Картины женщин 19 века: Самые известные женские портреты в живописи русских художников — «Лермонтов»

Самые известные женские портреты в живописи русских художников — «Лермонтов»

Портреты женщин известных русских художников

• «Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова
• «Неизвестная» Крамского
• Портрет Лопухиной художника Боровиковского
• «Бедная Лиза» Кипренского
• Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова
• «Аленушка» Васнецова
• Портрет хористки художника Коровина
• Автопортрет Серебряковой

Самые дорогие картины женщин известных русских художников

• Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки
• Картина «Шокко» Явленского
• Портрет Марии Цетлиной художника Серова
• Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского
• Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани

Русские живописцы нередко обращались в своих работах к образу женщины. Одни через него выражали самые сокровенные чувства от любви до глубокой печали, другие создавали свой образ русской женщины — хранительницы очага, третьи просто любовались ими. Далее мы рассмотрим наиболее известные женские портреты русских художников и самые дорогие картины с изображением женщин, которые уходили с крупных аукционов.

Портреты женщин известных русских художников

«Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова

Начнем мы наш список с известных портретов Валентина Серова «Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками». Многих до сих пор интересует, в чем же секрет этих двух картин, которые практически каждый знает и сегодня. Особенно это становится любопытным в свете того, что молодому художнику на момент их создания было немногим больше двадцати лет.

В. Серов. «Девушка, освещенная солнцем». 1888 г.

Один из секретов успеха этих картин кроется в том, что Серов долгое время раздумывал над одной важной особенностью всякого полотна. Он заметил, что реальный момент всегда ярче и живее, чем то, что удается запечатлеть даже самым именитым художникам. И это привело его к поиску такого решения, которое позволило бы запечатлеть именно сам момент во всей его живости и красоте.

Когда однажды в усадьбе Мамонтовых, где он гостил, в столовую вбежала раскрасневшаяся дочка хозяина Вера, взяла персик и стала его есть, художника поразило очарование этого момента. Он немедленно усадил девочку и уговорил ее позировать ему. Но одно дело было запечатлеть в памяти момент с растрепанной румяной девочкой в простом платье, которая только вбежала после уличной игры, а другое месяцами воссоздавать точно такой же эпизод. Работа была непростой, особенно для юной Веры, но Серову все же удалось осуществить задуманное и запечатлеть этот прекрасный момент.

В. Серов «Девочка с персиками». 1887 г.

То же происходило и при работе с картиной «Девушка, освещенная солнцем», для которой модели приходилось долгие часы удерживать на лице одно и то же выражение. В итоге обе работы не только произвели огромное впечатление на зрителей и коллег по цеху, но и ознаменовали приход в Россию импрессионизма.

«Неизвестная» Крамского

Одним из самых загадочных портретов XIX века стала работа Ивана Крамского «Неизвестная». Этой картине суждено было стать популярной не только в 1880-х годах, она волновала публику в XX веке, часто висела на стенах, неоднократно печаталась в различных журналах и учебниках, и узнаваема многими сегодня.

И. Крамской. «Неизвестная». 1883 г.

Крамской представил портрет в 1883 году на выставке передвижников. Мнение публики оказалось для него столь важным, что в какой-то момент он не выдержал и ушел с выставки, не дождавшись реакции на свою картину. Когда же он вернулся, публика не просто с восторгом встретила его, но даже понесла на руках. Картина в один миг сделала художника знаменитым и стала предметом всеобщего обсуждения на долгие годы. В первую очередь зрителей поразили эмоции и сам образ изображенной девушки. В ее лице читался целый букет противоречивых чувств: это была и гордость, и некоторое презрение, и в то же время сострадание и понимание. Люди останавливались перед этим взглядом и долго всматривались в глаза девушки. В то же время вызывал недоумение и образ: с одной стороны, элегантный, с другой, дамы высшего света в те годы таких нарядов избегали. Поэтому вопрос о происхождении героини становился еще острее.

Зрители и коллеги по цеху буквально засыпали Крамского вопросами о том, кто изображен на портрете. Однако художник не изменил своей задумке (все же картина называлась «Неизвестная») и оставил все в тайне. По слухам, на картине могла быть изображена его дочь Софья, по другой версии художник нарисовал любовницу Александра II Е. Долгорукову, по третьей — крестьянку Матрену Саввишну. Ряд экспертов также склоняется к тому, что это был собирательный образ. Загадочности картине добавили и литературные произведения. Одни видели в «Неизвестной» Анну Каренину из романа Толстого, другие героиню романа «Идиот» Достоевского, а позже «Неизвестную» связывали с «Незнакомкой» из стихотворения Блока.

Портрет Лопухиной художника Боровиковского

Еще один портрет, которым восхищались не только современники Владимира Боровиковского, но и следующие поколения, посвящен Марии Лопухиной из рода Толстых. В то время, как другие живописцы старались в портрете подчеркнуть статус изображаемой героини, Боровиковский сосредоточился на женственности и мягкости. Так появился нежный образ девушки, плавные черты, а фоном выступил неброский пейзаж, подчеркивающий тонкую натуру героини. После множества вычурных портретов известных особ со множеством регалий и в парадной обстановке такой подход произвел глубокое впечатление на зрителей. Портрет долгое время хранился в семье Толстых как ценная семейная реликвия, однако в 1880-х годах Павел Третьяков увидел эту жемчужину и уговорил владельцев продать ее. Так картина попала в знаменитую Третьяковскую галерею.

В. Боровиковский. Портрет М. Лопухиной. 1797 г.

Заметим, что Боровиковский считался мастером женского портрета и создал множество прекрасных и узнаваемых работ. Некоторые из них за последние годы уходили с аукционов за внушительные суммы (об этом мы расскажем в следующем разделе).

«Бедная Лиза» Кипренского

Смещение акцента с социального статуса на эмоциональную составляющую выбрал и Орест Кипренский, когда работал над картиной «Бедная Лиза». Художник не просто так обратился к одноименному художественному произведению о девушке с трудной судьбой. Предположительно, сам он родился от внебрачной связи помещика Дьяконова и его крепостной. Так как помещик не мог признать незаконнорождённого ребенка крепостной девушки, он выдал ее замуж за другого крепостного и дал ему вольную. Художника глубоко тронула тема бесправных женщин, не имеющих возможности выражать в обществе свои чувства к возлюбленному. И это отразилось в портрете «Бедная Лиза», которую мы видим одновременно полной невыраженных чувств, желаний и глубоко печальной. Картина также попала в Третьяковскую галерею, где находится и поныне.

О. Кипренский. «Бедная Лиза». 1927 г.

Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова

Некоторые русские художники не просто писали женские портреты, но и создавали целые образы отдельных слоев населения. Так, у Михаила Нестерова был свой образ женщины, который даже называли «нестеровским» типом. Пережив в молодом возрасте утрату любимой жены, художник долгие годы размышлял над образом женщины с ее бесконечной скорбью, очарованием и какой-то нескончаемой глубиной души.

М. Нестеров. «Христова невеста». 1887 г.

У Бориса Кустодиева это был образ купчихи, которую называли «кустодиевской красавицей». Это были не то что женщины, а богини, красивые, энергичные и счастливые, раскрашивающие быт купечества чаепитием, гуляниями, музыкой. Образ такой женщины помогал художнику бежать от реальности в полуразрушенной революциями России и в инвалидном кресле, с которого он не мог подняться.

Б. Кустодиев. «Купчиха за чаем». 1918 г.

У Абрама Архипова это был образ крестьянки — румяной, крепкой, в ярком платье, подчеркивающем ее жизнелюбие и энергичность в работе по хозяйству. Многим пришелся по душе такой образ женщины, которая может и революцию пережить, и создать новое общество.

А. Архипов. «Девушка с кувшином». 1927 г.

«Аленушка» Васнецова

Образ Аленушки Виктора Васнецова сегодня узнает каждый, хотя в год выхода картины коллеги по цеху встретили ее прохладно. Но художнику было не привыкать к тому, что к его холстам со сказочными персонажами в те времена относились с непониманием. По-настоящему его образы русских героев и в том числе русской девушки оценили лишь спустя время. Бесконечная печаль, чувство безнадежности в глазах Аленушки с тяжелой судьбой и сегодня глубоко трогает зрителей.

В. Васнецов. «Аленушка». 1881 г.

Портрет хористки художника Коровина

Не сразу была понята и картина «Портрет хористки» Константина Коровина. На выставке коллеги по цеху начали возмущаться, так как художник осмелился изображать девушку какими-то непонятными размашистыми мазками, да еще выбрал некрасивую модель и запечатлел ее в странной позе. В те времена приветствовались портреты в стиле реализма, поэтому картину сняли с выставки. Однако она не только стала толчком для дальнейшего интенсивного расцвета в России импрессионизма, но и была по достоинству оценена потомками.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Автопортрет Серебряковой

Еще один известный женский портрет создан самим автором. Это автопортрет, который художница Зинаида Серебрякова рисовала с себя одним из зимних деньков, когда невозможно было выйти на улицу. В уютной теплой комнате художница взялась за кисть и получала удовольствие от того, что тонко прорисовывала каждую деталь на туалетном столике. Работу она писала быстро по меркам художников, возможно, именно поэтому автопортрет был так радостно встречен публикой на первой же выставке в Петербурге. Зрителей поразила свежесть портрета, очаровательная улыбка «во весь рот», светлые мягкие тона. По словам А. Бенуа, эта картина стала настоящим украшением Третьяковской галереи, куда она попала сразу с выставки.

З. Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет». 1909 г.

Самые дорогие картины женщин известных русских художников

Теперь рассмотрим несколько женских портретов, которые уходили с крупных аукционов по самым высоким ценам в период с 2000 по 2020 годы.

Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки

Интересно, что самый дорогой женский портрет тоже сделан женщиной. История его появления такова. В 1932 году в Париже выступала известная в те времена артистка кабаре. Обаятельной девушкой заинтересовался богатый предприимчивый человек, который взял ее в жены, подарил дорогое кольцо и заказал портрет у самой модной в те времена эпатажной художницы Тамары де Лемпицки. Тамара в тот период уже была хорошо известна своими чувственными портретами в жанре ню, поэтому выбор пал именно на нее. И оно того стоило, так как художница сумела представить артистку Марджори Ферри одновременно невинной и соблазнительной, не изменив при этом своему излюбленному стилю ар-деко. После продажи картина надолго осталась в семье Ферри.

На аукционах эта работа стала появляться с 1995 года, а последняя ее продажа датируется 2020 годом. Картину продали на торгах Christies за 16,3 млн фунтов или 21 млн долларов. И на сегодня это самый дорогой женский портрет русских художников.

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

Картина «Шокко» Явленского

На втором месте по ценовым рекордам находится портрет Шокко (Шокко в широкополой шляпе) Алексея Явленского. Здесь мы уже видим яркую работу в стиле экспрессионизма с характерными контрастными цветами, темными жирными контурами и широкими мазками, скрывающими от нас многие детали. Художник состоял в обществе «Синий всадник», члены которого утверждали, что форма и цвет являются самодостаточными в живописи.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.

У Явленского было несколько картин, героиней которых выступала Шокко. Возможно, модель навсегда осталась бы безымянной, как и сотни других моделей известных художников, если бы не одно обстоятельство. Когда она позировала Алексею в его холодной студии, всякий раз просила для согревания дать ей чашечку горячего шоколада. Так художник прозвал ее Шокко и вписал это имя в ряд своих работ с ее участием. Как и другие живописцы, Явленский мог писать картины с обеих сторон доски. Та же участь постигла и «Шокко», с обратной стороны которой была создана картина «Шокко в красной шляпе». Однако художнику удалось разъединить обе работы и продать их разным владельцам. В 2008 году картина «Шокко» была продана на аукционе Sotheby`s за 18,6 млн долларов.

Портрет Марии Цетлиной художника Серова

Появление портрета Марии Цетлиной на аукционе Christie`s в 2014 году стало настоящей сенсацией. Как заявил руководитель русского отдела искусства Christie`s А. Тизенгаузен, это наиболее уникальная работа Валентина Серова, которую ему выпадала честь держать в своих руках за все время работы в аукционном доме. После смерти семьи Цетлинов их коллекция вместе с этим портретом перешла в музеи израильского города Рамат-Ган. Однако в связи с кризисом муниципальные власти приняли решение распродать некоторые работы, чтобы восстановить на них все музеи города. В связи с этим горожане даже устроили бунт, но это не помешало шедевру попасть на аукцион.

Мария Цетлина была женой мецената, во всем поддерживала супруга и помогала ему заниматься известным в Париже литературным салоном для русских эмигрантов. Она часто позировала художникам, и талантливый портретист Серов не упустил случая изобразить благородную женщину. Портрет выполнен в стиле модерна и характерной для него цветовой гамме одного тона. При такой концентрации на одном тоне художник максимально глубоко работал с каждым полутоном, добиваясь особой выразительности картины. С аукциона работа ушла за 9,3 млн фунтов (14,5 млн долларов).

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского

Владимир Боровиковский прославился своими сентиментальными портретами в классическом стиле. На первое место он выдвигал не сходство, а духовную составляющую человека, поэтому герои его картин выходили чувственными, красивыми и добродетельными. На одной из них художник запечатлел богатую графиню Любовь Ильиничну Кушелеву и ее сыновей.

Портрет был представлен на торгах Christie`s в 2014 году среди других пяти картин художника из коллекции потомка князя Оболенского. Все картины выставлять по скромному эстимейту 40-70 тысяч фунтов. Каково же было удивление владельцев и экспертов аукциона, когда цена продажи взлетела в десятки раз! В частности, портрет Кушелевой был продан за 3 млн фунтов (5 млн долларов).

В. Боровиковский. Портрет графини Л. Кушелевой и ее сыновей. 1803 г.

Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани

Не меньший успех на торгах ожидал и картину художника-самоучки Нико Пиросмани. В 2018 году на аукционе Sotheby`s была представлена его работа «Грузинка в лечаки» из серии картин о грузинских женщинах. В советское время эту работу приобрел известный писатель Стефан Цвейг, увидевший в Третьяковской галерее картины художника-примитивиста и сразу полюбивший его искусство. Позже работа из коллекции семьи Цвейга была передана в дар университету Колумбии, откуда и попала на торги. На аукционе ее продали за 2,2 млн фунтов стерлингов (2,8 млн долларов), а начальная цена была заявлена в диапазоне 500-700 тысяч фунтов.

Н. Пиросмани. «Грузинка в лечаки».

Хотя мы рассмотрели немало женских портретов в исполнении известных русских художников, это лишь малая часть всего того огромного наследия, которое нам подарили русские мастера. Множество прекрасных портретов женщин есть в работах А. Харламова, Н. Фешина, В. Шухаева, К. Маковского и многих других талантливых авторов.

кто проложил дорогу расцвету женского творчества ХХ века.

Публикации раздела Музеи

Россия по праву гордится своими художницами — «амазонками авангарда» Гончаровой или Розановой, а до них — Серебряковой или Остроумовой-Лебедевой, а до них… А кто же был до них? Рассказываем, кто проложил дорогу расцвету женского творчества ХХ века. Вопрос изучала Софья Багдасарова.

Количество женщин, занимающихся живописью, стало расти как лавина начиная с 1900-х. А вот в предшествующее столетие их по пальцам пересчитать. Связано это было как с малой доступностью женского образования, так и с патриархальным представлением о том, какие профессии приличны дамам. Ситуация менялась постепенно.

Романовы

Работа Марии Федоровны, жены Павла I. Портрет Павла I. 1790

Первыми профессиональными художницами на территории России, конечно, были иностранки — Доротея Гзель (жена приглашенного Петром I живописца), Мари-Анна Колло (невестка скульптора Фальконе), Элизабет Виже-Лебрён (супруга художника Жан-Батиста Лебрена) и другие.

Пожалуй, первая художница-россиянка тоже иностранка — это императрица Мария Федоровна, жена Павла I. Русская великая княгиня с 1776 года, она пользовалась плодами своего отличного немецкого образования: писала пастелью, рисовала по стеклу свинцовыми карандашами, а также одной из первых в мире овладела токарным мастерством. Ее лучшие камеи на яшме или агате — портреты родных. Дочери императрицы также занимались рисованием и лепили барельефы. А главное, что Мария Федоровна учила не только своих детей, но и занималась образованием вообще всех своих подданных женского пола. Она основывала институты и школы, придумывала учебные программы, то есть наметила четкий план развития женского образования в России, которого страна придерживалась целый век.

Живописью занималась и ее тезка, другая императрица Мария Федоровна (жена ее правнука Александра III). От нее способности к рисованию унаследовала дочь, великая княжна Ольга Александровна. Это помогло ей кормить детей в эмиграции: пусть ее акварели и не так уж талантливы, но покупателям было приятно иметь что-то «от Романовых».

Дворянки-дилетантки

Постепенно у нас стало как в Европе: каждая образованная барышня должна была уметь танцевать, вышивать и рисовать. Среди дворянок Александровской и Николаевской эпохи появились художницы-любительницы, которые украшали свои альбомы и памятные книжки различными зарисовками. Дамы работали по образцу произведений других художников: например, так фрейлина Екатерина Бакунина (в браке Полторацкая), предмет страсти Пушкина, создала свой «автопортрет», сняв копию с рисунка Ореста Кипренского; ее портреты матери и мужа также копийны.

Некоторые дамы овладели техникой пастели (дочь генерала Каменского Александра Ржевская, племянница графов Паниных Александра Репнина). Рисованием занимались барышни из семей Шереметевых, Долгоруких, Апраксиных. Пристойной считалась роспись миниатюр по слоновой кости — как делала Анна Бутурлина, внучатая племянница канцлера Воронцова. А наиболее талантливые дерзали писать маслом — трудоемкой «мужской» техникой. Среди них — дочь начальницы Смольного института Александра Бюлер и кузина Гоголя Глафира Псёл, воспитанница генерал-губернатора Малороссии.

Г. Псёл. Портрет сестры. 1839

А. Бутурлина. Автопортрет. 1817

Е. Бакунина (Полторацкая). Портрет матери. 1828

Дочери и сестры

Мария Дурнова. Портрет мальчика. 1820

Аристократок, конечно, учили приходящие учителя. По-другому овладевали искусствами девочки, родившиеся в художественных семьях. Самые ранние примеры, видимо, дочь исторического живописца Трофима Дурнова Мария и знаменитого жанриста Венецианова Александра. Произведения Венециановой уже отнюдь не дилетантские, и писать маслом она не боялась. Жаль лишь, что зависимость от родича-учителя налицо: разумеется, девушка создавала жанровые картины. Впрочем, этим грешили и художницы более поздних поколений: возьмем Ольгу Лагоду-Шишкину, которая в 1870-х училась в Императорской Академии художеств. Она стала сначала ученицей, а потом супругой прославленного Ивана Шишкина. Ольга Лагода-Шишкина, как и супруг, писала в жанре пейзажа. Творчеством Исаака Левитана вдохновлялась Софья Кувшинникова — его ученица и возлюбленная.

Ближе к концу века женщины из художественных семей обретают свой язык. Никто не упрекнет в подражательности талантливую сестру Поленова Елену с ее волшебными сказками. Своя манера была и у дочери Константина Маковского — Елены Лукш-Маковской.

Прилежные ученицы

Профессиональное обучение женщин началось в конце 1830-х годов, когда при Императорском обществе поощрения художеств открылись рисовальные классы для девочек. На них училась Евдокия Бакунина и Екатерина Хилкова. Сохранилась картина Хилковой с изображением этих занятий. Со временем женщин стали принимать в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Две вольнослушательницы училища, Антонина Ржевская и Эмилия Шанкс, — единственные женщины, принятые в Товарищество передвижников. В 1842 году в Петербурге открылись женские вечерние классы в Санкт-Петербургской рисовальной школе для вольноопределяющихся.

Допустили женщин и в Императорскую Академию художеств — в первый раз в качестве вольнослушательниц целых 30 человек, в том числе будущую жену Шишкина. Для женщин XIX века, которые начали задумываться об эмансипации, вехой стал 1854 год, когда медаль Академии впервые получила женщина — сестра Сухово-Кобылина Софья. (Кстати, двумя годами ранее женщина стала президентом Академии — сестра императора великая княгиня Мария Николаевна.) В 1873 году в Академии ученицам разрешили заниматься в одних классах с учениками, однако со временем число девушек так возросло, что из них решили сделать свое отделение. Смешанное обучение, да еще в государственном учреждении, было явлением передовым: так, Мария Башкирцева, которая уехала учиться живописи в Париж уже позднее, была удивлена, что во Франции женщинам были доступны лишь частные школы и только с отдельными классами. В 1893 году в Академию стали брать женщин не только как вольнослушательниц, но и как полноправных студентов. (А вот на более ответственное — архитектурное — отделение Академии их допустили лишь в 1903 году.)

А. Ржевская. Веселая минутка. 1897

С. Сухово-Кобылина. Итальянский пейзаж

Э. Шанкс. Наём гувернантки. Не позднее 1913

Веками для женщин пристойным было лишь заниматься рукоделием, а если рисовать — то цветочки да ягодки. А вот творить настоящую живопись, создавать целые вымышленные миры было привилегией мужчин. Быть «серьезным художником» считалось мужской прерогативой, поэтому серьезные женщины-художники появляются также поздно, как женщины-юристы и врачи, — в конце ХIX — начале XX века. И с тех пор их число все растет.

Теги:

РеализмПортретыХудожникиЖивописьПубликации раздела Музеи

9 новаторских женщин-художников XIX века, о которых вы действительно должны знать в музеях, галереях и международных выставках. Но сегодняшние современные женщины-художницы, вероятно, не были бы там, где они есть сегодня, если бы не их предшественницы 19-го века, которые стекались в Париж, чтобы получить художественное образование. Десятки из них теперь выходят из тени благодаря новым исследованиям для выставки, которая сейчас проходит в Институте Кларка в Уильямстауне, штат Массачусетс: «Женщины-художницы в Париже, 1850–1819 гг.00».

Столица Франции привлекала художников на протяжении 1800-х годов, маяк света и культуры, привлекавший художников и скульпторов со всего мира своими салонами и академиями. Среди них было много женщин — некоторые знакомые имена, такие как Мэри Кассат (1844–1926), Берта Моризо (1841–1895) и Роза Бонёр (1822–1899), но многие другие, которых вы могли не знать, их имена остались в тени. .

Эстер Белл, которая координировала презентацию выставки в Clark, рассказала Artnet News, что «Женщины-художницы в Париже» включали «картины, которых я раньше не видела и которые действительно удивили меня своим качеством и силой». Она подчеркнула, что: «Эта выставка во многом переписывает историю искусства, чтобы включить в нее те имена, которые со временем исчезли… важно, что наши посетители встречаются с художниками, которых они раньше не встречали».

Мэри Кассат, Осень, Портрет Лидии Кассат (1880). Предоставлено Малым дворцом, Музеем изящных искусств де ла Виль де Пари. Фото Буллоза, ©RMN-Grand Palais/Art Resource, Нью-Йорк.

Женщины, отважно проложившие путь современным коллегам, в значительной степени забыты, оставив лишь сноски в учебниках по истории искусства. «Женщины-художницы в Париже» стремятся изменить это, проливая свет на 37 женщин из 11 стран, которые изучали искусство в Париже во второй половине XIX века.век. Выставка, организованная Американской федерацией искусств и курируемая Лоуренсом Мадлен, ранее появлялась в Художественном музее Денвера (22 октября 2017 г. – 14 января 2018 г.) и в Художественном музее скорости в Луисвилле, штат Кентукки (17 февраля – 13, 2018).

«Женщина-художница — забытая, малопонятная сила, задержавшаяся в своем подъеме!» сказала Элен Берто, основатель парижского Союза женщин-художников и скульпторов в своей инаугурационной речи в 1881 году. «На нее давит своего рода социальный предрассудок; и тем не менее, с каждым годом число женщин, посвящающих себя искусству, увеличивается с устрашающей скоростью».

Профсоюз служит растущему сообществу женщин-художников, которых не останавливают трудности, с которыми они сталкиваются. «Всегда были женщины-художники, женщины-скульпторы, женщины-керамисты… но этот момент в конце 19-го века дал женщинам возможность посещать формальные классы и поступать в академии художеств, повышать свое мастерство и серьезно тренироваться, — сказал Белл.

Сесилия Бо, Эрнеста (ребенок с няней) , 1894. Предоставлено Метрополитен-музеем, Фонд Марии ДеВитт Джесуп, 1965.

Но даже при наличии новых возможностей, открывавшихся перед ними, призналась она, «женщин систематически исключали из структур, которые могли их обучать». Не имея возможности даже выйти на публику без сопровождения, женщины не допускались в государственную Школу изящных искусств, например, до 1897 года, что вынуждало женщин следовать менее официальным каналам и создавать собственные пространства.

«Достаточно заставить плакать от ярости», — написала Мари Башкирцева, украинская художница, представленная на выставке, в 1878 году в своем посмертно изданном журнале. «Почему я не могу пойти туда учиться?»

Берта Моризо, Вишневое дерево (1891). Предоставлено Брюсом и Робби Толл.

Было несколько причин исключения женщин из институциональных структур, обеспечивающих вход в мир искусства. Женщины одновременно рассматривались как угроза — художникам-мужчинам вряд ли нужна была конкуренция на и без того переполненном поле — и как естественно низшие и неспособные к творческому гению. Хотя женщинам было полезно рисовать для развлечения или даже зарабатывать на жизнь декоративной росписью по фарфору или другими стереотипно женскими работами, их не воспринимали всерьез как профессиональных художников.

Белл назвал мемуары Башкирцевой «прекрасным входом на эту выставку, потому что они помогают понять психологию и типы препятствий, с которыми сталкивались эти женщины».

Там, где государственная академия была бесплатной, женщинам приходилось платить за свое образование, брать частные уроки или занятия только для женщин в таких учреждениях, как Академия Жюлиана, основанная Родольфом Жюлианом (1839–1907). «Можно утверждать, что он сам по себе был феминисткой, но он также был предпринимателем», — сказал Белл. «Он понимал, что существует спрос на академию, специализирующуюся на обучении женщин, и что они будут приезжать в эту студию со всего мира».

Emma Löwstädt-Chadwick, Пляжный зонтик, Бретань (Портрет Аманды Сидуолл) , 1880. Предоставлено частной коллекцией, Стокгольм. Фото Ларса Энгельхардта.

Но даже когда они нашли школы, которые их приняли, женщинам было запрещено работать с обнаженными моделями, что ограничивало их возможности создавать более престижные исторические картины. А когда в 1881 году официальные парижские салоны стали управлять государством, число женщин, представленных на ежегодной выставке, сократилось вдвое. Но, несмотря на трудности, многие женщины отличились, завоевав заслуженные награды и похвалу за свою работу.

«Каждый объект на этой выставке был выбран из-за его качества и успеха в качестве объекта живописи и изобразительного искусства», — настаивал Белл. «Безусловно, эти женщины не уступают своим коллегам-мужчинам!»

«У каждого из этих художников могла бы быть мощная монографическая выставка», — добавила она, отметив, что надеется, что нынешняя выставка станет ступенькой для дальнейшего признания ее предметов. «Учреждения обязаны продолжать этот диалог на постоянной основе, не просто проводя выставку и снова забывая об этих художниках, но действительно продолжая искать возможности для освещения этой работы, поощрять исторические исследования искусства и вовлекать нашу общественность. работами этих женщин».

Ниже узнайте больше о девяти женщинах в сериале.

Мари Бракемон (1840–1916)

Мари Бракемон, На террасе в Севре (Sur la terrasse à Sèvres) , 1880. Любезно предоставлено Музеем Женевы.

Предыстория:  Полностью принадлежавшая к рабочему классу и в основном самоучка, Мари Бракемон не имела доступа к художественному образованию, обычно предлагаемому высшей буржуазии. Говорят, что она нарисовала свою первую картину, портрет своей матери, используя красители, которые она сделала сама из цветов. Друг семьи, признав ее таланты, купил ей набор акварелей.

Работа:  Дисциплинированный стиль рисования Бракемон сравнивают со стилем Жана-Огюста-Доминика Энгра (1780–1867), у которого она некоторое время училась. Она покинула его мастерскую, «потому что он сомневался в мужестве и настойчивости женщины в области живописи».

Вершина карьеры:  Бракмон была одной из пяти женщин, наряду с Кассат и Моризо, которые участвовали в выставках с импрессионистами (две другие участвовали только один раз под псевдонимами). Она часто рисовала свою сестру Луизу и сцены из парков и садов, общественных открытых пространств, которые давали женщинам большую свободу передвижения.

Вызовы: «Ее история — одна из трагических», — признал Белл. «Она была невероятно талантливой художницей, и у нее было так много надежд, но она была замужем за человеком, который активно ее отговаривал. «Карьера Бракемонда не процветала и не отличалась такой продолжительностью жизни, как у других артистов, которые пользовались большей поддержкой в ​​своих семейных кругах».

В 1866 году Бракемон вышла замуж за Феликса Бракемона, описанного в эссе Ричарда Кендалла в каталоге выставки как «эгоцентричный и властный». Ее последняя выставка была на последней выставке импрессионистов в 1886 году; после этого она фактически отказалась от своей работы художником.

Мария Башкирцева (1858–1884)

Мария Башкирцева, В мастерской (1881). Предоставлено Днепропетровским государственным художественным музеем, Украина.

Происхождение: Мария Башкирцева родилась на Украине в богатой дворянской семье и переехала с семьей в Париж, где училась в Академии Жюлиана с 1877 по 1884 год. Сначала Башкирцев хотел заниматься пением, но не смог этого сделать из-за туберкулеза. что в конечном итоге унесло ее жизнь.

Работа:  Башкирцев написал самое известное изображение Академии Жюлиана, полотно 1880 года «В мастерской «, на котором женщины-художницы работают с живой модели.

Вершина карьеры:  Она выставлялась в парижском Салоне в 1880-х годах, получив почетное упоминание в 1883 году. 13 лет, описывая свою жизнь в студии.

Проблемы:  В своем дневнике выразила свое разочарование ограниченностью парижского общества: «Чего я жажду, так это свободы ходить в одиночестве, приходить и уходить, сидеть на стульях Тюильри, и особенно в Люксембург, останавливаясь и рассматривая художественные лавки, входя в церкви и музеи, гуляя ночью по старым улицам; это то, чего я жажду; и это та свобода, без которой нельзя стать настоящим художником».

Амели Бори-Сорель  (1848–1924)

Амели Бори-Сорель, Into the Blue (Dans le bleu) , 1894. Предоставлено Американской федерацией искусств Тулузы.

Происхождение:  Родилась и частично выросла в Испании, Амели Бори-Сорель добавила к своей фамилии фамилию матери в честь своих предков по материнской линии.

Работа:  «У нее есть эта невероятная пастель на нашей выставке. Это работа на холсте, психологически заряженная и безупречная в исполнении», — сказал Белл. Into the Blue изображает нераскаявшуюся современную женщину, курящую и пьющую.

Вершина карьеры:  Ее работы получили награды на Всемирных выставках 1889 и 1900 годов, а также на Черно-белом салоне 1891 года в Париже.

Проблемы:  Бори-Сорель вышла замуж за Родольфа Джулиана, основателя Академии Жюлиана, где она стала учителем в 1895 году, совмещая учебную нагрузку с собственной карьерой художника. Она управляла школой с помощью своих племянников после того, как Джулиан умер в 1907.

Элизабет Норс (1859 –1938)

Элизабет Норс, Мать (1888). Предоставлено Художественным музеем Цинциннати.

История:  Элизабет Норс родилась в Цинциннати и была одной из немногих женщин, поступивших в тамошнюю школу дизайна Макмикена. Она отказалась от возможности преподавать там и переехала со своей сестрой Луизой в Нью-Йорк после того, как их родители умерли в 1882 году. Пять лет спустя пара переехала в Париж, где Нурс поступил в Академию Жюлиана.

Работа:  Белл назвал Нурса «одной из величайших звезд выставки». Ее автопортрет 1892 года, на котором она изображена за работой на невидимом холсте, является прекрасной иллюстрацией силы и решимости, необходимых для успеха женщины-художника. «Она смотрит на зрителя, но выглядит очень нагло и свирепо», — добавил Белл.

Вершина карьеры:  Ее знаменитая картина  «Мать » дебютировала в Салоне в 1888 году. «Она была выбрана для вывешивания «на кону», а это означает, что она была признана невероятно успешной», – добавил Белл. «За семь лет он был представлен еще на пяти выставках… К 19 годам14 она висела в кабинете Вудро Вильсона в Принстоне, штат Нью-Джерси, когда он был губернатором». Нурс была лишь второй женщиной, названной членом Société Nationale des Beaux-Arts.

Проблемы:  Нурс смогла зарабатывать на жизнь своим искусством, несмотря на то, что ей приходилось поддерживать свою сестру, и она не могла полагаться на семейное состояние, мужа или преподавательскую работу.

Мина Карлсон-Бредберг (1857–1943)

Мина Карлсон-Бредберг, Академия Жюлиана, Мадемуазель Безон Пьет из стакана (около 1884 г.). Предоставлено отелем Dorsia, Гётеборг, Швеция/Американской федерации искусств.

Предыстория:  Мина Карлсон-Бредберг начала свое художественное обучение у двух шведских художниц, Керстин Кардон и Аманды Сидвалл. Позже она переехала в Париж и посещала Академию Жюлиана с 1883 по 1887 год.

Работа: Карлсон-Бредберг преуспела во многих жанрах живописи, от пейзажей и интерьеров до цветочных натюрмортов и религиозных сцен.

Вершина карьеры:  Она выставляла ряд портретов в Салонах 1887 и 1890 годов и получила почетное упоминание за автопортрет на Всемирной выставке 1889 года. В 1890 году она вернулась в Стокгольм и преподавала в художественной школе, основанной Элизабет Кейзер, подругой и однокурсницей по Академии Жюлиана.

Проблемы:  Когда ей было 20 лет, семья Карлсон-Бредберг заметила, как она целуется с мужчиной, и они были вынуждены пожениться. Этот союз продлился семь лет и не позволил ей заниматься искусством. Она повторно вышла замуж в 189 г.5, и снова муж не одобрял ее художественную карьеру. Говорят, она предупредила своих племянниц: «Девочки, не забудьте подумать, как вам повезло, что вы не замужем!»

Луиза Бреслау (1856 –1927)

Луиза Бреслау, Друзья (1881). ©Musée d’Art et d’Histoire, Женева,

Предыстория:  Рисование было спасением от скуки для родившейся в Германии Луизы Бреслау, которую отправили в монастырь в болезненном детстве. Вскоре ее потянуло в Париж, она училась в Академии Жюлиана, прежде чем открыть собственную студию после успеха в Салоне, где она впервые выставлялась в 1879 году..

Работа:  Ее портрет  Друзья Бреслау и ее соседки по комнате, оперная певица и еще одна художница, удостоились почетного упоминания на Салоне 1881 года и гастролировали по Европе. «Это виртуозное исполнение краски, жеста, натюрморта, портретной живописи», — сказал Белл о «движущемся автопортрете».

Вершина карьеры: Бреслау представлял Швейцарию на Всемирной выставке 1889 года, завоевав золотую медаль. Государство приобрело три ее работы в Салонах Национального общества изящных искусств, где она также входила в состав жюри выставки. Ее работы были настолько высоко оценены, что в 1901 она стала первой иностранкой, получившей французский орден Почетного легиона.

Проблемы:  Несмотря на признание критиков, Друзья не обошлось без недоброжелателей. «Пресса также полностью пародировала и высмеивала его», — признал Белл, отметив, что одна жгучая карикатура изображает женщин как трио собак. «Это действительно лишает этих талантливых женщин их свободы воли. Это отрезвляющее напоминание о проблемах, с которыми столкнулись эти женщины, особенно когда они открыто заявляли о себе».

Элен Шерфбек (1862 –1946)

Элен Шерфбек, Дверь (1884). ©Национальная галерея Финляндии/Художественный музей Атенеум, Хельсинки.

Предыстория:  Хелен Шерфбек было всего 11 лет, когда она начала учиться в Школе рисования Финского художественного общества в Хельсинки. В 1879 году она выиграла приз общества, а в следующем году получила грант на обучение в Париже. Она путешествовала по Франции, подружилась с австрийской художницей Марианной Стоукс, а через несколько лет поступила в Академию Коларосси.

Вершина карьеры:  Единственная финская художница, принимавшая участие в Балтийской выставке в Мальмё, Швеция, в 1914 году, Шерфбек выставляла работы вплоть до своей смерти в 1946 году. работала преподавателем рисования, и десять лет ухаживала за матерью в отдаленной деревне, «способствуя ее маргинализации», согласно каталогу выставки. Учреждения периодически устраивают выставки ее работ, в том числе крупную передвижную выставку по случаю 150-летия со дня ее рождения, но она остается незаслуженно неизвестной за пределами своей родной страны.

Эллен Теслефф (1869 –1954)

Эллен Теслефф, Echo (1891). Предоставлено Американской федерацией искусств, ©Anders Wiklöf Collection Андерсудде, Аландские острова. Фото Кьелля Сёдерлунда.

Предыстория:  Эллен Теслефф родилась в Хельсинки и с 16 лет училась в частной финской академии живописи, а затем перешла в Рисовальную школу Финского художественного общества.

Работа:  В молодости Теслефф находилась под влиянием символизма. После переезда в Париж в 189 г.1 чтобы учиться в Академии Коларосси, она помогла сформировать финскую группу Septem, которая принесла импрессионизм в скандинавскую страну. Ее картина « Эхо » стала хитом на выставке Финского художественного общества 1891 года, которую критики назвали «прорывом».

Вершина карьеры:  Часто путешествуя, Теслефф выставлялся на международных выставках во Флоренции, Париже, Стокгольме и Санкт-Петербурге. Она выиграла бронзовую медаль на Всемирной выставке 1900 года в Париже.

Вызовы:  Теслефф был назван почетным членом Общества художников Финдленда и был награжден медалью Pro Finlandia от президента Финляндии в 1951 году, но не получил посмертного признания, за исключением выставки 1998 года в Хельсинкском Атенеуме.

Энни Хопф (1861–1918)

Энни Хопф, Вскрытие (профессор Пуарье, Париж) , 1889 г. Предоставлено Художественным музеем Берна, Швейцария.

История:  Анни Хопф, родившаяся в Швейцарии, переехала в Париж в 1882 году, где жила с другой швейцарской студенткой, Оттилией Родерштейн, которая, возможно, была ее любовницей. «Мы до сих пор очень мало знаем о ее биографии, — признал Белл. «Мы знаем, что она выставлялась, мы знаем, что она была в мастерской Джулиана, но у нее не было славы, знаменитости, как у Розы Бонёр».

Работа:  Несмотря на ограниченность сведений о карьере Хопф, ей удается произвести на выставке значительное впечатление одной-единственной картиной. «Это невероятно мощное полотно мертвого тела на столе для вскрытия», — сказал Белл. Историки искусства смогли опознать ученого, изображенного на картине, но как Хопф получил доступ к комнате вскрытия, остается загадкой.

Успех в карьере: Хопф учился в Академии Юлиана и был профессором Берлинской академии художеств. Она выставлялась в Салоне между 1884 и 189 гг. 0 и a Швейцарского общества изящных искусств в 1894 году.

«Женщины-художницы в Париже, 1850–1900» выставлены в Институте Кларка, 225 South Street, Уильямстаун, Массачусетс, с 9 июня по 3 сентября 2018 г.

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Восхождение «Новой женщины» в 19искусство ХХ века ​

Лаура Х. Матис, младший специалист по европейскому искусству XIX века, объясняет, как три работы, представленные в Нью-Йорке 18 апреля, отражают повышение статуса, уверенности и возможностей, предоставляемых женщинам в Belle Epoque Paris.

В 19 веке женщины начали бороться против ограничений, ограничивающих сферу их влияния домом. По мере того, как они выходили за рамки общества, стремясь осуществлять больший контроль над своей жизнью — как в социальном, так и в экономическом плане — был придуман термин «Новая женщина».

Новая женщина стремилась стать более активным участником общества и рабочей силы. Она получила новые законные права на владение собственностью и боролась за более высокий академический прогресс. Новая женщина и то, как она меняла лицо общества, вскоре стали популярной темой в искусстве, литературе и драматургии того времени — как и три нижеприведенные работы, все из которых представлены в Европейском искусстве XIX века  в Нью-Йорке на 18 апреля, свидетельство.

От частного к публичному — как «прогулка» помогла женщинам освободиться

«Новая женщина» заявила о своем праве проводить большую часть своей жизни на публике. Раньше респектабельным женщинам почти не нужно было покидать свои дома, поэтому женщина, прогуливающаяся по улицам, скорее всего, считалась бы проституткой. Однако к концу 19 века было не только приемлемо, но и модно прогуливаться по широким бульварам и паркам Парижа, созданным Османнизацией  , чтобы похвастаться модным новым платьем или шляпой.

бомонд Парижа проводил большую часть своего дня, особенно после обеда в воскресенье, катаясь верхом и прогуливаясь, по существу превращая бульвары и проспекты в приемных под открытым небом. Новые магазины, кафе и развлечения Belle Époque  Париж создали совершенно новую культуру, в которой женщины впервые сыграли неотъемлемую роль.

Жан Беро (Франция, 1849-1936), Rond-Point des Champs-Élysées , роспись около 1880 года. 14¾ x 22⅛ дюйма (37,4 x 56,2 см). Эстимейт: 500 000–700 000 долларов. Этот лот предлагается в 19Европейское искусство th Century, 18 апреля 2018 года, Christie’s, Нью-Йорк,

Этот сдвиг отражен в картине Жана Беро 1880 года  Rond-Point des Champs-Élysées  (вверху), на которой пассажиры двух вагонов обмениваются любезностями. Это, без сомнения, было достаточно обычным явлением, но тот факт, что один из водителей — молодая женщина, хорошо одетая в корсаж, ярко-красный галстук и котелок, придает этой сцене уникальный оттенок.

Она водит кабриолет, легкую двухколесную повозку, запряженную одной лошадью, и явно контролирует свое транспортное средство — идеальное воплощение Новой Женщины, демонстрирующей ее стиль и независимость.

Подъем омнибуса — нового центра социального взаимодействия

Внедрение омнибуса в крупные населенные пункты западного полушария стало переломным моментом в 19 веке. Доступный для всех, использование женщинами этого нового вида транспорта отражало их новообретенную свободу появляться на публике — даже без сопровождения — и давало им гораздо большую мобильность по городу.

Омнибусы использовались женщинами из праздного класса, потому что они предлагали прямой маршрут из роскошных пригородов в модные торговые районы. Но они были не менее популярны среди женщин из рабочего класса, которые нашли в них недорогой и эффективный способ добраться до работы.

Pierre Carrier-Belleuse (Франция, 1851–1932), L’Omnibus, 1877. 17⅝ x 32¾ дюйма (44,8 x 83,2 см). Эстимейт: 50 000–70 000 долларов. Этот лот выставлен на продажу в Европейском искусстве XIX века 18 апреля 2018 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке

.

В своей картине 1877 года L’Omnibus (вверху) Пьер Каррье-Бельез изображает общественный транспорт как центр социального общения, которым он был. Фигура в цилиндре и монокле слева сидит всего в нескольких местах от слегка взлохмаченного рабочего, который заснул.

Новое отношение, принятое молодыми женщинами, не всегда так хорошо воспринималось старшим поколением.

Однако наиболее поразительны две женские фигуры без присмотра в центре картины. Обе модно одетые, ярко-розовые бантики и модное колье молодой женщины, обращенной к зрителю, резко контрастируют с более скромно одетыми фигурами рядом с ними. Неодобрительный взгляд пожилой женщины справа, кажется, направлен в их сторону: новые взгляды, принятые молодыми женщинами, не всегда так хорошо воспринимались старшим поколением.

Модель в центре светского скандала

La Lettre  (ниже), написанный Полем-Сезаром Эллеу в 1880 году, более точно соответствует популярному образу женщин 19 века. Модно одетая, она полулежит на красивом бело-голубом диване и читает письмо, конверт небрежно брошенный на пол. Этот образ праздной женщины, запертой в элегантном интерьере, настолько далек от идеи Новой Женщины, насколько это вообще возможно.

Поль-Сезар Элле (французский, 1859 г.)-1927), La Lettre , окрашена в 1880 году. 23⅝ x 29 дюймов (60 x 73,7 см). Эстимейт: $300 000–500 000. Этот лот выставлен на продажу в Европейском искусстве XIX века 18 апреля 2018 года на аукционе Christie’s в Нью-Йорке

.

Мари Ренар, поразительная брюнетка-модель, которая позировала для картины — а также позировала Эдуарду Мане, Берте Моризо и Джону Сингеру Сардженту — была, однако, не так традиционна, как можно было бы предположить по картине. Наиболее печально известно, что Ренар был моделью для 9 Анри Жерве.0009 La femme au masque  1885 года, на котором она позировала только в черной маске домино. Эта картина, местонахождение которой сегодня неизвестно, произвела фурор, когда впервые была выставлена ​​в Салоне .

Один мужчина был настолько уверен, что его жена была натурщицей для La femme au masque  , что вызвал художника на дуэль

Хотя Гервекс никогда не утверждал, что моделью был кто угодно, кроме Ренара, не все ему поверили. Один мужчина был настолько уверен, что его жена была натурщицей, что вызвал художника на дуэль и был ранен на поле боя.

На рубеже веков La femme au masque стала центром судебного дела с участием женщины по имени Камиль дю Гаст. Стремясь лишить ее наследства, семья дю Гаста утверждала, что она была моделью для картины.