постмодернизм и мода — от Казимира Малевича до Джиджи Хадид
Весенне-летний сезон 2017 года подарил нам немало трендов. Какие-то нравились, от каких-то мы недоумевали, другие заберем в следующий год, а некоторые с радостью забудем с первыми желтыми листьями. Но если и есть что-то непреходящее в моде – так это ее союз с искусством. Особенно с современным.
Казалось бы, как вообще связаны между собой Казимир Малевич и Джиджи Хадид? И есть ли эта связь вообще? Отвечаем: есть. И рассказываем какая!
1 Абстракционизм
Абстрактное искусство живет не только работами Кандинского и Малевича — не менее гениальным был и нидерландец Пит Мондриан. Его композиции, составленные из цветных блоков — чистейшее воплощение абстракции в искусстве. Впрочем, его искусство кажется простым только сначала: приглядевшись, опытные зрители заметят сложный баланс, гармонию, даже энергию в его картинах!
Василий Кандинский, Композиция VIII, 1923 год
Пит Мондриан, Композиция II с красным, синим и желтым, 1930 год
Влияние Мондриана в мире искусства сложно переоценить — кажется вполне естественным, что ряд архитектурных, промышленно-дизайнерских и, конечно, модных изобретений — цитаты.
Первым это сделал Ив Сен-Лоран в 1965 году. Его коллекция «Трапеция» — исключительный случай, когда оммаж становится чуть ли не более известным, чем первоисточник. Затем была коллекция Moschino в 1990 году — творческое переосмысление в духе бунтаря от моды Франко Москино.
Коллекция «Трапеция», 1965 год
Коллекция Moschino, 1990 год
В 2015 году коллекцию в цветах художника выпустил парижский модный Дом Balmain, а в феврале 2017 года творческий тандем Джиджи Хадид и Томми Хильфигера представил свою совместную коллекцию, не узнать в которой неопластицизм Мондриана тоже не получится.
Balmain
2 Поп-арт
Поп-арт возник как реакция на абстрактный экспрессионизм. Ключевой образ, который художники в этом стиле эксплуатируют уже больше 60 лет, — образ homo consumens, человека потребляющего. Их творчество — не безобидные яркие коллажи, а манифест новой общественной формации, в которой неограниченное потребление признается высшим благом.
Естественно, что для революции в целом искусстве требовалась революция в конкретной его форме. Всем известный Энди Уорхол (который, кстати, никакой не Энди, а Анджей Ворхола) при создании своей знаменитой картины с Мэрилин Монро пользовался трафаретной печатью: так началась индустриализация в довольно долго остававшейся консервативной сфере человеческой деятельности, как искусство.
Диптрих Мэрилин, 1962 год
Но говоря об этом стиле, было бы нечестно вспоминать одного Уорхола. Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс — все они по праву считаются отцами-создателями нового визуального кода, имя которому — поп-арт.
Отсылки к их творчеству в моде сплошь и рядом: что в капсульных коллекциях, что в основных. Портреты людей, выполненные в технике популярного искусства, комиксы, броские несложные надписи, в которых встретить слово длиннее, чем в два слога, нужно постараться — все это и есть поп-арт.
В этом сезоне главными по нему были назначены Оливия Ле-Тан с незатейливыми аппликациями и Louis Vuitton со своей коллаборацией с брендом Supreme.
Да, стараниями наших звезд все от нее уже на стенку лезут — но речь сейчас не об этом. Мощь короткого названия Supreme и броский логотип марки и ясный визуальный код — если бы Уорхол дожил до появления этого уличного скейтерского бренда, вне всяких сомнений, он был бы их главным поклонником, снялся бы в рекламной кампании у Терри Ричардсона и вмиг стал бы главной иконой стиля у молодежи 90-х и нулевых годов.
Olympia Le-Tan, весна-лето 2017
Supreme x Louis Vuitton, 2017 год
3 Минимал-арт
В противовес пестрому до боли в глазах поп-арту есть минимал-арт, «ничего лишнего». Даже идеи Мондриана (куда проще?) кажутся художникам 60-х годов Нью-Йорка сложными и перегруженными лишними смыслами. Так появился и минимализм в искусстве — торжество геометрии и цвета. Просто геометрии и просто цвета — без дополнительных изысканий и философских рассуждений.
Интересно, что главный современный модный пропагандист минимализма Раф Симонс трудится в Америке.
Дизайнер проделал долгий путь, но всегда оставался верен своему собственному стилю — минимализму. Чуть суховатому, может быть излишне рафинированному (за что его, собственно, и критиковали в Dior), но от этого совсем нескучному. Убедитесь в этом сами: A$AP Rocky даже посвятил Симонсу песню. Называется она просто: Raf.
Раф Симонс
A$AP Rocky
4 Конструктивизм
Конструктивизм — изобретение советского строя. Его идеологами были Владимир Татлин с несуществующей башней и человек-оркестр Александр Родченко. Основными тезисами конструктивистов были строгость линии и монолитность композиции, хотя иногда само понятие «конструктивизм» объединяло под собой все революционные процессы в искусстве СССР 20-х годов. Сменился общественный строй, а перед партией встал вопрос поиска новых культурных кодов.
Башня Татлина, 1920 год
Диск и крышка, 1919 год
За конструктивизм в моде тех времен отвечали Варвара Степанова и Любовь Попова.
Перед ними стояла ответственная задача — предложить пролетариату новую одежду. Такую, которая была бы в духе времени и отвечала бы всем его запросам. Основным правилом при работе стала максимальная утилитарность: искусство ради одежды, не наоборот. На волне увлечения всем миром прямыми линиями и изучением взаимодействия геометрических форм, ее дуэт с Поповой предложил совершенные с точки зрения композиции и ритма геометрические принты, составленные из самых простых фигур.
Варвара Степанова и Любовь Попова
Авторский принт
Их дело живет и сейчас стараниями, например, Демны Гвасалии. В западных источниках есть два самых часто употребляемых слова, используемых критиками при описании его творений для Balenciaga — скульптурность и монолитность композиции (естественно, такой вывод мы сделали, оставив за скобками фразу «маргинальный шик»). Строгие формы, выверенные до миллиметра пропорции — мы об этом. Отголоски идеальных принтов тандема Степановой-Поповой можно услышать в коллекциях многих других дизайнеров: как наших, так и забугорных.
Balenciaga, весна-лето 2017
Calvin Klein, весна-лето 2017
Issey Miyake, весна-лето 2017
Эпоха конструктивизма — не только Татлин, Родченко, Степанова и Попова. Это и Эль Лисицкий, знаменитый своими супрематическими агитплакатами.
Эль Лисицкий, 1920 год
С этой эстетикой работал Гоша Рубчинский, — без сомнений один из самых обсуждаемых современных дизайнеров. Его ранние коллекции буквально повторяли шрифты советских плакатов (не говоря уже о сочетаниях цветов).
Ксения Собчак
5 Арте повера
Говоря о маргинальном шике, мы развиваем тему уже совсем другого направления в искусстве — арте повера. В буквальном перевод с итальянского арте повера — искусство бедных, а самая знаменитая скульптура этого направления — «Венера тряпичная», знаменитая древнеримская богиня рядом с обычной горой тряпья.
Венера тряпичная, автор — Микеланджело Пистолетто, 1967 год
«Бедное» искусство в моде сейчас самый что ни на есть авангард.
Все тот же Гвасалия показывает это в собственном бренде Vetements, а Гальяно — в Maison Margiela, которым он руководит уже два года. Многослойность, эклектичность, деконструкция с эффектом «там зажевало, а там само оторвалось» — все это и есть воплощение арте повера в искусстве моды.
Maison Margiela Couture осень-зима 2017-18
Vetements, весна-лето 2017
Источники: Gettyimages.ru
мода, искусство, мода как искусство, высокая мода
Немецкий философ и социолог Теодор Адорно в одном из самых характерных эпохе философских исследований задал основополагающий вопрос: может ли существовать поэзия после Освенцима? А если и может, то в какой форме. А если не только поэзия, но и искусство в принципе. Как будто парируя исследователю общество, начавшее приходить в себя от ужасов Второй мировой, сражу же дало ответ: постмодернизм. Веха, до сих пор нами недопонятая, впрочем, как и многое в истории искусства.
Ибо искусство – это попытка воссоздания действительности. Уже из этимологии становится понятно, что это противовес природе, продукт культуры в целом и отдельной личности в частности. В искусстве всегда заложен смысл и код идентификации, произведение мастера – его персональный ID. Постмодернизм – направление, которое создали люди, осознавшие свою тотальную несвободу так остро, как никогда доселе. Наверное, именно поэтому постмодернизм со своими отсутствующими рамками, ограничениями и правилами стал в некотором роде воплощением свободы. Понять произведение почти всегда невозможно, ведь оно – результат глубокого самокопания, это качественная рефлексия и сублимация, когда по логичному завершению сеанса внутренней работы над собой появляется шедевр. История доказывает, что искусство – это не всегда прекрасное, но всегда творение. Занятие, сопровождавшее человечество на его тернистом пути, начиная от древних наскальных рисунков, заканчивая сегодняшними арт-объектами причудливых форм, и, да простят меня антропологи, именно этот труд сделал из обезьяны нас.
Искусство, как заметил Тарабукин, невозможно удержать в тех рамках, в которых оно находилось раньше, оно «рвет музейные оковы» и перевоплощается в новых направлениях. И мы, миллениалы, поколение У, являемся свидетелями того, как скульптуру замещает инсталляция, художники холсту предпочитают улицу, где пишутся муралы и бомбятся граффити, театр, возможно, и не уступил перформансу, но последний вытесняет его количественно.
Однако определили искусство постмодерна не перемены, а изобретения – фотография и мода – продукты исключительно той эпохи. И если фотография в пределах своей области практически не деформируется, а только совершенствуется благодаря техническому прогрессу, мода претерпевает кардинальные трансформации сезон за сезоном.
Конечно, до 60-х, как и каждый из видов искусства, мода прошла в своем развитии долгий путь трансформаций. Начало было положено индивидуальной эстетической автономией в выборе одежды в позднее Средневековье, когда начали появляться новые формы костюмов (такой себе прото-fashion, предтеча моды).
Свою лепту в развитие внесли немыслимые наряды французских придворных во времена Людовика XIV, Людовика XV и Людовика XVI. Было принято носить костюмы и парики таких огромных конструкций, что архитекторам приходилось перестраивать здания, чтобы почтенные дамы и господа могли проходить в двери. Нам известно о настоящем помешательстве на костюмах, возникшее благодаря Марии Антуанетте, менявшей наряды по несколько раз в день. Страсти заиграли с новой силой, когда в 70-х годах XVIII века начали появляться первые журналы мод. Разумеется, французская революция перекроила не только политику и общественный строй, но и сознание людей настолько, что на смену пышному убранству пришли скромные наряды лаконичного кроя, образ практически лишился украшений (хотя позднее маятник снова качнулся в противоположную сторону: вес туалета викторианской дамы превышал 17 кг). XIX век задал моду появлением денди, для которых та начала отождествляться с выражением личности (идеей демонстрации стиля они обязаны нуворишам, которые немногим ранее тоже дали моде хороший толчок).
Конец столетия и начало XX века, стык эпох, острое ощущения la fin de siècl, открытие Модных домов Ворта и Пуаре, упразднившего корсет – все это привело к парижской диктатуре haute couture, когда мода переросла из увлечения в профессиональную деятельность и институализировалась в рамках индустрии массового производства.
Однако, мода в современном и привычном нам понимании появилась не в нулевых, а в 60-70-х, чему способствовал масштабный культурный слом и субкультурные движения, которые по-новому отнеслись к одежде. Для них, как для нуворишей и денди, одежда стала выражением индивидуальности, транслятором их мировоззрений. За одно десятилетие мода сделала такой глубокий реверанс, в каком не склонялась за все столетия раньше. Мода начала приходить с улицы, и именно в это время одежда как нельзя лучше начинает выполнять свою забытую веками коммуникативную функцию. Как правильно заметила Э. Уилсон, одежда – это всегда барьер между «я» и «не я». Истина понятна для нас сейчас, а для постмодерниста стала открытием.
Для постмодернистского искусства характерна эклектичность, сочетание стилей, эпох и культур. В форме шутки и гротеска произведения творцов эпохи постмодерн представляют зрителю ранее существовавшие каноничные экземпляры. Постмодернисты не сковывают себя в фантазии, не боятся экспериментов и эпатажа, сочетают несочетаемое и разрушают все существовавшие ранее правила. Современная мода соответствует описанным параметрам на все 100%. Для модельера изделие – чистый холст, на котором он запечатлеет буйство своего воображения. Для модного франта одежда – демонстрация полета его фантазии и стиля, ведь наряд, как и картина – продукт саморефлексии.
Мода, как и любое искусство, объясняется потребностью в идентификации. Она ярко проявляется в отмеченном Зиммелем парадоксе: мода – это стремление выделиться, но не выделяться, быть как все, но не как каждый. Если до 60-х люди носили одежду, чтобы соответствовать (социальному слою, профессии, требованиям религиозной общины и очень много т.
д.), то с тех пор группы начали формироваться вокруг наряда. Произошла, если хотите, модная реверсия, нарушилась причинно-следственная связь.
К моде начали обращаться за помощью в адаптации, за защитой, в поисках душевного комфорта. Когда другие виды искусства показали все, на что они способны, и этого всего оказалось слишком мало, чтобы сесть, помедитировать, глядя на творение, перевести дух и блаженно последовало дальше своей дорогой. Традиционные направления перестали выполнять свои функции: литература перестала обучать, живопись больше не вызывала экстаза, театральная постановка катарсисом не завершалась. Обществу требовалось что-то совершенно новое. Поэтому пришла мода – всегда новая, свободная от предрассудков и норм, благодаря ей стало возможным заявить обо всем невысказанном и гордо уйти, если тебя неверно истолковали.
Мода в некотором отношении – самое настоящее из всех искусств, в ней, как ни в одном другом виде, ярче всего отражается смена времени и принцип «что было, то прошло».
Она как чай в Алисе в Зазеркалье: ее всегда сейчас уже нет.
У одних она вызывает приятный трепет, у других – конкретное непонимание. Пока часть человечества в попытках выглядеть по последней моде бежит в нескончаемом fashion-марафоне за трендами, большинство ищут грань между дешево и сердито.
Мода способна восторгать, ужасать, оставлять равнодушным, хотя на самом деле она всегда выше личностных оценок, ибо мода – это искусство, а искусство не судят.
Автор статьи: Ксения Катан
Комментарии
Постмодернистская мода — все, что вам нужно знать — 440 Industries
Постмодернистская мода развивалась годами, и невероятные дизайнеры демонстрировали ее основные элементы. Однако с начала нового тысячелетия культурные и социальные сдвиги молодых поколений привели к появлению новых модных идей. Эпоха облегающих костюмов, идеально сшитых костюмов и платьев давно прошла; следовательно, появляются новые дизайнеры высокой моды.
Постмодернизм оказывает значительное влияние на модный дизайн и дизайн традиционной одежды. Постмодернистская мода пробудила у модельеров новые концепции дизайна, в том числе заметные изменения в модных материалах, узорах и цветах. В данной статье рассказывается о концепции и развитии моды постмодернизма. Продолжайте читать, чтобы понять все, что вам нужно знать о постмодернистской моде.
Что такое постмодернистская мода?
Постмодернистская мода — одно из самых противоречивых направлений в истории дизайна одежды. Он разрушает устоявшиеся представления о модном дизайне и приносит новое понимание самой моды. Тем не менее, постмодернистскую моду трудно определить, поскольку она возникает в последние годы модернизма. Это основано на различии между старой и новой модой и направлено на то, чтобы поставить под вопрос идею объективной реальности.
Итак, почему постмодернистская мода все еще актуальна сегодня? Во-первых, постмодернизм означает после модернистского движения.
Однако в моде постмодернизма есть нечто большее. Это гибкий термин, который охватывает широкий спектр дизайнов, и вы можете использовать его для описания общества, в котором мы живем сегодня. Постмодернистская мода включает в себя экспериментирование и индивидуализм, которые проявляются в различных комбинациях различных модных дизайнов.
Постмодернизм Мода – История
Концепция постмодернизма зародилась в конце 1980-х годов с Мартином Маржелой. Этот выдающийся бельгийский дизайнер считал, что все может быть модным, если направить его в правильное русло. Тем не менее, Мартин Маржела был очень успешен в своих модных начинаниях. Имя Margiela является синонимом постмодернистской моды и высококачественных деконструированных тканей. Margiela представила рваные джинсы, вывернутые швы, негабаритные силуэты и отсутствие брендинга. Сама идея сделать куртку из покрывала или даже из лыжных перчаток — все это модные идеи Маржелы.
Затем, в середине 2010-х, Демна снова возродил идею постмодернистской моды огнем миллиона солнц.
Демна Гвасалия, грузинский дизайнер, придерживался немного иного стиля в моде, чем Маржела. Его особый подход к моде распространился на его торговую марку «VETEMENTS», что переводится как «одежда». Название его бренда было модной идеей; независимо от того, какой бренд вы носите, в конце концов, это просто одежда.
Эти дизайнеры что-то сделали в моде; Демна сделал немодные идеи модными. Он изменил представление о высокой моде и обо всем, что она может означать. Одежда показывает вашу социальную принадлежность и то, как население распределяет всех по категориям. Эта модная категория развивалась вместе с ведущими дизайнерами, такими как Comme des Garcons, Alexander McQueen, Yohji Yamamoto, YSL и Vivienne Westwood.
Постмодернизм Мода – Концепция
Постмодернизм становится описанием изменений в современной культуре и обществе. Жизнь совсем не такая, как сто или пятьдесят лет назад, когда традиционные роли, такие как место женщины, больше не в контексте.
Постмодернизм в целом бросает вызов этим общепринятым ценностям сегодняшнего общества, особенно в западном обществе.
Концепция постмодернизма состоит в том, что вокруг моды нет сверхидентичности; мы делаем одежду, чтобы носить их. Вот почему VETEMENTS производит кожаные куртки для уличной одежды, а также костюмы для деловых мероприятий. Все они искривлены и изменят пропорции любого, кто носит одежду. Он также разработал большие толстовки и бомберы, чтобы создать ощущение андрогинного стиля моды, чтобы показать, что речь идет не о внешности.
Кроме того, постмодернистская мода обычно применима к историческим образам и использованию материалов из других рамок. Сегодня многие люди считают моду постмодернизма ретро, потому что она пересматривает стиль прошлых лет. Кроме того, стили этих ранних лет могут раскрывать мультикультурные идеи. Наконец, для многих людей существует постоянная тенденция выражать себя через моду, особенно в последнее десятилетие. В сочетании вы можете использовать моду и искусство как социальные и политические символы.
Мы также можем описать постмодерн как эпоху модернизма, когда началась индивидуализация. Однако модерн — это все о производстве, а постмодерн — о потреблении. Постмодернистская мода основана на новых и разных идеях, что порождает стремление к новым вещам и последней модели. Эпоха постмодернистской моды подчеркивает различие до такой степени, что в моде появляется метанарративное значение. Современное массовое производство одежды создало избыток, что привело к нынешней постмодернистской моде. Теперь, с этим избыточным производством одежды, люди могут комбинировать разные виды одежды и собирать их, чтобы создать что-то новое.
Примеры постмодернистских модельеров
Есть несколько примеров постмодернистских модельеров, изменивших моду, которую мы знаем сегодня. Давайте быстро посмотрим, как эти дизайнеры демонстрируют ключевые элементы моды постмодернизма.
Джон Гальяно
Джон Гальяно был студентом Центрального колледжа искусств и дизайна имени Святого Мартина в 1981 году.
Во время учебы Джон работал костюмером в Британском национальном театре в Лондоне. Его работа заключалась в том, чтобы актеры труппы выглядели безупречно во время выступления. После его окончания в 1984, он вдохновил Французскую революцию и назвал «Les Incroyables». Независимый лондонский модный бутик купил это. В конце концов, Джон Гальяно быстро создал свой бренд и получил поддержку различных финансовых покровителей. Люди описывали коллекции Гальяно как довольно замысловатые и драматичные.
Александр МакКуин
Александр МакКуин был еще одним постмодернистским модельером, чья впечатляющая мода выражала творчество и оригинальность. Его представление о моде настойчиво ставило под сомнение и бросало вызов реквизитам одежды. Александр видел не только физические ограничения одежды, но и ее идеологические возможности. Для него мода и эмоции неразрывно связаны, как мода и политика. Презентации Александра на подиуме подтвердили, что сильные чувства являются убедительными и неоспоримыми источниками эстетического опыта.
Подобно художнику или писателю, МакКуин связывает безудержную эмоциональность с пониманием красоты. Что нас очаровывает, так это видение моды, которое стремится воссоздать романтическое прошлое в постмодернистское время. Стиль Александра МакКуина также отсылает к преувеличенным силуэтам с 1860-х по 1950-е годы. Однако его техническая оригинальность всегда наполняла его проекты новаторской чувственностью.
Ив Сен-Лоран
Культовая одежда Ива Сен-Лорана навсегда останется в величественном музее Боуз в графстве Дарем. В 19В 66 году этот постмодернистский модельер дебютировал со смокингом, вдохновленным мужской одеждой, созданным для женщин, и он мгновенно стал классикой для женщин. Женщины, которые хотели выглядеть сильными, но гламурными, также нашли эту коллекцию весьма впечатляющей.
Вдохновение друг друга — теперь новый черный цвет в 21 веке, но Сэйнт был первым, кто подключился к галерее для показа на подиуме. Он также выступал за разнообразие в моде, которое стало нормой в современной моде.
Однако в то время побелка все еще была проблемой, и Сэйнт был дизайнером, который пошел против течения, сосредоточившись на разнообразных отливках. Он сделал это, подключив чернокожих моделей, таких как Ребекка Айоко, Иман и Катуча Ниан.
Коллекция Коко Шанель в 1937 году полностью изменила отношение Сен к моде. Он чувствовал, что традиция Dior повторно представлять новые силуэты с каждой коллекцией устаревает. Это контрастировало с интересом Диора к созданию модных стилей. Это вдохновило Сента на поиск собственной униформы или стиля, и эта униформа превратилась в тренд основных предметов одежды. Стремление Шанель создавать обтекаемую и современную одежду для женщин только вдохновило Сэйнта на изменение модного гардероба. Последствия развития моды Saint все еще сильно ощущаются и видны в современном мире моды.
Вивьен Вествуд
Вивьен Вествуд была известна как один из самых влиятельных британских модельеров постмодернизма 20-го века. Она представила нижнее белье как верхнюю одежду, возродила корсет и изобрела молодежную моду, известную как панк.
Панк был молодежной реакцией 20-го века против старшего поколения, которое считалось устаревшим и угнетающим. Панк был быстро переваренной модой всей предыдущей молодежной моды. С 20 века панк никогда полностью не выходил из моды. На улицах до сих пор можно увидеть ярких подростков в бандажных брюках и кожаных мотоциклетных куртках с заклепками. Однако панк стал больше, чем просто реакцией, и стал источником вдохновения для высокой моды. В 21 веке панк и хип-хоп сливаются в то, что стало модным стилем для современной молодежи.
Объяснение индустрии моды: Onl…
Пожалуйста, включите JavaScript
Объяснение индустрии моды: онлайн-курс
Постмодернизм, мода – цифровая революционная реальность
Молодые дизайнеры постоянно работают с этими академическими терминами и понимают их визуальную составляющую. коллеги своей работой. Однако некоторые дизайнеры могут отмахнуться от этих литературных терминов как от непоследовательных, но именно эти идеи лежат в основе самых прогрессивных работ в индустрии моды.
Однако разница между сегодняшними умными дизайнерами и дизайнерами прошлых лет заключается в том, что они растут в цифровом мире. Конечно, это дает дизайнерам беспрецедентный доступ к, казалось бы, бесконечным ресурсам.
К таким ресурсам относятся Pinterest, Tumblr и другие сайты, на которых изображения прошлого преобразуются в пригодные для использования формы, такие как .jpeg. Затем эти сайты представляют эти изображения в качестве податливых ориентиров, которые можно реконфигурировать и изменять по своему усмотрению. Нарушение объективной реальности — один из прогрессивных результатов постмодернистской моды. Кроме того, все больше дизайнеров моды создают невероятные модели, которые нарушают общепринятые правила моды. Поэтому можно с уверенностью сказать, что постмодернистская мода дает отличные и новаторские результаты.
Постмодернистская мода – последние мысли
Постмодернистская мода включает в себя все новые технологии и до сих пор представляет прошлое.
Мода в последнее время становится все более актуальной для этого постоянно растущего населения. Постмодернистская мода изменила наши взгляды на то, что считается модным надевать и что мы можем носить. Благодаря этому люди теперь одеваются свободнее и откровеннее. Мода, как и искусство, развивается и с течением времени продолжает приносить новые идеи. В 21 веке влияние постмодернистской моды все еще ощущается многими. Постмодернистская мода дала нам другой взгляд на сегодняшний мир моды.
Постмодернизм и мода | Daily Fashion & Trend
Постмодернизм в моде развивался последние несколько десятилетий, и такие дизайнеры, как Comme des Garçons, Alexander McQueen, Yohji Yamamoto, YSL и Vivienne Westwood, продемонстрировали его ключевые элементы.
Постмодернизм не делает различий между высокими и низкими формами искусства. Некоторые эстетические формы искусства считались «женскими», например, мода, а затем считались чуть ли не более низкими по классу, чем более «мужские» формы, например, архитектура.
В постмодернизме нет свода правил, который диктовал бы нам статус различных форм искусства.
Постмодернизм бросает вызов традиционным культурным ценностям современного общества, в частности, западного общества. Сегодняшняя жизнь радикально отличается от той, что была пятьдесят или даже тридцать лет назад. Традиционные ценности брака и семьи больше не существуют, поскольку женщины имеют такой же статус в трудовой деятельности, что и мужчины, и также не оседают до более позднего возраста. Многие пары предпочитают вообще не иметь детей. Религия также меньше влияет на общество, до такой степени, что для многих людей она почти не имеет значения. Постмодернизм стал описанием этих сдвигов в современном обществе и культуре. Элизабет Уилсон, приглашенный профессор культурологии Лондонского колледжа моды, утверждает:
«Постмодернизм намекает на все это одним словом. Термины «постмодернизм» и «постмодерн» просочились в полупопулярный язык как сокращение для расплывчатого, общего «дух времени» (дух времени)».
Постмодерн был эпохой модернизма, когда начались излишества и индивидуализация. Модерн понимает объект с точки зрения производства, постмодерн — с точки зрения потребления. Больше не было единого заданного значения предмета или одежды. И постмодерн, и его мода были основаны на новых и разных идеях. Это породило желание новых вещей и последней модели. Так возник цикл стремления к бесконечным различиям. Сейчас в большинстве случаев наши потребности удовлетворяются и мистическая ценность какой-то вещи важнее потребительной.
Эпоха постмодерна делает акцент на различиях, поэтому нет метанарратива, то есть нет реального правильного или неправильного. Это создает много субъективной путаницы и создает то, что известно как «постмодернистский кризис смысла », когда люди перегружены выбором и больше не знают, что делать со своей жизнью.
Современное массовое производство создало излишество, результатом которого стала нынешняя постмодерность стиля.
С избыточным производством одежды люди объединили многообразие форм. Комбинирование и сборка вещей для создания чего-то нового называется бриколаж . Идея адаптивности также является постмодернистской.
С избыточным производством одежды люди объединили многообразие форм. Комбинирование и сборка вещей для создания чего-то нового называется бриколаж . Идея адаптивности также является постмодернистской.
Pastiche — шутливая отсылка к шедевру. Пастиш происходит, когда дизайн напрямую ссылается на другой, как в ссылке YSL на работу художника Мондриана ниже. Bricolage , как описано выше и показано ниже справа, включает в себя расчесывание иногда анонимных вещей, которые уже использовались, а также придание им новых целей и значений. Бриколаж может создать новый смысл из старого, в то время как пастиш просто ссылается на старый смысл.
При избытке между знаками также присутствует культурная отсылка . Это похоже на стилизацию, но включает более одного средства массовой информации и называется интертекстуальностью. С избыточными знаками в медиа дизайнеры и художники могут играть со знаками, которые что-то значат только в медиа.
Это практика диджея, микширующего сэмплы, представляющие сами песни, без необходимости проигрывать весь трек.
Постмодерн также играет с устоявшимися структурами. Такие дизайнеры, как Джон Гальяно и Александр МакКуин, наиболее известны тем, что преобразили подиум.
Джон Гальяно
Гальяно поступил в Центральный колледж искусств и дизайна имени Святого Мартина в 1981 году. Во время учебы в школе он работал костюмером в Британском национальном театре, известной труппе в Лондоне, следя за тем, чтобы актеры труппы выглядели Отлично. Его выпускная коллекция 1984 года, вдохновленная Французской революцией и названная «Les Incroyables», была полностью куплена независимым лондонским модным бутиком Browns. Гальяно вскоре основал свой собственный лейбл и пользовался поддержкой различных финансовых покровителей. Его коллекции были одновременно драматичными и замысловатыми.
Dior Haute couture designed by John Galliano
Alexander McQueen
Alexander McQueen was a designer whose dazzling creativity and startling originality were expressed through the техническая виртуозность его моделей и концептуальная сложность его презентаций на подиуме, наводящая на размышления об авангардной инсталляции и исполнительском искусстве.
Его видение моды безжалостно подвергало сомнению и бросало вызов требованиям одежды. Редкий среди дизайнеров, он видел не только физические ограничения одежды, но и ее идейные и идеологические возможности. Для МакКуина мода и политика были неразрывно связаны, как мода и эмоции. В своих презентациях на подиумах МакКуин подтвердил, что сильные эмоции являются убедительным и неоспоримым источником эстетического опыта. Подобно художнику или писателю романтического движения, МакКуин ассоциировал безудержную эмоциональность с оценкой красоты. Снова и снова его спектакли вызывали тревожное удовольствие, в котором смешивались удивление и ужас, недоверие и отвращение, чувства, связанные с романтической концепцией Возвышенного. Однако помимо возвышенного МакКуин глубоко увлекся другими философскими абстракциями романтического движения — индивидуализмом, историзмом, национализмом, экзотикой, примитивизмом и натурализмом — которые представлены в качестве доминирующей тематики этой выставки. То, что выходит на свет, — это видение моды, направленное на воссоздание романтического прошлого в постмодернистское настоящее.
МакКуин однажды заметил, что он «чрезмерно романтичен». Но именно его романтические устремления двигали его творчество и развитие моды в направлениях, невообразимых и беспрецедентных.
. Плодовитая 19-летняя карьера МакКуина. Нарисовано в основном из архива Александра МакКуина в Лондоне, с некоторыми предметами из архива Живанши в Париже, а также из частных коллекций.0107 оригами ‘Сюртук выставлены на обозрение. Мода Маккуина часто отсылала к преувеличенным силуэтам 1860-х, 1880-х, 1890-х и 1950-х годов, но его техническая изобретательность всегда наполняла его проекты новаторской чувственностью, которая удерживала его в авангарде.
Галереи демонстрируют повторяющиеся темы и концепции в работах МакКуина. « Романтическое мышление » исследует его техническую изобретательность, которая сочетала в себе точность пошива и выкройки со спонтанностью драпировки и шитья.
Романтическая готика » подчеркивает историзм Маккуина, особенно его связь с викторианской готикой, а также такие дихотомии, как жизнь и смерть. « Романтический национализм » рассматривает патриотические порывы Маккуина, в том числе его размышления о своем шотландском происхождении и его увлечение британской историей. « Романтическая экзотика » исследует влияние других культур на воображение дизайнера, особенно Китая и Японии. « Романтический примитивизм » передает приверженность Маккуина идеалу «благородного дикаря», а « Романтический натурализм ‘считает свой непреходящий интерес к сырью и формам природы.
Александр МакКуин упорно продвигал свободу мысли и выражения и отстаивал авторитет воображения. В этом он был образцом романтической личности, героем-художником, который стойко следовал велениям своего вдохновения. « То, что я пытаюсь привнести в [моду] , — это своего рода оригинальность », — заметил он однажды.
МакКуин наиболее ярко выразил эту оригинальность в своих методах огранки и конструирования, которые были одновременно новаторскими и революционными. Эта техническая изобретательность была очевидна уже в его выпускной коллекции на магистерском курсе Fashion Design в Центральном колледже искусств и дизайна имени Святого Мартина в Лондоне. Jack the Ripper Stalks His Victims (1992), он представил такие культовые модели, как трехточечный сюртук «оригами». В своей первой после выпуска коллекции под названием Taxi Driver (A/W 1993–94) МакКуин представил свои «бамстеры» — штаны, которые сидели так низко на бедрах, что обнажали ягодицы. Действительно, МакКуин был настолько уверенным дизайнером, что его формы и силуэты были созданы из его самых ранних коллекций и оставались относительно постоянными на протяжении всей его карьеры. Ссылаясь на свое раннее обучение на Сэвил-Роу в Лондоне, МакКуин сказал: « Все, что я делаю, основано на пошиве . Подход Маккуина к моде, однако, сочетал в себе точность и традиции пошива и выкройки со спонтанностью и импровизацией драпировки и пошива одежды, подход, который стал более утонченным после его пребывания на посту креативного директора.