, эти рельефы уходят корнями в гораздо более древнюю римскую традицию. Римские полководцы-победители часто заказывали картины, посвященные своим завоеваниям.Их часто несли во время триумфальных парадов и выставляли для всеобщего обозрения.

Однако эти картины не были задуманы как великие произведения искусства, а скорее были живописными изображениями, рекламирующими достижения героя. Тот факт, что ни одна из них не сохранилась до наших дней, предполагает, что с этими картинами обращались так же, как с плакатами. С появлением у императоров больших ресурсов искусство провозглашения своей победы стало гораздо более серьезным, постоянным и монументальным, переходя от картин на деревянных панелях к скульптурному камню.

Три самых известных примера таких памятников — Ара Пацис, или «Алтарь мира», прославляющий триумфы Августа в Испании и Галлии; Арка Тита, посвященная победам императора Тита, включая его успешную осаду Иерусалима; и Колонна Траяна, изображающая успешные кампании Траяна против даков.

Это в значительной степени завершает скульптуру; Теперь все, что нам нужно сделать, это посмотреть на картину и мозаику.

Живопись

У нас очень мало примеров живописи из древнего мира.Краска редко выдерживает испытание временем, если она не защищена от непогоды. Вода, свет и даже воздух могут превратить шедевр в черное пятно. С Римом нам повезло, потому что несколько римских городов, таких как Помпеи и Геркуланум, были погребены в вулканическом пепле после извержения горы. Везувий в 79 году н. Э.

К счастью для нас, некоторые жители Помпеи были ценителями настенной живописи. Среди них были Vettii. В Доме Веттиев мы можем довольно ясно увидеть характеристики римской живописи.

Настенные росписи Дома Веттиев

Одной из самых отличительных черт римской живописи было использование иллюзий для создания глубины. Римские художники использовали эту технику для обрамления картины или придания плоским стенам вида ниш или окон или даже полностью развернутых окружающих сцен, таких как фриз с Виллы Таинств в Помпеях или Вид на сад с Виллы Ливии в Приме. Porta. Тем не менее, несмотря на то, что римляне были превосходны в простых иллюзиях, они все еще не овладели искусством перспективы, как мы можем видеть на этой настенной росписи из Боскореала.

Фриз из Виллы Тайн
Вид на сад с виллы Ливии

Мозаика

Остается обсудить только один вид римского искусства — мозаику. Римляне любили мозаику и создавали ее с безупречным мастерством. Используя кубики мрамора естественного цвета, римляне создавали мозаику беспрецедентного качества и детализации.Вероятно, самая известная римская мозаика — это мозаика пола ниже, изображающая Александра Великого в битве при Иссе. Обратите внимание на изысканную деталь Александра Великого.

Напольная мозаика Александра Македонского

Резюме урока

Для повторения: хотя римляне копировали большую часть своего искусства у греков и этрусков, они также внесли свой личный вклад в мир искусства. Их скульптуры демонстрируют победу реализма над греческим идеализмом, в результате чего скульптуры были скорее точными, чем красивыми.Их настенные росписи демонстрируют мастерство иллюзий и глубины, хотя им все еще не хватает полной перспективы. И их мозаика захватывает дух своими изысканными деталями и оттенками.

Результат обучения

Посмотрев этот урок, вы сможете объяснить историю и особенности нескольких форм римского искусства: скульптур, повествовательных рельефов, картин и мозаик.

Топ 10 выдающихся древнеримских искусств

Хорошо известно, что Древний Рим был одной из крупнейших империй в истории человечества.По этой причине тема древнеримского искусства широка, поскольку включает традиционное искусство, практикуемое более 1000 лет в обширных регионах Африки, Азии и Европы. Самые ранние узнаваемые произведения древнеримского искусства датируются 500 годом до нашей эры. На римское искусство явно повлияли художественные практики, популярные в классическую греческую эпоху. Римляне взяли все, чему могли научиться из существующих практик, а затем, опираясь на них, разработали свой собственный художественный стиль. Вот список из 10 лучших произведений древнеримского искусства и скульптуры, которые были признаны на протяжении всей истории:

1.Фресковая стена из Дома Ливии

Дом Ливии — это римская резиденция, которой почти 2000 лет, и она может похвастаться одними из самых потрясающих настенных фресок и напольной мозаики, которые вы могли видеть еще во времена императорского Рима. И, к счастью для современных энтузиастов искусства, Дом Ливии все еще сохраняет почти всю свою завораживающую красоту. Говорят, что этот дом был резиденцией жены Августа, Ливии, женщины, которая была настолько влиятельной и влиятельной в свое время, что даже римский сенат признал ее с титулом Mater Patriae или Мать Отечества.Внутренние стены Дома Ливии украшены очаровательными и реалистичными настенными росписями, изображающими красоту природы. Экзотические птицы, растения, цветы, деревья; Флора и фауна были нарисованы с таким вниманием к деталям, что исследователи даже смогли идентифицировать отдельные виды. Несмотря на то, что ему почти 2000 лет, он по-прежнему остается великолепным образцом естественной красоты, изображенной с помощью искусства.

2. Колонна Траяна

Эта монументальная колонна является достопримечательностью города и является одним из наиболее хорошо сохранившихся памятников Древнего Рима.Это потрясающее сооружение само по себе, на его поверхности вырезано в общей сложности 2662 фигуры, изображающие 155 различных сцен, что позволяет ему рассказывать свою собственную историю. Различные сцены изображают знаменитые марши римских легионов, огромные сражения (особенно во время дакийских войн), переговоры, жертвоприношения, речи Траяна и многие другие политические события современности. В сценах сражений в Дакии сам Траян — видная фигура в библейском повествовании, выполняя различные военные задачи.Излишне говорить, что Колонна Траяна и ее спиральное повествование дают подробное представление о координации, управлении и операциях римской армии. Учитывая свое историческое значение и известность как давнюю достопримечательность, Колонна Траяна уже очень давно привлекает художников и историков.

См. Также:
10 лучших древнеримских блюд и напитков

3. Алтарь Августинского Мира (Ara Pacis Augustae)

Строительство Алтаря Августинского Мира было заказано римским Сенатом 4 июля 13 г. до н.э. честь императора Августа, возвращавшегося из успешных походов в Испанию и Галлию.По завершении строительства 30 января 9 г. до н. Э. Он стал, возможно, одним из лучших образцов римского искусства и совершил огромный скачок в римском искусстве портретной живописи. Окруженный высокими стенами, Ara Pacis имеет два входа: один с востока, а другой с запада. Почти все внутренние и внешние стены украшены красивыми скульптурами и декоративными фризами. Но выделяется украшение на внешней стороне стен участка, наряду с изображениями процессии членов императорского дома на северной и южной стенах.Восточная и западная стены украшены изображениями, подчеркивающими темы мира и римских гражданских ритуалов. Римляне пережили период замечательного мира во время правления Августа, и сам жертвенник стал символом Пакса (что означает мир), то, что Август был в состоянии поддерживать на протяжении значительной части своего правления.

4. Фриз Диониса, Вилла Таинств

Вилла Таинств могла быть разрушена во время извержения Везувия в 79 году нашей эры, но, к счастью, она получила лишь незначительные повреждения, и большая часть ее стен вместе со скульптурами и фресками уцелела.Что выделяло эту виллу, так это комната внутри нее, украшенная завораживающими сценами. Эта комната, расположенная в передней правой части виллы, теперь известна как Камера Посвящения. Слово «мистерии» относится к таинственным ритуалам инициации, которые совершались некоторыми людьми, достигнув совершеннолетия. Другая интерпретация гласит, что фрески изображают молодую девушку, участвующую в церемониальном браке, следуя ритуалам, необходимым для достижения женственности. Фрески в этой комнате не документируют жизненные достижения человека, а показывают его нравственное развитие на разных этапах жизни.

5. Арка Константина

Римские императоры были склонны устанавливать грандиозные триумфальные памятники, прославляющие главные достижения и победы их правления. Поэтому, когда последний великий римский император Константин вернулся в Рим после успешной кампании против Максенция в битве у Мильвийского моста, он решил построить монументальную арку, чтобы напомнить римскому народу о его решающей победе над таким грозным врагом. Арка Константина — самая большая из сохранившихся триумфальных арок, а поскольку Римская империя пала в конце правления Константина, это также последний великий памятник имперского Рима.При внушительной высоте 21 метр и еще большей ширине этот гигантский памятник состоял из трех отдельных арок — большой в центре и двух более коротких по бокам. В нижней части арки находится картина, изображающая битву у Мильвийского моста.

6. Колонна Марка Аврелия

По образцу своей гораздо более популярной предшественницы, Колонны Траяна, Колонна Марка Аврелия была построена в честь успешных военных кампаний императора Аврелия против германских и сарматских племен.Его высота в 39 метров становится еще более впечатляющей, если добавить к нему семиметровое подземное основание. Эта, казалось бы, прямая дорическая колонна покрыта рельефными скульптурами, вырезанными из 21 спирали, каждая из которых описывает отдельные кампании Марка Аврелия против германских и сарматских войск между 175 и 172 годами до нашей эры. Большинство этих повествований представляют собой инциденты из двух крупных сражений, но есть также некоторые интригующие эпизоды, в которых можно увидеть, как Маркус обращается к своим войскам или где подчеркиваются великие римские инженерные достижения.Резные сцены более выразительны и содержат больший символизм, чем на колонне Траяна, но последняя имеет более изысканную рельефную работу, а качество изготовления намного выше.

См. Также:
10 лучших римских изобретений

7. Арка Септимия Севера

Знаменитая арка Септимия Севера была построена, чтобы символизировать и обозначать победы римлян над парфянами в конце второго века до нашей эры. Септимий поставил триумфальную арку, чтобы отразить военные завоевания, сыгравшие важную роль в расширении Римской империи на территории современного Ирака и Ирана.Эта монументальная арка высотой почти 21 метр и шириной более 23 метров была сделана из проконесского белого мрамора из Мраморного моря. Арка может похвастаться выдающимися скульптурами, изображающими сцены из военной кампании против парфян, различных божеств и смены времен года. Но, пожалуй, самой заметной особенностью арки была надпись наверху, первоначально написанная из позолоченной бронзы и посвященная самому Септимию Северу и двум его сыновьям, Каракалле и Гете.Арка Септимия Севера — один из самых потрясающих произведений римской архитектуры — до сих пор является памятником древнего Рима.

См. Также:
10 удивительных фактов о Древнем Риме

8. Зал Иксион, Дом Веттиев

Дом Веттиев был одним из самых роскошных и известных резиденций в Помпеях еще в римскую эпоху. К счастью для любителей современного искусства и энтузиастов, впечатляющий интерьер этой резиденции сохранился после извержения Везувия примерно в 79 году нашей эры.Он может похвастаться множеством потрясающих настенных фресок того времени. Самым большим зрелищем является зал «Иксион», где демонстрируются художественные экспонаты, уходящие корнями в древнегреческую мифологию. Почти все стены Дома Веттиев украшены прекрасными мозаиками, каждая из которых может рассказать свою историю. Но Комната Иксиона наиболее известна своим изображением страданий Иксиона. Иксион был обманут и наказан Зевсом, когда попытался завоевать любовь Геры. На фреске изображена сцена, в которой Гермес заявляет, что Иксион должен быть прикован к огненному колесу.Можно увидеть, как Гефест вращает колесо, в то время как Гера сидит на троне и слушает женщину, умоляющую Иксиона. Фреска выделяется оригинальным пересказом этого знаменитого мифологического события.

9. Копьеносец (Дорифор)

Хотя этот шедевр больше напоминает древнегреческое искусство и культуру, римская мраморная копия копьеносца или Дорифора примечательна. Говорят, что этот драгоценный камень — Дорифор Поликлета, поразительная греческая скульптура, изображающая спортсмена, держащего копье в левой руке с острием, перекинутым через плечо.Самые ранние римские мраморные копии датируются 120-50 гг. До н.э. в Помпеях. Вместо того, чтобы делать скульптуру из бронзы, как древние греки, римляне создали свой дорифор из мрамора, который был намного дешевле. Это привело к появлению у древних римлян популярной тенденции включать одну или несколько таких статуй в сады и дома более богатых покровителей. Хотя ничего от оригинального копьеносца не сохранилось до наших дней, его популярность среди римских покровителей и императоров привела к его известности в истории искусства.

10.Римские мозаики

Древние римляне умели сочетать прекрасные произведения искусства с практичностью повседневной жизни. Римские мозаики действительно отражают это художественное чутье, поскольку они использовались для изображения сцен повседневной жизни в Древнем Риме. Мозаики представляли собой прекрасные и сложные рисунки или узоры, которые римляне создавали из небольших кусочков керамической плитки. Эти ослепительные образцы затем использовались для покрытия столешниц, стен, а иногда и целых полов. Мозаика не только была красивой, но и помогала сохранять в доме прохладу, и ее было легко чистить.Римляне создавали мозаики разных стилей, которые различались по форме в зависимости от конкретной керамической плитки или камня. Эти индивидуально расписанные камни были затем соединены в уникальный узор, чтобы изобразить сцены из повседневной жизни.

Заключение

Из приведенного выше списка легко сделать вывод, что древнеримское искусство включало широкий спектр художественных приемов и использовало практически любые ресурсы, которые можно было бы превратить в долговечное произведение искусства.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.